Esperanza Spalding, Robert Glasper y Terri Lyne Carrington: Afro Blue

Unir a estas tres grandes figuras del jazz no es precisamente una tarea fácil: Esperanza Spalding, Robert Glasper y Terri Lyne Carrington. 

La vocalista y contrabajista Esperanza Spalding lanzó su primer álbum, Junjo, en 2006, a través del sello español Avya Musica, después de lo cual firmó con el sello independiente estadounidense Heads Up, que lanzó su álbum homónimo en 2007. 

Su tercer álbum de estudio, Chamber Music Society (2010), fue un éxito comercial, ubicándose en el número 34 en el Billboard 200, y derivó en que Spalding ganara su primer premio Grammy como Mejor Artista Nuevo; Spalding fue el primer artista de jazz en ganar en esta categoría. Recibió más aclamaciones por su cuarto lanzamiento, Radio Music Society (2012), que ganó el Grammy al Mejor Álbum Vocal de Jazz, así como la pista City of Roses, ganadora de Mejor Arreglo, Instrumento y Voz.

Por su parte, la carrera de Robert Glasper como músico comenzó en serio mientras aún estudiaba en The New School en Nueva York cuando comenzó a hacer giras como acompañante con algunos de los grandes establecidos de la escena (el bajista Christian McBride y los trompetistas Terence Blanchard y Roy Hargrove). Al mismo tiempo, Robert estaba forjando una amistad con su compañero de New School, Bilal, así como un vínculo musical que los vio inmersos en un floreciente movimiento de hip hop y neo soul junto a artistas que definieron una era como Jill Scott, The Roots y J Dilla, tiempo durante el cual Glasper se convirtió en director musical de Yasiin Bey (anteriormente Mos Def).

Glasper lanzó su primer álbum, Mood, en 2002 con Fresh Sound New Talent. Mood presenta seis composiciones originales junto con versiones de los estándares del jazz, incluido Maiden Voyage de Herbie Hancock. Principalmente una grabación de trío de piano, con Bob Hurst en el bajo y Damion Reid en la batería, el álbum también cuenta con los saxofonistas Marcus Strickland y John Ellis, junto con el vocalista Bilal.

Entre tanto, la baterista Terri Lyne Carrington ha colaborado a lo largo de su carrera con Dizzy Gillespie, Stan Getz, Clark Terry, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Joe Sample, Al Jarreau y Yellowjackets, entre otros. Salió de gira con la banda de Herbie Hancock entre 1997 y 2007.

En 2007 fue nombrada docente en su alma máter, el Berklee College of Music, donde recibió un doctorado honorario en 2003. Ganó tres Premios Grammy, incluyendo un galardón en 2013 en la categoría de mejor álbum instrumental de jazz, lo que la convirtió en la primera mujer en ganar el premio en dicha categoría.

 

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El sonido inconfundible de Dizzy Gillespie: Manteca

John Birks 'Dizzy' Gillespie nació el 21 de octubre de 1917 en Cheraw, Carolina del Sur. Hijo de un albañil y músico ocasional que le dio muy mal trato. El joven Gillespie se peleaba con todo el mundo: "Yo era un diablo, un diablo fuerte".

Al cumplir los catorce años, comenzó a tocar el trombón, pero enseguida lo cambió por la trompeta, que ya manejaba con destreza cuando su familia se trasladó a Filadelfia en 1935. Allí obtuvo su primer contrato importante con la orquesta de Frank Fairfax.

Su vida cambió a medida que iba transformándose de matón en su juventud a auténtico ciudadano del mundo, cuyo apoyo a causas sociales, como la integración racial.

Se convirtió a la Fe Bahá'í, hacia la mitad de su vida. Se radica en Nueva York, donde rápidamente se dio a conocer como un joven instrumentista con un estilo característico. Tocó con las big-bands de Cab Calloway y Earl Fatha Hines y en el año 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunos discos. Con su trompeta curva, fabricaba sus frases vertiginosas y agudos prodigiosos inflando unos increíbles mofletes sobrenaturales.

Fue líder de varias big-bands a mediados de los años cuarenta. Las innovaciones armónicas y rítmicas que introdujo ayudaron a transformar el lenguaje musical del jazz en una forma expresiva moderna que cautivaba a los espectadores de todo el mundo. Entre sus composiciones destacan Salt Peanuts, Bebop y Night in Tunisia. 

Su obra Manteca fue un trabajo pionero del jazz afro-cubano, estilo que desarrolló especialmente al final de su carrera. Desde el punto de vista melódico, el estilo del bebop o bob del que Dizzy Gillespie fue con Charlie Parker y Kenny Clarke uno de los creadores, se caracteriza por el fraseo asimétrico, el cromatismo y las combinaciones de motivos breves, a modo de exclamación, con líneas largas y veloces. A fines de los 80, cuando ya había cumplido 70 años, creó su "Orquesta de la Nación Unida".

Manteca es una de las canciones estándares del jazz afrocubano compuesta por Dizzy Gillespie, Chano Pozo y Walter "Gil" Fuller en 1947. Es una de las primeras grabaciones de Gillespie junto a Una Noche en Túnez y considerada una de las más importante de los Estados Unidos.

En 1947, Gillespie le pidió a Mario Bauzá que le recomendara un percusionista cubano para su orquesta tipo big band. Bauzá le sugirió a Pozo, un percusionista "duro" ya famoso en Cuba, y Gillespie lo contrató. La banda estaba de gira en California cuando Pozo le presentó a Gillespie la melodía. Fuller le hizo los arreglos para big band.

Manteca se presentó por primera vez en su repertorio en Carnegie Hall el 29 de septiembre de 1947, y fue grabada el 22 de diciembre de 1947.

El término manteca parece referirse en esta pieza a la marihuana, ya que es así como se le conocía en términos familiares en el medio afrocubano de la época. Chano Pozo mismo murió durante una pelea en un club de Harlem con un vendedor de marihuana. La pieza sin embargo, se refiere a las tensiones raciales en Estados Unidos. Gillespie en una de sus grabaciones dice: "I'll never go back to Georgia" (Nunca Regresaré a Georgia),​ que es también el título de una las canciones del Sexteto de Joe Cuba, El Pito (I'll Never Go Back to Georgia)".

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Una leyenda llamada Arturo Sandoval

Arturo Sandoval nació en noviembre de 1949 en Artemisa (Cuba). A los doce años comenzó a estudiar trompeta clásica, aunque muy pronto sus gustos musicales le llevarían al jazz, pese a que nunca olvidaría sus orígenes, como lo demuestran sus grabaciones, ya entrados los noventa, y sus actuaciones con la Orquesta Sinfónica de la BBC, la Orquesta Sinfónica de Leningrado o la Orquesta Filarmónica de Los Angeles.

Fundador del grupo Irakere (con anterioridad formaba parte de la Orquesta Cubana de Música Moderna), fue uno de los innovadores que consiguió conjugar calidad, comercialidad e investigación musical, ganando un prestigio dentro y fuera de su país -consiguió un Grammy de la industria norteamericana-. En 1980 abandonó la formación para organizar su propia banda -Arturo y Grupo- en la que los ritmos cubanos, el jazz y el rock se entremezclaban con toda naturalidad. Fue elegido mejor instrumentista cubano en los años 1982, 1983 y 1984.

En 1990 trasladó su residencia a Florida (Estados Unidos), para comenzar a colaborar poco después con su ídolo y amigo Dizzy Gillespie, pasando a convertirse en un habitual de Gloria Estefan. Su música puede escucharse en las bandas sonoras de películas como Habana, Los reyes del mambo o La familia Pérez, y entre sus álbumes destacan: I remember Clifford (que recibió dos nominaciones para Grammy, en 1992), sus grabaciones con Michel Legrand: Dream come true o Flight to freedom, éste último para GRP Records, Danzón de 1994 (Grammy a la Mejor Interpretación de jazz latino) o Arturo Sandoval y el tren latino, editado en España a principios de mayo de 1995. En este último álbum destaca la voz de Celia Cruz en el tema La guarapachanga, la de Oscar De León en Candela (Yo sí como Candela) y la del cantante y percusionista nicaragüense Luis Enrique en Quimbombo.

A mediados de 1996 se editó en España el álbum Swinging, todo un regreso al jazz -continuación de su I remember Clifford- no exento de influencias latinas. En él colaboraron, entre otros, Michael Brecker (saxo tenor), Eddie Daniels (clarinete), Mike Stern (guitarra) o Joey Calderazzo (piano), y en el que aparecen temas de Woody Saw (Moontrane) o clásicos versioneados de un modo muy personal como Mack the knife.

Es uno de los artistas en vivo más dinámicos y vivaces de nuestro tiempo, y ha sido visto por millones en los premios Oscar, los premios Grammy y los premios Billboard.

Sandoval ha sido galardonado con 10 premios Grammy y nominado 19 veces; también ha recibido 6 premios Billboard y un premio Emmy. Este último por su trabajo compositivo en todo el guión bajo de la película de HBO basada en su vida, Por amor o patria protagonizada por Andy García como Arturo. Sus dos últimos álbumes ganadores de premios Grammy, Querido Diz, Todos los días pienso en ti y Tango Como Yo Te Siento ya están disponibles en todo el mundo. El CD de Arturo Sandoval, Eternamente Manzanero, interpretando la música del venerado pianista/cantante/compositor romántico mexicano, Armando Manzanero, es una verdadera obra de amor. Interpretando la música del Señor Manzanero con el co-cabeza de cartel Jorge Calandrelli, el álbum es una versión fresca, moderna y agradable de su hermosa música de bolero.

Recientemente lanzado, es un nuevo libro que narra su relación con Dizzy Gillespie titulado El hombre que cambió mi vida. Arturo también recibió en 2013 la Medalla Presidencial de la Libertad.

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La Guantanamera de Alfredo Rodríguez Trio

El pianista nominado al Grammy, Alfredo Rodríguez refleja el talento de los legendarios pianistas de jazz Keith Jarrett, Thelonious Monk y Art Tatum. Educado en los rigurosos conservatorios clásicos de La Habana, el fascinante arte de Rodríguez, nacido en Cuba, se basa tanto en Bach y Stravinsky como en sus raíces cubanas y de jazz. Descubierto en el Festival de Jazz de Montreux de 2006 por Quincy Jones, Rodríguez se ha distinguido como la definición del jazz y la improvisación sin fronteras.

En  The Invasion Parade, el álbum de seguimiento de su debut en Mack Avenue Records, Sounds of Space, Rodríguez explora sus recuerdos de Cuba, la gente y la cultura que dejó atrás, y encuentra su nuevo lugar. Coproducido por Quincy Jones y con un conjunto soberbio que incluye a la bajista/vocalista Esperanza Spalding y al percusionista/vocalista Pedrito Martínez, el disco está compuesto por nueve temas que incluyen originales de Rodríguez, así como temas perennes como Guantanamera, de María Teresa Vera, Veinte Años y Quizás, Quizás, Quizás. 

El cuarto álbum de estudio de Rodríguez,  The Little Dream (Mack Avenue Records), se grabó en solo dos días, y la mayoría de las canciones se hicieron en una sola toma. Dos músicos que se unieron a Rodríguez y ayudaron a dar forma al sonido del álbum son Michael Olivera y Munir Hossn. El álbum más reciente de Rodríguez es  Duologue, una colaboración con Pedrito Martínez lanzado el 1 de febrero de 2019.

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La figura gigantesca de Wayne Shorter

El cuartero de Wayne Shorter: Brian Blade, Danilo Pérez y John Patitucci

Considerado uno de los mejores compositores del mundo y uno de los mejores saxofonistas de jazz de todos los tiempos, Wayne Shorter ha recibido 11 premios Grammy, un premio Lifetime Achievement Grammy, cinco doctorados honorarios, el Kennedy Center Honor, Polar Music Prize, Lifetime Premio al Logro del Thelonious Monk Institute of Jazz y muchos otros premios y honores por sus contribuciones a la música.

Las composiciones de Wayne  Shorter se han convertido en estándares del jazz y su música ha obtenido reconocimiento mundial, elogios de la crítica y varios elogios. También ha recibido elogios por su dominio del saxofón soprano después de cambiar su enfoque del tenor a fines de la década de 1960, comenzando un reinado prolongado en 1970 como ganador de la encuesta anual de Down Beat sobre ese instrumento, ganando la encuesta de los críticos durante 10 años consecutivos y los lectores por 18. El New York Times describió a Shorter en 2008 como "probablemente el mejor compositor vivo de grupos pequeños de jazz y un competidor para el mejor improvisador vivo ".

Tras el lanzamiento de Odyssey of Iska en 1970, Shorter formó Weather Report. La banda produce muchas grabaciones de alta calidad en diversos estilos, siendo el funk, el bebop, el jazz latino, la música étnica y el futurismo los denominadores más predominantes. Después de dejar Weather Report en 1986, Shorter continuó grabando y dirigiendo grupos en estilos de fusión de jazz.

En 2000, formó el primer grupo acústico permanente bajo su nombre, un cuarteto con el pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el baterista Brian Blade, tocando sus propias composiciones. Se han lanzado cuatro álbumes de grabaciones en vivo: Footprints Live; Más allá de la barrera del sonido; Sin red; y Emanon, con este último, además de material en vivo, incluido el cuarteto de Shorter en una sesión de estudio con la Orquesta de Cámara Orpheus de 34 piezas.

Las obras de Wayne Shorter han sido interpretadas por la Sinfónica de Chicago, la Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de Lyon, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Polaca, la Orquesta de Cámara Orfeo, la Filarmónica de Praga y la Orquesta Real del Concertgebouw. Ha recibido encargos de las Orquestas Sinfónicas Nacional, de St. Louis y de Nashville, la Filarmónica de Los Ángeles y la Sociedad de Música de La Jolla.

Shorter ha realizado más de 200 composiciones y docenas de estas obras se han convertido en estándares modernos.

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Emmet Cohen, Verónica Swift y Johnny O'Neal: un trío de lujo

El multifacético pianista y compositor estadounidense de jazz Emmet Cohen está a la vanguardia del avance de la música y las artes relacionadas de su generación. Un prodigio reconocido, Cohen comenzó la instrucción de piano con el método Suzuki a los tres años, y su forma de tocar rápidamente se convirtió en una fusión madura de musicalidad, técnica y concepto. Downbeat observó que su "toque ágil, paso mesurado y cálido vocabulario armónico indican que está por encima de cualquier espectáculo técnico enrevesado". 

Cohen señala que interpretar jazz es “sobre comunicar los niveles más profundos de humanidad e individualidad; se trata esencialmente de conexiones”, tanto entre músicos como con el público. Dirige su conjunto homónimo, el Emmet Cohen Trio, es un solista vibrante y está en constante demanda como acompañante. Poseedor de una técnica fluida, una innovadora paleta tonal y un extenso repertorio,

Emmet Cohen está comprometido con la transferencia intergeneracional del conocimiento, la historia y las tradiciones del jazz. Su compromiso profesional característico es la Serie Masters Legacy, un conjunto de grabaciones y entrevistas de celebración en honor a músicos de jazz legendarios. Se desempeña como productor y pianista para cada álbum de la serie. 

La fuerza de Antonio Serrano: Rhasody in Blue, de George Gerswhin

Antonio Serrano es un harmonicista, virtuoso de su instrumento, uno de los nombres más grandes en el jazz actual y uno de los músicos más solicitados de este país. Dotado con una facilidad técnica fascinante y un profundo conocimiento teórico, Serrano también muestra una enorme versatilidad musical la cual es fielmente reflejada en su gran historial de colaboraciones. 

Su harmónica se mueve con igual eficacia en terrenos musicales tan remotos como el jazz, flamenco, pop y clásico. Él ha compartido escenario con artistas como Barbara Hendricks y Plácido Domingo, con innumerables orquestas clásicas en Europa, Wynton Marsalis, Lou Bennet, Toots Thielemans, Vicente Amigo, Carles Benavent y el gran Paco de Lucía entre muchos otros.

Su trepidante trayectoria le ha valido para ser premiado con el Masters of Mediterranean Music en Jazz Flamenco por su aportación revo­lucionaría a este estilo, otorgado en 2014 por el Berklee Mediterranean Music Institute, así como recientemente ha recibido el Grammy Latino, por parte de la Latin Academy of Recording Arts & Sciences, en reconocimiento por su participación como artista en la grabación del disco Entre 20 aguas: a la música de Paco De Lucía.

En el jazz ha colaborado con grandes artistas como Winton Marsalis, Jerry González, Chano Dominguez, Lou Bennet, Jorge Pardo, Perico Sambeat o Javier Colina entre otros y con su propia banda.

Finalmente, Antonio Serrano se hace famoso por introducir la armónica en el Flamenco, un género casi impenetrable para músicos no nacidos en la cultura flamenca. Se hace miembro del grupo de Paco de Lucía durante sus últimos 10 años y hace con él ocho giras mundiales.

Actualmente está inmerso en sus própios proyectos fundamentalmente dentro del jazz el flamenco y la música clásica.

Rhapsody in Blue, que Serrano rememora en esta ocasión, es una composición creada por George Gershwin para piano solo y banda de jazz, escrita en 1924, en la que se combinan elementos de música clásica con efectos de influencia jazzística. 

La obra se estrenó el 12 de febrero de 1924 en el Aeolian Hall de Nueva York, en un concierto titulado "Un experimento en música moderna" (An Experiment in Modern Music), dirigido por Paul Whiteman y su banda, con Gershwin al piano. En el título, la palabra "blue" se refiere tanto al estilo musical blues (canción de este típico género musical estadounidense) como al estado de ánimo blue, que significa en inglés "triste, melancólico". La versión para piano y orquesta sinfónica, arreglada por Ferde Grofé en 1946, se ha convertido en una de las obras más populares de la música clásica de los Estados Unidos.

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Denson, Blade y Pilon: Daily Jubilee of Dancing Herbie D.

El Berklee College of Music de Boston tiene la reputación de ser una incubadora de algunos de los mejores músicos, incluidos Quincy Jones, Diana Krall y Melissa Etheridge, entre otros. Por lo tanto, no debería sorprender que el trío adjunto a esta grabación, el bajista Jeff Denson , el guitarrista Romain Pilon y el baterista Brian Blade, fueran estudiantes y amigos destacados mientras asistían simultáneamente a Berklee.

Como muchos otros músicos, los dos años terribles de la pandemia de Covid-19 pusieron en suspenso muchas actividades comunitarias. Así que reagrupando para esta sesión de grabación de 2022 Finding Light, esperaban continuar donde lo dejaron en 2019/2020 cuando estaban grabando, viajando y tocando juntos. Esta salida de diez pistas consta de material original, ya sea de la pluma de Denson o Pilon, que pretende capturar el placer del grupo ahora estar juntos después de la separación forzada causada por la pandemia.

El número de apertura es "Daily Jubilee of Dancing Herbie D", uno de los seis originales compuestos por Denson. Es una oferta alegre y de ritmo acelerado con un guiño rítmico hacia Nueva Orleans. La siguiente contribución es la canción principal, "Finding Light", otro original de Denson. Está destinado a contar una historia esperanzadora que traería la salida de la pandemia. 

Denson y Blade se involucran en un pas de deux musical que muestra pulido sobre el poder. El primero de los cuatro gráficos de Pilon se titula This Way Cooky. Si uno puede superar el hecho de que el número es un "homenaje" a su perro, tiene un ritmo bromista con algunos elementos funky que la banda ha integrado en una sólida exposición de la lista.

Aunque la música en esta sesión es un reflejo de la pausa forzada del grupo debido a Covid, el verdadero impulso para el álbum se remonta a 2017 cuando Denson y Blade formaban parte de un grupo de gira diferente y simplemente hicieron clic musicalmente. Su interacción es la columna vertebral de la cohesión del trío. Un ejemplo: la forma en que se empujan entre sí en la pieza de swing de Denson, The Tipster.

Las últimas tres pistas son todas composiciones de Pilon: Terre (Tierra), Espoir (Esperanza) y Sixto. Si bien su estilo compositivo es diferente al de Denson y su inspiración a veces se basa en su origen francés, cada número es una composición elegantemente sólida con una amplia sofisticación armónica. Este es un buen y satisfactorio seguimiento de su lanzamiento inicial.

Jubilee of Dancing Herbie D. es la primera canción de Finding Light, el segundo álbum de celebración del bajista Jeff Denson, el guitarrista Romain Pilon y el baterista Brian Blade, que fue lanzada el 23 de septiembre de 2022 a través de Ridgeway Records.

Esta melodía impar se inspiró en el schnauzer miniatura de Denson, un pequeño perro inteligente con una gran personalidad. Rebotando con un ritmo irresistible en las cercanías de Nueva Orleans, es una invitación para un juego al aire libre escrito con Blade y Pilon en mente.

"Daily Jubilee of Dancing Herbie D." compuesta por Jeff Denson

Jeff Denson – double bass 

Romain Pilon – guitar

Brian Blade – drums 

Jeff's Info:

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Romain's Info:

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Grabado en el 25th Studio, Oakland, el 17 de enero de 2022.

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El explosivo 'Thriller' del cubano Alfredo Rodríguez

En 2017 se cumplieron 10 años del padrinazgo de Alfredo Rodríguez por parte de Quincy Jones. Fue en 2007 cuando el músico y productor norteamericano cayó rendido por el arte y las maneras de este pianista cubano en el Festival de Jazz de Montreaux. Su padrinazgo supuso un empuje importante para el inicio de una trayectoria jazzística internacional.

Alfredo Rodríguez es natural de la Habana, Cuba, (7 de octubre de 1985) y proviene de una familia de músicos. Su padre, Alfredo Rodríguez (más conocido como Alfredito), ha sido durante décadas un popular cantante, presentador de televisión y actor cubano.

Rodríguez realizó su formación musical clásica en los conservatorios de música de La Habana “Manuel Saumell”, “Amadeo Roldán” y el “Instituto Superior de Artes” (ISA). Su incursión en la música popular la realizó en la orquesta de su padre con quien colaboraba escribiendo arreglos sobre todos los géneros populares y bailables.

En estos años de música Alfredo Rodríguez se ha presentado en numerosos festivales internacionales de Jazz entre los que destacan el Festival de Jazz de San Francisco, Festival de Jazz de Playboy, SXSWMusic, el Monterrey Jazz Festival, el Festival de Jazz de Detroit, Gilmore Festival International Keyboard, Roots Jazz Performing, el Festival de Jazz de Newport, el Open Air Festival Internacional XVI (Polonia), el North Sea Jazz Festival (Holanda), el ya mencionado Montreux Jazz Festival (Suiza), el Festival de Jazz de Umbria (Italia) y el Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona, entre otros.

Alfredo Rodriguez Trio "Thriller" Live at Blue Note Tokyo 2022

Alfredo Rodríguez - Piano 

Panagiotis Andreou - Bass

Michael Olivera - Drums

Visita el sitio oficial de Alfredo Rodriguez:

http://www.alfredomusic.com

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La dupla Motis y Chamorro con Scott Hamilton: Summertime

En el mundo de la música ha habido varios casos de éxito temprano y fulgurante, figuras que desde muy jóvenes han destacado y de las que pronto se ha visto que su proyección podía ser enorme. Y ahora nos encontramos con uno de estos casos, aunque lleva ya algún tiempo causando sensación. Porque no puede decirse que Andrea Motis sea un proyecto de estrella en el mundo del jazz, Andrea Motis es la nueva revelación del jazz & blues vocal en España. Nació en Barcelona y empezó a tocar la trompeta a los siete años y a los trece debutó como cantante en la SAJB. 

Toca la trompeta y los saxos alto y soprano y tiene una maravillosa voz que empezó enamorando al público de Cataluña y que ya ha llegado a otros muchos rincones de España y del mundo, porque Joan Chamorro, director de la Sant Andreu Jazz Band (SAJB) y Motis no paran de actuar. Y aunque siguen siendo los escenarios catalanes los que más frecuentan, también han actuado en otras provincias españolas y en varios países (Francia, Suiza y Brasil y pronto lo harán en Turquía, Italia e Inglaterra), han grabado tres discos, Joan Chamorro presenta Andrea Motis, Feeling Good y Live at Jamboree (de donde sale este Summertime, de George e Ira Gherswin), ya están preparando el siguiente y algunos de sus vídeos que hay circulando por Internet han superado las 300.000 reproducciones. La SAJB es una cantera de buenos músicos y habrá que estar pendiente de ellos.

La Sant Andreu Jazz Band, dirigida por Joan Chamorro, es una escuela de formación musical y un grupo integrado por jovencísimos músicos, entre 8 y 18 años de edad, que tiene su sede en el barrio de Sant Andreu de Barcelona y que está causando sensación en el mundo entero. Y Joan Chamorro, además de ser el director de esta escuela de música, tiene sus propios grupos de jazz, en algunos casos incorporando intérpretes de la SAJB. 

Andrea Motis se atreve con todo tipo de temas. Con canciones clásicas que hace suyas y nos las devuelve en una personalísima versión llena de sensibilidad, dulzura y encanto con esa voz tan limpia y armoniosa que posee. 

Lo más habitual es que Joan (contrabajo, saxos y en ocasiones voz) y Andrea (voz, trompeta y saxos) estén acompañados en sus actuaciones por Ignasi Terraza al piano, Josep Traver con la guitarra y Esteve Pi a la batería. 

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