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octubre 20, 2019

Gonzalo Rucalcaba: Nueva Cubana



El pianista y compositor cubano Gonzalo Rubalcaba es uno de los iconos del jazz moderno. Con quince nominaciones y cuatro premios Grammy en su haber, Rubalcaba es descendiente de un linaje de instrumentistas y compositores, y fue un niño prodigio que tocaba la batería a los seis años en la orquesta de su padre, Guillermo Rubalcaba.

Nacido en 1963 en La Habana post-revolucionaria, se graduó en el Instituto de Bellas Artes de La Habana con una licenciatura en composición, mientras trabajaba como baterista y pianista en salas de conciertos y clubes de jazz de la ciudad, informa el Festival.

Tras terminar sus estudios recorrió Cuba, Europa, África y Asia con la legendaria Orquesta Aragón y también en grupos de jazz hasta que, a partir de 1984, lideró su propia formación.

A los 22 años, durante la inauguración del Festival Jazz Plaza de La Habana, el invitado de honor, Dizzy Gillespie, le propuso que tocaran juntos, lo que supuso un punto de inflexión en su carrera, que tomó pulso ante las audiencias de jazz en Estados Unidos hasta obtener el reconocimiento unánime de la crítica especializada, que lo incluyó entre los mejores 50 pianistas del siglo XX.

Esto propició una carrera discográfica internacional que incluye títulos como Nocturne (2001) y Land of the Sun (2004), dos colecciones de baladas y boleros latinos grabados con el bajista Charlie Haden; Supernova (2002), Solo (2006) o su más reciente álbum, Skyline (2019) con Ron Carter y Jack DeJohnette.


Ha colaborado además con músicos como Pat Metheny, David Sánchez, Ron Carter o João Bosco.


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octubre 07, 2019

La portentosa Veronica Swift canta "Cherokee"


Qué más decir de Wynton Marsalis que no se haya dicho antes. Su trabajo al frente de la Jazz at Lincoln Center Orchestra lo ha catapultado a la fama, ganándose una reputación de director férreo y disciplinado. Esta bigband es parte de Jazz at Lincoln Center, una organización de artes escénicas en la ciudad de Nueva York.

Actualmente la conforman, además de Marsalis en la dirección y la trompeta, Ryan Kisor, Marcus Printup y Kenny Rampton, trompetas; Chris Crenshaw, Vincent Gardner y Elliot Mason, trombones; Robert Stewart, Walter Blanding, Victor Goines, Sherman Irby y Ted Nash, saxofones; Paul Nedzela, saxofón barítono; Dan Nimmer, piano, y Carlos Henriquez, contrabajo.

Marsalis es considerado el músico de jazz de mayor impacto mediático de los últimos veinticinco años y uno de los grandes trompetistas de la historia. Es el abanderado del neoclasicismo en el jazz, abarcando con un estilo clásico y técnicamente impecable al swing y las lecturas más modernas del bebop.

Por su parte, Verónica Swift, de 24 años, invitada a interpretar esta versión de Cherokee, está siendo reconocida como una de las mejores cantantes jóvenes en la escena del jazz.

En 2015, ganó el segundo lugar en la prestigiosa competencia Thelonious Monk Jazz Competition. En 2016, le pidieron que realizara un concierto propio en el Tribeca Performing Arts Center de Nueva York y fue artista invitada con Michael Feinstein en Jazz at Lincoln Center con Tedd Firth Big Band y Marilyn Maye y Freda Payne. La primera aparición de Veronica en Jazz at Lincoln Center fue a los 11 años cuando actuó en la serie "Women in Jazz" en Dizzy's Club Coca-Cola.

Sus padres fueron el fallecido pianista de jazz Hod O'Brien y la cantante Stephanie Nakasian. A la edad de nueve años, grabó su álbum debut, Veronica's House of Jazz (2004), con Richie Cole tocando con la sección de ritmo de su padre. Ella comenzó a viajar con sus padres en este momento también. A los once años, apareció en la serie Women in Jazz en Dizzy's Club Coca-Cola; A los 13 años, lanzó su segundo álbum, It's Great to Be Alive (2007), en el que también tocó el saxofonista Harry Allen.

En opinión del crítico Bill Milkowski, tiene un tono y fraseo perfectos, como lo podrán apreciar en este impresionante "scat" que despliega en esta versión de Cherokee, el famoso tema del compositor Ray Noble. No se la pierdan. 


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septiembre 08, 2019

Christian Sands: talento emergente


Christian Sands fue guiado por el pianista Billy Taylor, quien le permitió cerrar uno de los sets que Taylor tocó en el Kennedy Center. Sands comenzó sus estudios en la Manhattan School of Music. La Orquesta de Jazz Afrocubano de la escuela, dirigida por Bobby Sanabria, grabó el álbum Kenya Revisited Live en 2009; fue nominado para un Grammy latino.

Después de graduarse, Sands se unió a Inside Straight, una de las bandas del bajista Christian McBride, con quien ha viajado internacionalmente.

Sands se convirtió en un artista Steinway en 2012. En 2014, Sands citó como influencias a McBride, Wynton Marsalis, Kenny Garrett y Marcus Roberts, porque "vienen de la tradición de atraer a la gente a la música, pero también la trasladan. avanzar hacia nuevas direcciones ". En el mismo año, Sands se convirtió en Finalista de los Premios de la Asociación de Pianistas de Jazz de América. 


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septiembre 05, 2019

Shaun Martin: fusión contemporánea



El tecladista de Texas Shaun Martin es un intérprete solista muy respetado y un acompañante cuyas habilidades en el jazz lo han encontrado trabajando en una variedad de estilos, desde jazz instrumental hasta gospel, hip-hop y R&B. Emergiendo en los años 90, Martin inicialmente construyó su reputación como músico de sesión, trabajando con Kirk Franklin en álbumes exitosos como God's Property de 1997 y The Fight of My Life de 2007. Desde 2010, ha sido miembro habitual de Snarky Puppy, apareciendo en álbumes ganadores de premios Grammy como Family Dinner, Vol. 1 en 2014 y Culcha Vulcha de 2017.

Nacido en Dallas, Martin comenzó a tocar música alrededor de los cuatro años, estudiando piano clásico y jazz. Cuando era adolescente, asistió a la Escuela Secundaria Booker T. Washington para las Artes Escénicas, donde se unió a las filas de alumnos como el trompetista Roy Hargrove y el vocalista Erykah Badu. Después de la secundaria, asistió a Weatherford College y a la Universidad del Norte de Texas, donde obtuvo su Licenciatura en Artes y Ciencias Aplicadas.

Después de graduarse de la universidad, Martin se estableció como un músico de estudio y colaborador muy solicitado. A finales de los 90, comenzó lo que se convertiría en una asociación de larga data con Kirk Franklin, trabajando como director musical del artista gospel. El perfil de Martin creció aún más después de actuar y coescribir con Badu para su segundo álbum, Mama's Gun de 2000. Desde entonces, ha producido, grabado y / o realizado giras con un grupo de artistas conocidos como Timbaland, Chaka Khan, Yolanda Adams, Tamela Mann y otros. Con Franklin, Martin ha ganado tres Grammy al Mejor Álbum, incluido uno para Hello Fear, certificado por el oro en 2011. En 2014, Martin se llevó a casa un cuarto Grammy, esta vez por Mejor Interpretación de R&B con el equipo experimental Snarky Puppy }, del cual ha sido miembro desde 2010 Tell Your Friends.

Cuando no está de gira, Martin también se desempeña como Ministro de Música en Friendship West Baptist Church en Dallas. En 2015, Martin lanzó su álbum debut como solista, el "7 Summers", en gran parte instrumental e infundido con jazz. Su segundo álbum, "Focus", le siguió en 2018. También ese año, adivinó el sencillo "Steppin Out" del guitarrista Doc Powell, que apareció junto a la flautista Althea Rene y la saxofonista Kelley O'Neal.



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agosto 26, 2019

El jazzfolk inédito de Camila Meza



La guitarrista y cantante chilena Camila Meza combina el jazz y sus amplios gustos musicales, incluidas notas de música latinoamericana, brasileña, folk y pop, uniendo esos sonidos en melodías e improvisaciones irresistibles.

Nacida en 1985 en Santiago, Chile, Meza estudió con el cantante argentino Jorge Vidal y el guitarrista chileno Jorge Díaz. Meza puede ser mejor conocida por su voz, prefiriendo una entrega límpida sin vibrato que recuerda el tono de Jim Hall y la frase ingeniosa de Claudia Acuña, pero es una vocalista accidental. Descubrió su habilidad vocal en el Projazz Instituto Profesional en Santiago, a través de una clase de entrenamiento auditivo que tomó como parte de sus estudios de guitarra. 

Su primera grabación, Giovanni Cultrera, Espinoza y Cia (Navidad en Jazz), fue lanzada en 2005. Su álbum debut oficial,  Skylark,  fue lanzado en 2007. Ha actuado en Rhizome and the Nectar Orchestra de Fabian Almazan, un grupo de cámara que co-lidera con el bajista Noam Wiesenberg.

Su cuarto álbum en general, Traces fue producido por Matt Pierson en 2016 y lanzado por Sunnyside Records. Presenta a Shai Maestro, Matt Penman y Kendrick Scott, con invitados especiales como Bashiri Johnson, Sachal Vasandani y Jody Redhage.l El álbum en cuestión incluye ocho nuevas composiciones de su autoría, además de Green Finch and Linnet Bird (Sondheim), Amazon Farewell (Djavan), Luchin (Victor Jara) y Little Person (Jon Brion).


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agosto 10, 2019

Dos colosos y un sonido excepcional



McCoy Tyner, no solo es un extraordinario pianista, y extraordinario representante del estilo modal, sino que por la delicadeza de su toque, por la búsqueda de una sonoridad siempre brillante y el carácter ornamental de sus improvisaciones, es uno de los grandes músicos de jazz moderno.

El rol que desempeñó en el seno del cuarteto de Coltrane, le ha marcado, sin duda, de forma irreversible, y siempre para bien: el pianista del sosiego, la suavidad, la serenidad y la certeza, lo contrario de los furores inquietos de su líder.

El gran reconocimiento de McCoy Tyner es que su carrera después de John Coltrane ha estado lejos de ser anti-climática. Junto con Bill Evans, Tyner ha sido el pianista más influyente en el jazz de los últimos 50 años, con su voz de acorde adoptada y utilizada por prácticamente todos los pianistas más jóvenes. Tyner (como Thelonious Monk), un poderoso virtuoso y un verdadero original (compara su forma de tocar a principios de los años 60 con cualquier otra persona), no ha alterado mucho su estilo desde sus ini-cios, pero ha seguido creciendo y convir-tiéndose incluso más fuerte.

Por su parte, el saxofonista Ravi Coltrane es el segundo hijo del saxofonista tenor John Coltrane y la pianista Alice Coltrane. Se crió en Los Ángeles, California, y recibió su nombre en honor al músico indio Ravi Shankar, de gran influencia sobre su padre, quien murió cuando Ravi tenía dos años de edad. En 1986, estudió música centrándose en el saxofón en el California Institute of the Arts. Ravi estudió intensamente con Steve Coleman, una influencia significativa en su concepción musical.

A pesar de su legado familiar y su fuerte afinidad por la producción musical de sus dos padres, se ha establecido como un músico distintivamente fascinante por derecho propio. Álbumes como In Flux de 2005 y Spirit Fiction de 2012 muestran su rico enfoque armónico y cálidos sonidos que son propios.


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La mistura de House of Waters



House of Waters compartió el nuevo video de su tema titulado Wedding Song de su último álbum, Rising, disponible ahora a través de GroundUp Music.

La canción encapsula perfectamente su combinación característica de la tradición del viejo mundo y la música moderna del mundo, y captura la maravillosa química compartida entre los miembros de la banda, el virtuoso del arpa Max ZT, el baterista Ignacio Rivas Bixio y el bajista Moto Fukushima, este último particularmente brillando en esta pista con un bajo estelar solo. 

Rising se grabó en una intensa sesión de dos días sin el uso de sobregrabaciones para capturar la espontaneidad que es el sello distintivo de los esfuerzos creativos de la banda.


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julio 21, 2019

El inolvidable feeling de George Duke



George Duke -que fusionó sonidos de jazz acústico, jazz electrónico, funk, R&B y soul- comenzó a tomar lecciones de piano a los cuatro años, después de haber visto tocar al pianista Duke Ellington.

Duke lanzó más de treinta álbumes como solista, participó en una serie de álbumes de Frank Zappa, en la Orquesta de Don Ellis y en la banda Cannonball Adderley. Fue el tecladista del álbum multiplatino de Michael Jackson Off the Wall, de 1979.

Además, trabajó como productor de Miles Davis, Smokey Robinson y Natalie Cole.

George produjo álbumes para Regina Belle y Marilyn Scott, y continuó de gira con su banda en los Estados Unidos y Europa. También encontró tiempo para anotar su segunda película para Ernest Dickerson Never Die Alone, protagonizada por DMX.

Duke completó el trabajo en DUKE, su segundo CD en solitario en su sello, BPM. En septiembre, fue director general de la gala Black Caucus y los premios Thelonius Monk Institute en DC.

George recibió el codiciado Premio Edison Life Time Achievement en Rotterdam en noviembre. En enero de 2005, George se desempeñó como artista y doctor en una serie de conciertos especiales en la India con Al Jarreau, Stanley Clarke, Earl Klugh, L Subramanium y Ravi Coltrane. BET y MTV India documentaron algunos de los shows.

Duke compuso el tema para el programa de radio PBS "Noticias y notas" de Ed Gordon, y voló a Yakarta, Indonesia, para el 1er Festival Anual de Jazz de Yakarta. Siguieron más fechas en vivo con George promocionando su nuevo CD.

Duke murió a los 67 años en Los Ángeles, California, en agosto de 2013. El músico ganador del Grammy sufría de leucemia linfocítica crónica.

T-Jam, del DUKE, fue nominado para un Grammy como" Mejor Interpretación Pop Instrumental". Este tema fue lanzado en 2005 por BPM Records.

Músicos / Personal:
Christian McBride - Bajo
Teddy Campbell - Tambores
Leyes de Hubert - Flauta
Erick Walls - Guitarra
Sheila Escovedo - Percusión
Daniel Higgins, Everette Harp - Saxofón Isaac Smith - Trombón
Oscar Brashear - Trompeta
George Duke - Teclados, Escritor, Arreglista, Productor

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Tres genios conforman The Crosscurrents Trio



The Crosscurrents Trio, compuesto por el bajista Dave Holland, el intérprete de tabla Zakir Hussain y el saxofonista Chris Potter, lanzarán su álbum debut, Good Hope, el 11 de octubre a través de Edition Records. "Este proyecto ha sido una fuente de inspiración y crecimiento para todos nosotros en el Crosscurrents Trio", explica Holland a través de un comunicado de prensa.

"Estamos contentos de haber capturado en esta grabación algo de la alegría y el sentido de la aventura y la toma de riesgos que sentimos cuando jugamos juntos". El trío también ha anunciado una gira por Europa de 18 años, que actualmente está lista para comenzar 23 de octubre en el Enjoy Jazz Festival en Heidelberg, Alemania, y finaliza el 17 de noviembre en el London Jazz Festival en el Reino Unido.

El saxofonista Chris Potter llegó a la fama como músico de estudio con el trompetista Red Rodney, antes de colaborar con el baterista Paul Motian, el bajista Dave Holland, el trompetista Dave Douglas y otros. Grabó su álbum de debut en 1993 y según el conocido crítico Steve Huey, "silenciosamente se convirtió en uno de los más sofisticados y respetados estilistas de los años 90 y principios de los 2000.

El contrabajista inglés Dave Holland es una figura destacada dentro del estilo avant-garde. Ha tocado y grabado discos con afamados músicos de jazz, como director y como acompañante.

Ha trabajado junto a Miles Davis, Stan Getz, Chick Corea, Anthony Braxton, el multiinstrumentista Sam Rivers, y en el trío Gateway con John Abercrombie, Jack DeJohnette y con el guitarrista Pepe Habichuela.

La mayoría de sus discos están grabados en el sello ECM, aunque desde el 2004 tiene contrato con EmArcy.

Por su parte, el indio Zakir Hussain es considerado el más grande ejecutante de tabla. Es hijo de otro reconocido tablista: Ustad Alla Rakha. Sus trabajos abarcan música de la India, jazz, fusión y música del mundo. También es compositor y cantante ocasional.

Fue coautor del tema de inauguración de los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996 y miembro fundador de la organización mundial 'World Music Supergroup' Tabla Beat Science. Actualmente enseña tabla a estudiantes avanzados en San Francisco y Bombay y participa en Global Drum Project. 


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julio 14, 2019

Robert Glasper: un micrófono, una toma



El pianista de jazz Blue Note, Robert Glasper, se une a Taylor McFerrin y Derrick Hodge en la reinterpretaciones de Radiohead, y los resultados son realmente impresionantes.

"¿Qué sucede cuando tomamos a un artista, un micrófono, un estudio de grabación icónico y le damos una oportunidad de mostrar su talento en bruto?" Esa es la declaración promocional detrás de la serie 1 Mic 1 Take, un video de Vevo (el video sitio creado por las principales etiquetas).

El "icónico" estudio en cuestión es Capitol, hogar de exitosas grabaciones de artistas como Frank Sinatra, Nat King Cole y The Beach Boys. Aquí, sin embargo, el pianista de jazz de Blue Note, Robert Glasper, se ha juntado con el hijo de Bobby McFerrin, Taylor, quien, al igual que sus papás, suministra acompañamiento musical a través de sus cuerdas vocales. El bajo es el colaborador habitual de Glasper, Derrick Hodge.

Ha sido nominado para siete premios Grammy, ha ganado tres premios Grammy y un premio Emmy. Su álbum de 2012, Black Radio, ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum de R&B en la 55ª edición de los Premios Grammy. Su álbum Black Radio 2 de 2014 ganó el premio Grammy a la mejor interpretación de R&B tradicional en la 56ª edición de los premios Grammy. La canción These Walls, en la que Glasper toca las teclas, del álbum de Kendrick Lamar To Pimp A Butterfly ganó la Mejor Colaboración Rap / Sung en la 57ª edición de los Premios Grammy.

La banda sonora de la película, Miles Ahead, para la cual Glasper fue productor, ganó la Mejor Compilación de la Banda Sonora en los 58 Premios Grammy. La canción Letter To The Free, escrita con Common para el documental Ava DuVernay número 13, ganó el Premio Primetime Emmy 2017 a la mejor música y letras originales.

Los sonidos que escuchan en el tema son de Taylor McFerrin, un DJ hijo del conocido cantante Bobby McFerrin, cuyo álbum debut fue Early Riser en 2014, con Flying Lotus' Brainfeeder Records. El álbum presenta apariciones como invitado de Nai Palm (Hiatus Kaiyote), Thundercat, Robert Glasper, César Mariano, Marcus Gilmore y Bobby McFerrin.

La última aventura musical de Taylor lo ve como parte del nuevo supergrupo de fusión de jazz de Robert Glasper, R + R = Now, junto a Christian Scott, Terrace Martin, Derrick Hodge y Justin Tyson. El grupo lanzó un álbum, Collagically Speaking a través de Blue Note Records en junio de 2018


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Histórico Summertime de Al Jarreau / Alita Moses



Al Jarreau (Alwin López Jarreau) fue el único artista en la historia de los Premios Grammy capaz de ganar en tres estilos diferentes. Nacido en Milwaukee, EEUU, el 12 de marzo de 1940 y fallecido el 12 de febrero de 2017, fue una de las grandes figuras del jazz, pese a que comenzó su carrera de manera tardía y a que para el gran público siempre será el intérprete de la balada “soul” con la que abría cada capítulo la serie Moonlighting.

Jarreau comenzó a cantar a los cuatro años, ya que sus hermanos mayores eran cantantes y continuamente le animaban a que escuchara jazz.

Pero su carrera musical empezó muy tarde, ya que antes pasó por la universidad, donde se graduó en Psicología y, posteriormente, trabajó en una institución de San Francisco, en la que asistía a personas que habían sufrido diversas adicciones.

Hasta los 28 años la música fue un “hobby”. En aquel momento dejó la Psicología y se entregó a ella. No obstante, tuvo que esperar siete años hasta firmar un contrato con la Warner, con la que grabó en 1975 su primer disco de larga duración, titulado We got by.

Este primer trabajo fue muy bien acogido por la crítica, aunque en Estados Unidos no alcanzó gran notoriedad, a diferencia de Europa, donde le fue concedido el German Grammy Award al mejor artista internacional revelación en 1975. Un año después salió a la venta su segundo disco, Glow, con el que ganó el segundo German Grammy.

En junio de 2012, se le diagnosticó neumonía, por lo cual tuvo que cancelar varios conciertos en Francia. Se recuperó por completo y continuó su carrera hasta febrero de 2017. Después de haber sido hospitalizado por agotamiento en Los Ángeles, finalmente falleció el 12 de febrero de 2017, exactamente un mes antes de cumplir 77 años. Unos días previos había informado de su retiro.

Alita Moses es la próxima gran estrella en el circuito internacional de jazz. Ya ganadora del Shure Montreux Jazz Voice Competition, trajo su gran talento a Europa por primera vez en mayo de 2016, completando una gira con 29 conciertos en Alemania, Austria, Suiza, República Checa y Eslovaquia.

Originalmente de West Hartford, CT, Alita se graduó recientemente de la University of the Arts en Filadelfia, especializándose en Jazz Vocal Performance. Se ha presentado como solista con la Hartford Symphony Orchestra y ha compartido el escenario con algunos de los mejores jugadores de la escena del jazz de la ciudad de Nueva York, como Joel Frahm y Larry MeKenna.


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junio 16, 2019

Antonio Serrano: un músico trepidante




Antonio Serrano es un virtuoso de su instrumento, uno de los nombres más grandes en el jazz actual y uno de los músicos más solicitados de este país. Dotado con una facilidad técnica fascinante y un profundo conocimiento teórico, Serrano también muestra una enorme versatilidad musical la cual es fielmente reflejada en su grande y rico historial de colaboraciones.

Su armónica se mueve con igual  eficacia  en terrenos musicales tan remotos como el jazz, flamenco, pop, clásico y fusión. Ha compartido escenario con artistas como Barbara Hendricks y Plácido Domingo, con innumerables orquestas clásicas en Europa, Wynton Marsalis, Lou Bennet, el barón Toots Thielemans, Vicente Amigo, Carles Benavent y el gran Paco de Lucía, entre muchos otros.

Su trepidante trayectoria le ha valido para ser premiado con la distinción del Masters of Mediterranean Music en Jazz Flamenco por su aportación revo­lucionaría a este estilo, otorgado en 2014 por el Berklee Mediterranean Music Institute, así como ha recibido el premio Grammy Latino, en reconocimiento por su participación como artista en la grabación del disco Entre 20 Aguas: a la música de Paco de Lucía.


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junio 10, 2019

Sorprendente "This Masquerade"



Disfruten de esta sorprendente reunión de músicos insuperables interpretando el tema This Masquerade (Leon Russell). 

Intervienen el fallecido y emblemático pianista sueco Esbjörn Svensson, el guitarrista Pat Metheny, el saxofonista Michael Brecker, el trompetista (y aquí vocalista) Nils Landgren, el bajista Lars Danielsson y el baterista Wolfgang Haffner. No tiene desperdicio.

Esbjörn Svensson murió en 2008 a la edad de 44 años mientras practicaba buceo en Ingarö, cerca de Estocolmo. Con su trío de jazz, el Esbjörn Svensson Trio (EST), había logrado romper barreras y atraer a la audiencia más joven fuera de los escenarios tradicionales de esta música.


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junio 02, 2019

El tema más emblemático de Herbie Hancock



Cantaloupe Island es un estándar de jazz compuesto por Herbie Hancock y grabado para su álbum de 1964 Empyrean Isles durante sus primeros años como uno de los miembros del quinteto de 1960 de Miles Davis . Los músicos para la grabación original de 1964 fueron: Hancock (piano), Freddie Hubbard (trompeta), Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería).

Numerosos artistas han grabado versiones de Cantaloupe Island, incluyendo El Chicano en su primer álbum, Viva Tirado (1970), así como Hugh Masekela, Brian Bromberg, Poncho Sanchez, Donald Byrd, Pat Metheny, Claude Nougaro, Jean-Luc Ponty, Tanghetto, Jack DeJohnette, Kai Winding, Yonderboi, Milton Nascimento, Nat Adderley y The Manhattan Transfer, con una versión (subtitulada Flip Out!) inspirada en la pista del grupo Us3, Cantaloop (Flip Fantasy).

El grupo de jazz-rap Us3 mezcló Cantaloupe Island en su canción Cantaloop (Flip Fantasy) de su álbum de The Hand on the Torch (1993). Cantaloop (Flip Fantasy) se grabó como un deno un año antes del primer lanzamiento del grupo. No se ubicó en su Reino Unido natal, pero en los Estados Unidos, Cantaloop (Flip Fantasy) alcanzó el número 9 en el Billboard Hot 100 , y se convirtió en el único top 40 del grupo.


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La "España de Stevie Wonder



Es probable que Spain (España) sea la pieza más reconocida de Chick Corea, razón por la cual se le considera un estándar de jazz.

España la compuso Corea en 1971 y apareció originalmente (y la más conocida) en el álbum Light as a Feather, con actuaciones de Corea (piano eléctrico Rhodes), Airto Moreira (batería), Flora Purim (voz y percusión), Stanley Clarke (bajo) y Joe Farrell (flauta). 

Ha sido grabada en varias versiones, tanto por Corea como por otros artistas, incluida una versión flamenca de Paco de Lucia, Al Di Meola y John McLaughlin en la década de 1980, y una versión progresiva de bluegrass de Bela Fleck en 1979. Más recientemente, Corea también realizó un dúo con la pianista japonesa Hiromi Uehara y esta versión de Stevie Wonder tuvo lugar en un concierto de 2008 en Londres.

La versión Light for a Feather de España recibió dos nominaciones a los Grammy, a Mejor arreglo instrumental y Mejor interpretación de jazz instrumental de un grupo. En 2001, Corea recibió el Grammy por Mejor Arreglo Instrumental por "España para Sexteto y Orquesta" .


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Summer Samba entre Marcos Valle y la Sinfónica de Moscú



El encuentro entre el pianista brasileño Marcos Valle y la Moscow Simphony Orchestra en 2018 fue memorable. El concierto se dio en el Gran Salón del Conservatorio de la capital rusa, donde el siete veces ganador del Grammy se lució con su histórico tema So Nice (Summer Samba), una de las canciones más interpretadas con mayor frecuencia en el mundo (más que canciones Bésame Mucho o Yesterday, y tiene el primer lugar en el Libro Guinness de los Récords en estos últimos 20 años.

El programa incluyó los principales éxitos internacionales de bossa nova, incluyendo obras de compositores tan icónicos de este género, como del propio Marcos Valle, Antonio Carlos Jobim, João Donato, Louis Bonfil y otros.

Durante este tiempo, Marcos Valle está en la lista de los artistas más vendidos en Japón, Estados Unidos, Europa y Brasil. A menudo toca para reyes y presidentes, y su actuación especial en la Casa Blanca de los Estados Unidos se ha convertido en una tradición anual.

En este concierto con la Sinfónica de Moscú, Valle se apoya en el estilo del mejor saxofonista de Brasil, Leo Gandelman; el arpa del bossa nova, Cristina Braga; en una de las grandes cantantes del Brasil, Patricia Alvi; en Renato Massa, por muchos años el baterista de Frank Sinatra; Celso Fonseca, en la guitarra; Marcelo Martins, en el saxo y la flauta; Jesse Sadoc, en la trompeta y el fluhelhorn; el bajista Mariano Brandao y el percusionista Frank Colón, quien ha colaborado con Sting y Paul McCartney.


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mayo 19, 2019

La rica textura jazz funky de MSM&W



Para relatar la historia de este grupo no vamos a tener problemas ni habrá lugar a confusiones. En 1998 el guitarrista John Scofield editó el álbum titulado A Go Go, acompañado por el trío Medeski, Martin & Wood, y a partir de allí se integró a la agrupación pasando ésta a ser un cuarteto.
ertenecen al jazz de vanguardia, su estilo es el de la fusión del jazz con el funk y soul.

En realidad, los integrantes de ese grupo participaron en el disco de Scofield a título personal y no como banda, pero como andaban siempre juntos, la gente empezó a confundirse un poco, incluidos los músicos. Casi una década después vuelven a reunirse para grabar Out Louder pero bajo la denominación grupal MSM&W (Medeski, Scofield, Martin & Wood) 


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Melissa Aldana rinde tributo a Frida Kahlo



La saxofonista Melissa Aldana lanzará un nuevo álbum, Visions, el 24 de mayo a través de Motéma Music. En el lapso de unos pocos años, Melissa Aldana pasó de ser una saxofonista en ascenso a una líder de banda y un músico en la cima de su juego. Nacida en Chile y graduada de Berklee College of Music, Aldana se destacó con el lanzamiento en 2010 de su álbum debut, Free Fall, que mostró su interpretación ágil pero vigorosa y sus composiciones de brillante construcción. Cimentó su lugar en el santuario interior del saxofón de jazz después de ganar el Concurso Internacional de Saxofón de Jazz Thelonious Monk 2013, convirtiéndose en la primera mujer y la primera música sudamericana en hacerlo.

Con su último álbum, Visions, presenta un retrato más completo de su cosmovisión artística, extrayendo su propia herencia latina y el legado de artistas latinas en busca de inspiración. El álbum, que también cuenta con Sam Harris en el piano, Pablo Menares en el bajo, Tommy Crane en la batería y Joel Ross en el vibráfono, se lanzará en Motéma Music el 24 de mayo.

Desde que comenzó su vida como saxofonista a los seis años, primero en alto, luego, al escuchar a Sonny Rollins, cambiando a tenor, Aldana se ha comprometido a sumergirse en las obras de los maestros. Le encantaba transcribir los solos de los músicos que admiraba, gente como Wayne Shorter, Michael Brecker, Charlie Parker y Cannonball Adderley. Y, como joven pintora, intentaría copiar las obras de sus dos artistas favoritos: el pintor y escultor ecuatoriano Oswaldo Guayasamin y, la más importante, Frida Kahlo.

Con sus paisajes sonoros ricamente texturizados y su material emocionalmente fascinante, Visions hace una conexión clara con Kahlo y otros pioneros latinos pasados ​​y presentes. Pero también es un documento profundamente personal, con la voz de Aldana resonando ruidosamente en su núcleo. "Esta es mi primera contribución directa que conecta mi trabajo con el legado de artistas latinas que me han precedido y han ayudado a crear un camino para mi propia expresión", dijo Aldana. 


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abril 27, 2019

Nathan East: una vida de pura música



Nathan East ha estado activo desde finales de los 70 como uno de los bajistas más destacados en R&B, jazz y pop. Comenzó a tocar para grupos de iglesias locales y misas populares con sus hermanos. Este tocó junto con las grabaciones de los bajistas Ron Carter, Charles Mingus, Buster Williams y James Jamerson de Motown, así como los álbumes de James Brown, Cream y bandas de trompa como Chicago, Tower of Power y Blood, Sweat & Tears.

A medida que la reputación de East creció en la escena de la sesión de Los Ángeles, también lo hizo su trabajo. A partir de ese momento, trabajó consistentemente. Al final de la década, estaba grabando durante cientos de sesiones para artistas como Phyllis Hyman, George Benson, Anita Baker y Kenny Loggins. También realizó una gira con Loggins y formó parte de la banda de finales de los años 80 de Eric Clapton. Algunos de los éxitos de los 80 en los que se presenta incluyen Footloose de Loggins, No busques más de Dennis Edwards, y de Anita Baker Los cuentos de hadas. También co-escribió y tocó en Easy Lover, nominada al Grammy, de Philip Bailey y Phil Collins.

En 1990, durante la grabación del álbum de Bob James Grand Piano Cannon, el tecladista pidió East, Lee Ritenour y Harvey Mason si estarían interesados en formar un grupo donde cada miembro sería socios iguales. James, que trabajó para Warner Bros. en el departamento de jazz A&R, les consiguió un trato con el sello. Un par de meses más tarde, el grupo conocido después como Fourplay comenzó a grabar su álbum debut.

Ese set, Fourplay de 1991, vendió medio millón de copias y se mantuvo en el número uno en la lista de jazz contemporáneo de Billboard durante 33 semanas. Su próximo LP, Between the Sheets, alcanzó el número uno, fue Disco de Oro y recibió una nominación al Grammy. En 1995, su tercer álbum de oro, Elixir, heredó la posición número uno de Kenny G Breathless y se mantuvo en el primer lugar por un récord de 92 semanas.


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abril 24, 2019

Emmet Cohen se abre paso en el jazz



El pasado 6 de abril en Indianápolis, la Asociación de Pianistas de EEUU otorgó a Emmet Cohen la beca Cole Porter 2019, que culminó en una competencia de trece meses que incluye el dicho: "Es un maratón, no un sprint". Al ganar el primer premio, Cohen se llevó una cheque de 50,000 dólares, un contrato de grabación con Mack Avenue Records y un período de dos años como artista residente en la Universidad de Indianápolis. Se une a una distinguida lista de ganadores anteriores que incluye a Aaron Parks (2001), Dan Tepfer (2007), Aaron Diehl (2011) y Sullivan Fortner (2015).

Los formidables "opositores" de Cohen: Kenny Banks, Keelan Dimick, Dave Meder y Billy Test, ganaron 20,000 dólares por hacer la ronda final, que fue supervisada por un jurado que incluyó a los eminentes pianistas Stanley Cowell, Renee Rosnes y Helen Sung.

El anuncio culminó con un concierto convincente y bien producido en el Hilbert Center Theatre, presentado de forma carismática por la cantante Dee Dee Bridgewater. Durante la primera mitad, cada pianista tocó un dúo con el cantante Kurt Elling, quien imprimió su identidad en el repertorio del Songbook estadounidense, desde Georgia On My Mind (Banks) de Hoagy Carmichael, de Indiana, hasta Moon And Sand de Alec Wilder (Meder). Después del intermedio, la Orquesta de Jazz de Buselli-Wallarab subió al escenario para acompañar el vuelo en solitario de cada protagonista en un arreglo a medida de Brent Wallarab de una pieza de su elección. 


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abril 13, 2019

Supercombinación: Snarky Puppy y Magda Giannikou



Magda Giannikou, nacida en Grecia, Atenas, tuvo inicios en la música desde temprana edad, su madre era maestra de música y aunque su padre no era músico si tenía gran pasión por la música, empezó tocando el piano clásico.

Empezó sus estudios como compositora de música para cine en Berklee School Of Music, Giannikou ha participado en musicalización para películas, teatro y televisión. Unas vacaciones de regreso a Grecia Magda Giannikou encontró en la casa de su abuela quien también era música un acordeón, así empezó con este instrumento el cambio de estilo de Giannikou, se interesó así por sonidos globales, por su mezcla y su combinación con el Jazz. Al terminar sus estudios en Berklee School of music se trasladó a la ciudad de New York con amigos de diferentes nacionalidades así se empieza a dar inicio a Banda Magda.

Tras su llegada a la ciudad de New York y su convivencia con músicos colombianos, argentinos, japoneses e italianos se da inicio a Banda Magda con influencia de sonidos globales, inspirados por sonidos brasileños , tango, cumbia y pop francés.

Magda Giannikou interpreta y compone sus canciones en seis idiomas, francés, español, inglés, portugués, italiano y griego. En 2013 Banda Magda debuta con su álbum Amour t’es lá con el cual llegan al top 10 en World Music Charts de Billboard y también es parte de la selección de National Public Radio. Banda Magda lanzó su segundo disco Yerakina bajo el sello Ground Up Records, teniendo canciones como, El pescador, Cucurrucu Paloma, Yerakina, entre otros.
Sus influencias musicales van desde Claude Debussy, Maurice Ravel, Ígor Stravinski y Tom Jobim hasta Mános Hatzidákis, Henry Mancini,  Quincy Jones, Louis Armstrong y Frank Sinatra.

Por su parte, Snarky Puppy es una "banda de jazz fusión basada en Brooklyn y dirigida por el bajista Michael League. Combina jazz, rock y funk y ha ganado tres premios Grammy. Aunque la banda ha trabajado con vocalistas, League describió a Snarky Puppy como "una banda de pop que improvisa mucho, sin voces".


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abril 07, 2019

El salto al jazz de Patrice Jégou



La carrera del vocalista Patrice Jégou ha sido definida por los saltos que ha dado. Eso es solo en parte una metáfora. Antes de dedicarse profesionalmente a la música en la década de 1990, Jégou, oriunda de Red Deer, Alberta, Canadá, era una patinadora profesional en la cima de su juego, de gira con un show sobre hielo en México después de años de entrenadora de patinaje artístico en Nueva Zelanda.

Aunque recientemente lanzó su segundo álbum como cantante de jazz, el fenomenal If It Ain't Love, probablemente hubiera continuado el camino del patinaje artístico si no fuera por un comentario pasajero hecho por un compañero de reparto en su show sobre hielo, quien sucedió Para atrapar a Jegou cantando unos cuantos bares entre ensayos. El amigo le sugirió a Jégou que tomara algunas lecciones de canto cuando regresara a Canadá y, sin nada que perder, eso es exactamente lo que hizo. 

No es que su falta de entrenamiento musical formal la haya detenido. Jégou creció en una familia musical, con una madre que apreciaba la música e hizo todo lo posible para alentar los intereses musicales de su hija, a pesar de las dificultades financieras. Y aunque el patinaje finalmente ganaría como la fuerza guía en la vida temprana de Jégou, el canto siempre le había dado una sensación de plenitud.


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marzo 31, 2019

Emilie-Claire Barlow: Versatilidad vocal



Emilie-Claire Barlow es una actriz de voz y cantante de jazz canadiense, nacida en Toronto, Ontario, el 6 de junio de 1976. Nacida de padres músicos profesionales, se animó a cantar y estudiar Piano, cello, clarinete y violín. A los siete años que había comenzado su carrera, cantando la televisión y la radio comerciales.

Ha proporcionado las voces de series de televisión animadas como Sailor Venus y Sailor Mars en Sailor Moon, Bakugan Battle Brawlers y Drama Total (serie).

Ha sido ganadora del Premio Juno con un estilo vocal cálido y ágil y una habilidad para abordar los estándares de jazz urbanos.

La canción que interpreta fue gabada en el Cottom Club Recorded Tokyo en octubre 14 y 15 October de 2013  y producida por Emilie-Claire Barlow y co-producida por Steve Webster. 

Reg Schwager - guitar 

Kelly Jefferson - sax 
Mark Kieswetter - piano 
Ross MacIntyre - bass 
Fabio Ragnelli - baterías 

Recorded by Taro Moriyama


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marzo 24, 2019

The Rippingtons: la experiencia continúa



Durante más de tres décadas, The Rippingtons ha estado a la cabeza del mundo del jazz contemporáneo. El grupo fue fundado por el guitarrista y compositor Russ Freeman en 1985, y ha sido el principal vehículo para su visión de la música que desafía el género desde entonces.

The Rippingtons es un grupo de jazz contemporáneo nominado al Grammy, fundado por el guitarrista y compositor Russ Freeman en 1985. El grupo ha superado los treinta años y continúa innovando. Bajo la producción de Freeman, ha lanzado 22 álbumes, todos los cuales han alcanzado el top 5 de Billboard, con cinco de ellos alcanzando el #1. Su álbum debut, Moonlighting, fue catalogado "el álbum de jazz contemporáneo más influyente de todos los tiempos".

Las influencias del grupo son amplias, desde el pop instrumental hasta el rock, la música mundial, el EDM y el R&B. Algunos artistas que han grabado con los Rippington incluyen a Arturo Sandoval, Jeffrey Osbourne, Kirk Whalum, Kenny G, Dave Grusin, el fallecido Joe Sample, Dave Koz, David Benoit, Patti Austin, Peter White, Rick Braun, Zak Wylde y muchos más. Los Rippington fueron elegidos Best Group 2000 por Billboard BET, y Best Group por 2 años consecutivos, 2001 y 2002 por los Premios Oasis, además de Logro en Video 2001.

Su más reciente álbum, Open Road, el primero en tres años, encuentra a The Rippingtons volviendo a lo básico, privilegiando grandes melodías, arreglos dinámicos y virtuosos para tocar mientras, al mismo tiempo, aprovecha y experimenta con técnicas modernas y nuevas tecnologías. Silver Arrows abre el set de once pistas, evocando una sensación de libertad y viajes exóticos, un tema que, sin duda, impulsa el álbum y está integrado por la mascota de la banda, el “Jazz Cat” presentada en la portada de Open Road


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Jazzmeia Horn: fuerza y naturalidad



Jazzmeia Horn, nacida el 16 de abril de 1991, es una cantante de jazz y compositora estadounidense de ascendencia africana. Ganó el 2015 Thelonious Monk Institute International Jazz Competition en 2015. Canta los estándares de jazz y su repertorio incluye canciones y música de otros géneros como Stevie Wonder. Ha sido comparada con una vocalista de jazz como Betty Carter, Sarah Vaughan y Nancy Wilson. A los 23 años, Jazzmeia "Jazz" Horn se había ganado una reputación en la ciudad de Nueva York como una gran artista musical.

“Es una cantante que se distingue de muchos de sus compañeros porque ella toma como propia cada canción que canta de forma natural. Jazzmeia es un intérprete para quien cada palabra, cada gesto y cada frase se convierte en una expresión de total convicción y ella se entrega completamente en cada momento”. London Jazz News.



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marzo 18, 2019

Krall y Bublé: dos gigantes del jazz



Ambos son canadienses y grandes exponentes de los estándares del jazz. Diana Krall y Michael Bublé se reunieron en 2018 en los premios Juno interpretando el célebre tema Love, canción compuesta por Bert Kaempfert con letras de Milt Gabler y producida por Lee Gillette. La canción había aparecido previamente como una pista instrumental en el álbum Blue Midnight (1964) de Kaempfert.

Para las versiones internacionales del álbum LOVE, Nat King Cole también grabó versiones de LOVE y otras canciones, en japonés (mezclado con palabras en inglés), italiano, alemán, español y francés. En este último idioma, la canción pasó a llamarse Je Ne Repartirai Pas y fue traducida por Jean Delleme. 


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marzo 11, 2019

Madison McFerrin: una descendiente rebelde




Madison McFerrin puede ser presentada, si se tira por el camino más fácil, diciendo que es la hija del famosísimo vocalista de jazz Bobby McFerrin, así como la hermana de Taylor McFerrin (renombrado productor de soul futurista y el encargado de tocar los sintetizadores y generar ritmos en la formación R+R=NOW, el nuevo proyecto de Robert Glasper). Pero el camino más fácil no siempre es el mejor. Así que vamos a referirnos a ella como una de las nuevas cantantes más prometedoras de la black music estadounidense, que sabe combinar la manera de contar del pasado con el sonido del siglo XXI. 

Sus años de formación combinan estudios en Berklee College (los acabó en 2014) con la crítica musical en su blog 100 Albums. 100 Weeks, así como colaboraciones en diversos proyectos, como el de ser una de las fundadoras del grupo de funk-soul Cosmodrome o el abrir para Emily King o Hiatus Kaiyote, trabajar con la formación de hip hop y electrónica Binary Sol.


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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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