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diciembre 31, 2018

Tres joyas de la guitarra: Isbin, Jordan y Lubambo



Tres magníficos guitarristas interpretan una velada de música latina, jazz y brasileña. La tres veces ganadora del Premio Grammy y virtuosa clásica Sharon Isbin, nombrada por la revista Boston como "el guitarrista más destacado de nuestro tiempo", se une al innovador músico estadounidense Stanley Jordan y al maestro brasileño de jazz Romero Lubambo. El concierto, inspirado en el popular álbum de 2011 Sharon Isbin & Friends: Guitar Passions, presenta una mezcla de guitarras acústicas y eléctricas.

Isbin, directora de estudios de guitarra en The Juilliard School, ha grabado más de veinticinco álbumes de música que van desde el barroco y el español / latín hasta el crossover y el jazz-fusion. Un escritor del Atlanta Journal-Constitution llama al nativo de Minneapolis "la Monet de la guitarra clásica... un maestro colorista".

Jordan, que lleva a los oyentes en viajes sin aliento hacia lo inesperado, ha tenido éxito crítico y comercial durante casi tres décadas. El graduado de la Universidad de Princeton, a menudo descrito como un camaleón musical, realiza reinvenciones audaces de obras maestras clásicas, exploraciones conmovedoras de éxitos de pop-rock, jazz en llamas y improvisaciones ultramodernas.

Lubambo, quien abandonó Río de Janeiro para ir a Estados Unidos en 1985, utiliza los estilos y los ritmos de su Brasil natal, además de una fluidez en las tradiciones del jazz estadounidense, para forjar un estilo distintivo. El concierto de Guitar Passions presenta obras de compositores como Joaquín Rodrigo, Antonio Carlos Jobim, Isaac Albéniz, Gentil Montaña o Quique Sinesi.

El collage musical que van a escuchar inicia con el vals Natalia del reconocido maestro venezolano Antonio Lauro.


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diciembre 16, 2018

Un dúo genial: Brad Mehldau y Joshua Redman



Brad Mehldau se graduó en la New School en 1993. Formó su primer trío a largo plazo en 1994, con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy. En el año siguiente, Mehldau grabó el álbum Brad Mehldau para Warner Bros., su primer álbum como único líder. Fue bien recibido, con The Penguin Guide to Jazz comentando que "es como si estuviera al tanto de la tradición del jazz pero completamente libre de ella". Su segundo álbum para Warner Bros., The Art of the Trio Volume 1, fue grabado en 1995 y fue ampliamente elogiado por los críticos.

A mediados de los años noventa, Mehldau fue considerado por algunos como uno de los principales músicos de jazz: el crítico John Fordham lo describió como "la próxima gran estrella del teclado de jazz".

Mehldau se estableció en la escena de los festivales de jazz internacionales a mediados de los años 90, habiendo tocado en eventos tales como el Montreal International Jazz Festival y el Montreux Jazz Festival en 1997, y el North Sea Jazz Festival en 1998 . También en 1998, el pianista se reunió con Redman para el álbum Timeless Tales del saxofonista, y tocó con el cantante country Willie Nelson.

En 2013 Mehldau comenzó a girar con el batería Mark Guiliana como un dúo al que fue dado el nombre de "Mehliana". Su interpretación era en gran medida improvisada y distantemente influenciada por el dub, el drum 'n' bass, el electro y el funk. Lanzaron un álbum, Mehliana: Taming the Dragon, en febrero de 2014. A finales de 2015 fue lanzada una colección de grabaciones de piano solo de los conciertos de Mehldau en Europa en el período 2004-14, titulada 10 Years Solo Live

Otra grabación del trío Blues and Ballads, fue registrada en 2012 y 2014 y fue lanzada en 2016. También en 2016, Mehldau y Guiliana formaron un trío con el guitarrista John Scofield y tocaron en los Estados Unidos antes de girar por Europa.

Por su parte, Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de los noventa. Nacido en Berkeley, California, es el hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y la bailarina Renee Shedroff. Fue expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, india, indonesia, Oriente Medio, africano) e instrumentos (grabadora, piano, guitarra, gatham, gamelan) y comenzó a tocar el clarinete en nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después.

Las influencias tempranas de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como The Beatles, Aretha Franklin, The Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente en la música.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico para la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro de presentación de jazz SFJAZZ. El director ejecutivo de Redman y SFJAZZ, Randall Kline, tuvo una idea que The New York Times calificó de "momento de eureka"; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consiste en un reparto multigeneracional de músicos expertos.

El mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y ritmo de batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua explora el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépido como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson.

A partir de finales de 2009, Joshua se presenta con una nueva banda de colaboración llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde a la instrumentación del cuarteto de jazz acústico tradicional una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música que es rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo rica en armonía y emocionalmente convincente.


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Drume Negrita en tiempo de jazz



Esta versión en tiempo de jazz del tema del folklore cubano Drume Negrita, a cargo del contrabajista Javier Colina y la cantante española Cecilia Krull, es sencillamente sensacional. 

Javier Colina está considerado uno de los mejores contrabajista del escenario europeo actual. Sus caminos musicales le han llevado a tocar junto a músicos consagrados en el mundo del jazz como, Tete Montoliu, Al Foster, Chucho Valdés, Jerry González.

Fuera del panorama jazzístico, Colina, nacido en Pamplona, España, ha colaborado con músicos de flamenco como Tomatito, Pepe Habichuela, Diego El Cigala o Enrique Morente, y ha experimentado con el sonido cubano, tocando el contrabajo entre otros con Pancho Amat, Compay segundo o Bebo Valdés y El Cigala en su trabajo Lágrimas Negras.

Con Bebo Valdés protagoniza una semana de actuaciones en Nueva York y graban en directo el disco Bebo Valdés y Javier Colina live at the Village Vanguard.

Además ha realizado colaboraciones puntuales con Hank Jones, Pat Metheny, Brad Meldhau, Michel Camilo, Toumani Diabaté y Abdulah El Gourd, entre otros. Ha compartido proyectos con Marc Miralta y Perico Sambeat, con Antonio Serrano, Argelia Fragoso, Agustín Carbonell “El Bola” y Santiago Auserón entre otros.

En 2007 lanza al mercado su primer disco en solitario, en formación de septeto y con el título Si te contara. En 2011 graba con Silvia Pérez Cruz su proyecto más luminoso, En la imaginación, temas del filin cubano, jazzeados por el trío y renovados con la voz de la maravillosa cantante catalana.

También en 2011 aparece en el documental Jazz en España de la productora "14 pies" para la cadena de televisión History Channel.

Otro de sus trabajos es con su propio cuarteto de jazz, grupo con el que graba un disco publicado por la fundación BBK. Y el proyecto más reciente es compartido también con el gran guitarrista flamenco Josemi Carmona. Este trabajo, De Cerca ha sido grabado y editado por el sello Universal y ya ha sido presentado ya en distintos festivales (Madrid, Washington, Nueva york, Barcelona, Chicago…etc).

Por su parte, Cecilia Krull, una cantante española de 31 años, es una de las voces que aprovechó el fenómeno de la televisión para darse a conocer más como artista, colocando su voz en distintas series de TV y filmes españoles.

Krull es una cantante de jazz de nacionalidad francesa nacida en Madrid, que comenzó a cantar muy joven, al lado de su padre el sensacional pianista y compositor de origen francés Richard Krull, con el que inicio su aprendizaje. Comienza sus estudios de manera autodidacta, su formación corre a cargo de sus diversas experiencias en el variado ámbito de la música, así como diversas clases particulares, de las que hay que destacar los 2 años que estudia con Doña Inés Rivadeneira López, Catedrática de la Escuela Superior de Canto.


Su experiencia profesional comienza muy temprano (1993) con tan solo 7 años de edad, participando en diversas producciones de Walt Disney, e irá completándose hasta la actualidad en múltiples producciones teatrales, musicales, televisivas y cinematográficas. Aunque siempre ha colaborado con su padre y otros músicos en proyectos vinculados al jazz, en los últimos 5 años se ha centrado en su carrera como solista acompañada de diferentes formaciones en diversos Festivales de Jazz y salas de reconocido prestigio. Compuso e interpretó la canción Something’s Triggered de la película “3 Metros Sobre el Cielo” y recientemente la canción de cabecera de la serie “Vis a Vis”. Cecilia canta en varios idiomas, con una voz aterciopelada, un registro suave y un gran dominio de la técnica y la fonética.


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noviembre 25, 2018

Paul Desmond: el infravalorado creador de Take Five



Un 24 de noviembre de 1928 nacía en San Francisco, Paul Desmond, cuyo nombre original era Paul Emil Breitenfeld, saxofonista y figura representativa de la corriente principal del jazz y del cool en la Costa Oeste de los EEUU, especializado en baladas y en la improvisación melódica. Fue el autor del famoso tema Take Five.

Desmond había conocido por primera vez a Dave Brubeck en 1944 mientras todavía estaba en el ejército. Brubeck estaba probando para la banda del Ejército a la que Desmond pertenecía. Le dijo una vez a Marian McPartland en el programa Piano Jazz de la National Public Radio que se sorprendió por los cambios de acordes que Brubeck introdujo durante esa audición de 1944. Después de convencer a Brubeck de contratarlo después de su periodo con Jack Fina, los dos tenían un contrato redactado (del cual Brubeck era el único firmante). 

El contrato prohibía que Brubeck lo despidiera nunca, aseguraba el estatus de Brubeck como líder del grupo y daba a Desmond el veinte por ciento de todas las ganancias generadas por el cuarteto. Así fue como empezó el Cuarteto de Dave Brubeck, un grupo que comenzó en 1951 y terminó en diciembre de 1967.

En el grupo, Paul Desmond era el músico de más talento de todos y contribuyó a su éxito con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck fue esencial, especialmente el tema Take Five grabado en el año 1962 en el álbum Time Out y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del grupo.

Esta pieza fue grabada en los estudios de Columbia en la Calle 30 de la ciudad de Nueva York el 25 de junio y el 18 de agosto de 1959 y se convirtió en uno de los discos más conocidos del grupo, debido a su distintivo y contagioso saxofón y el empleo de un compás inusual de 5/4 (metro quíntuple) —de allí deriva el nombre de la canción—. Si bien Take Five no fue la primera composición de jazz en utilizar este compás, sí fue una de las primeras piezas en lograr una amplia aceptación comercial en los Estados Unidos al llegar a la posición número cinco en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard.

En 1976 Desmond tocó 25 espectáculos en 25 noches con Brubeck, recorriendo Estados Unidos en autobús.

En junio de 1969 Desmond apareció en el New Orleans Jazz Festival con Gerry Mulligan, obteniendo reacciones favorables de los críticos y de la audiencia. Durante las giras de dos generaciones de Brubeck, Desmond y Mulligan compartieron el escenario juntos en 1974. A diferencia de Brubeck, el gran Gerry Mulligan compartió personalmente muchas cosas en común con Desmond. Los dos compartían intereses y humor similares, y ambos tenían diversas adicciones en sus vidas.

Después de un tiempo inactivo, Desmond fue invitado a tocar en el Half Note en Nueva York en 1971 por el guitarrista Jim Hall. Con su especial humor, Desmond dijo que tomó el trabajo sólo porque estaba cerca. También se unió al Modern Jazz Quartet para un concierto en la Navidad en 1971 en el New York Town Hall.

Desmond murió el 30 de mayo de 1977, no por su hábito alcohólico, sino por un cáncer de pulmón, resultado de su largo hábito de fumar. Con su humor, después de que le diagnosticaran el cáncer, expresó su placer por la salud de su hígado. Su último concierto fue con Brubeck en febrero de 1977, en Nueva York. Sus fanáticos no sabían que ya estaba muriendo. Desmond especificó en su testamento que todos los ingresos de "Take Five" irían a la Cruz Roja después de su muerte.


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octubre 21, 2018

Se unen el swing y la salsa



La Orquesta Jazz at Lincoln Center (JALC), dirigida por Wynton Marsalis, está formada por 15 de los mejores solistas, actores de ensamble y arreglistas en la música jazz actual. A fines de 2014, la orquesta dio la bienvenida a un invitado muy especial: el cantante, compositor y actor panameño, ganador del Grammy, Rubén Blades. Para una música nocturna muy especial, dirigida por el bajista de JALC y el “maestro emergente en el idioma del jazz latino” Carlos Henríquez, los mundos de la salsa y el swing colisionaron. Respaldado por una de las grandes bandas líderes del mundo, Blades llevó al público en una gira por sus grandes éxitos. En su reseña del programa, el New York Times dijo que “los arreglos de Henríquez se entregaron consistentemente … radicalmente bellos”.

Ahora, "Una Noche con Rubén Blades" captura este histórico concierto en CD y formatos digitales. El álbum encuentra al Maestro cantando algunas de sus propias composiciones queridas, incluyendo Pedro Navaja, Patria y El Cantante, además de pasar por estándares como Demasiado cerca para la comodidad y Begin the beguine, todos con el respaldo de la Big Band of the Year de la encuesta de Downbeat (2013, ’14 y ’15). El álbum fue lanzado recientemente, el 19 de octubre de 2018.

Esta colaboración caleidoscópica y trascendental entre dos de nuestros músicos más conmovedores se estrenó con gran éxito. El material es altamente recomendado para todos aquellos que gustan de los experimentos musicales.

Disfruten del tema Pedro Navaja, una canción que Rubén Blades creó inspirado en Mack The Knife, que el compositor alemán Kurt Weill, incluyó como tema principal de la obra "Ópera de los Tres Centavos" (Three Penny Opera) del dramaturgo Bertolt Brecht.


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octubre 08, 2018

El carisma de Brian Culbertson



Brian Culbertson es un galardonado multi-instrumentista, compositor y productor conocido por su marca distintiva de jazz contemporáneo, R&B y funk. Extrayendo los sonidos urbanos de Chicago, rico en música, comenzó sus estudios musicales en piano a los ocho años y rápidamente tomó varios otros instrumentos cuando tenía doce años, entre ellos la batería, el trombón, el bajo y el euphonium. 

Inspirado por los icónicos artistas del R&B-jazz-pop de la década de 1970 como Earth, Wind & Fire, Tower of Power, Chicago, David Sanborn y otros, Culbertson comenzó a componer música original para su recital de piano de séptimo grado y no se ha detenido desde entonces: 30 sencillos de Billboard No. 1 (¡y contando!) y un catálogo profundo de 18 álbumes, la mayoría de los cuales han superado las listas de éxitos del jazz contemporáneo de Billboard.

Escuchémoslo con Do you really love me, con la siguiente alineación de músicos:

Brian Culbertson - piano, sintetizador
Steve Cole - saxofón
Paul Jackson Jr. - guitarra
Ricky Peterson - Hammond B3
Alex Al - bajo
Michael White - batería
Lenny Castro - percusión



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octubre 07, 2018

Jorge Pardo: la chispa del jazz flamenco



Jorge Pardo es una de las realidades más sólidas de la fusión flamenca con el jazz y una de las figuras del jazz español con mayor proyección internacional. Ha conseguido un nuevo lenguaje mestizo entre el jazz de raíz y el flamenco. Su estilo con la flauta transversa y el saxo se ha convertido en modelo referencial.

Pardo nació en Madrid en 1955 y después de empezar a tocar con algunos músicos profesionales (como Jean Luc Vallet, Peer Wyboris, Tete Montoliu, Lou Bennett, Slide Hampton, Pony Poindexter, David Thomas, Pedro Iturralde o Al Lewitt, entre otros), junto a Pedro Ruy Blas forma Dolores, grupo referencia en el panorama español.

Unos pocos años más tarde fue introducido en el mundo profesional del flamenco de la mano de Paco de Lucía, acompañándolo en varias de sus giras mundiales, compartiendo escenarios con las más importantes figuras del jazz internacionales y colaborando en los discos del guitarrista. Tras estas experiencias la, hasta entonces sólo prometedora, carrera del músico se convierte en un progresivo asentamiento de la solidez y maestría musicales que ha demostrado a largo de toda su carrera como músico profesional.

En 1982 se perfila como uno de los músicos de más talento en el campo del jazz-fusión y graba su primer Lp Jorge Pardo como solista en Mallorca con músicos invitados de la talla de Joan Bibiloni y Carles Benavent. En 1984 graba su segundo LP El canto de los guerreros y en 1987 A mi aire, dos obras con matices hacia la experimentación. En 1989 trabaja con el grupo Flamenco Fusión. Ese mismo año actúa junto a los brasileños Nana Caymmi y Wagner Tiso en el Festival de Montreux (Suiza), concierto que fue grabado y editado por Polygram Internacional. En Julio del 90 es invitado, junto a Carles Benavent, para actuar con el pianista Gil Goldstein, el percusionista Don Alias y el batería Alex Acuña, entre otros, en un concierto especial de la TV Suiza, que daría lugar a unas apariciones especiales de esta misma banda en Nueva York en Octubre de ese mismo año. 


En 1991, con esta formación, graba en Nueva York para el sello Blue Note. En Junio del 92 se presenta en el Town Hall de Nueva York junto a Carles Benavent y otros músicos flamencos invitados, dentro del programa del New Music Seminar. En Julio del mismo año, actúa con la Big Band de la TV Alemana en el proyecto Jazzpaña (Flamenco-Jazz), encabezando un grupo español que se presenta en el Philarmonic Concert Hall de Colonia y en el Festival de Montreux. Este proyecto será plasmado en el CD Jazzpaña, on la WDR Big Band dirigida por Vince Mendoza, y junto a músicos de la talla de Michael Brecker, Al Di Meola, Peter Erskine o Steve Khan.


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septiembre 30, 2018

Legends in Montreux 1997: una página brillante



Legends: Live at Montreux 1997 es un histórico álbum grabado en vivo y un DVD de la serie de conciertos de Legends: Live at Montreux en el Festival de Jazz de Montreux. El DVD fue lanzado el 3 de septiembre de 2005. Los formatos de CD y Blu-Ray se lanzaron el 30 de septiembre de 2008. 

Se presentó una mezcla de piezas instrumentales y vocales. También se pre-sentaron algunas piezas de blues, así como una nueva versión acústica de la exitosa Layla. Además, se utilizó por primera vez la Eric Clapton Gold Leaf Stratocaster . 

Participaron músicos hoy considerados le-yendas de la música, sobre todo del jazz y del blues, como el pianista Joe Sample, el saxofonista David Sanborn, el contrabajista Marcus Miller, el baterista Steve Gadd y el guitarrista Eric Clapton.
Rememoremos.


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El gypsy jazz de Stochelo Rosenberg



Stochelo Rosenberg es uno de los referentes internacionales del jazz manouche de las últimas décadas. Nacido en Helmond, Holanda, comenzó a tocar la guitarra a los 10 años. Desde sus inicios, Rosenberg se declaró admirador y seguidor del legendario Django Reinhardt, creador de esta variante europea del jazz más vibrante y más rápida. De hecho, el músico holandés toca el mismo modelo de guitarra, una Selmer acústica, que Reinhardt.

Rosenberg es unánimemente reconocido por público y crítica como uno de los mejores guitarristas del mundo tanto por su extraordinaria técnica y su fértil imaginación como por su talento compositivo y su marcada y original personalidad a la guitarra, entre cuyos muchos atractivos destaca su peculiar vibrato e impecable ejecución de los pasajes mas complejos.Su gran talento le ha convertido en inspiración y máxima referencia de generaciones enteras de guitarristas de los más diversos estilos,que reconocen en él a uno de los mejores interpretes vivos de este instrumento.

Los mejores escenarios del mundo se han rendido al talento de estos fabulosos músicos: desde el Carnegie Hall de Nueva York a los festivales de Jazz de Montreux, Marciac o Los Angeles o como invitado especial actuando para la Unión Europea con motivo de la presidencia de turno correspondiente a Holanda en 2016, The Rosenberg Trio ha fascinado a las audiencias más exigentes con un arte y un virtuosismo poco común que ha hecho de esta formación un icono para todos los amantes del jazz, de la guitarra y más aun, de la música de extraordinaria belleza que estos grandes músicos son capaces de producir.

Escuchen a Stochelo Rosenberg acompañado del bandoneonista Richard Galiano con el tema Minor Swing.


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Gigi MacKenzie: una voz radiante



Gigi MacKenzie es una artista de jazz, hija de la cantante Gisele MacKenzie. Residente en West Toluca Lake, California, MacKenzie (58 años) trabajó durante 10 años como cantante de estudio en Los Ángeles.

Ha grabado comerciales nacionales y bandas sonoras de películas importantes, incluida la exitosa película Mr. Holland's Opus y el tema musical de Nash Bridges. Ha actuado también con artistas ganadores de premios Grammy como Michael McDonald, Kenny Loggins, Gladys Knight y Tom Scott, y muchos otros.

Escúchenla con The Shadow of your Smile, incluido en su álbum Skylark.


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septiembre 11, 2018

MM&W: un sonido de vanguardia



Medeski, Martin and Wood (1992) es un trío estadounidense de jazz que está compuesto por el tecladista-pianista John Medeski, el percusionista-baterista Billy Martin y el bajista Chris Wood. 

Pertenecen al jazz de vanguardia, su estilo es el de la fusión del jazz con el funky soul. Su trabajo oscila entre la improvisación experimental y una música más accesible para el gran público, con la que ha llegado a cosechar cierta popularidad.

La música que hacen es una mezcolanza muy sólida de estilos e influencias, y se va depurando en las cada vez más extensas giras en las que se embarcan. Sus temas tienen esa conexión con el groove más ácido que la generación del hip hop está redescubriendo. Sus versiones de temas muy variados son desde este primer disco y sus primeros conciertos, apoteósicas.

Es un grupo procedente del cambio generacional que se produce en el jazz de los años noventa. En su música hay cabida para el Groove, el Funk, el Soul, el Rock y por supuesto el jazz y quizás ese mestizaje es lo que les alejan del sector más purista del jazz tradicional, pero al mismo tiempo gozan del favor y de la popularidad de los jóvenes que se acercan al jazz por primera vez. 


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septiembre 09, 2018

Fourplay sigue fusionando




La agrupación FOURPLAY es dirigida por el pianista Bob James, y en cuya formación original estuvieron además Lee Ritenour en la guitarra, Nathan East en el bajo y Harvey Mason en la batería. El saxofonista Kirk Whalum también ha participado como invitado.

Desde su primer álbum, editado en 1991 con el mismo título que da nombre al célebre cuarteto, Fourplay ha explorado al límite las posibilidades del jazz acercándolo a otros géneros como el R&B, pop, funk, consiguiendo un sonido único e innovador que coloca a la banda en el origen del jazz fusión.

El virtuosismo y la creatividad de cada uno de sus componentes, a los que es difícil no encontrar en grabaciones de los más grandes artistas como B.B.King, Eric Clapton, George Benson, Michael Jackson, Al Jarreau, y Stevie Wonder, entre otros muchos, ha propiciado que el grupo haya hecho de la fusión un estilo propio, admirado por amplias audiencias en todo el mundo.


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septiembre 08, 2018

Gregory Porter: un portento de voz



Gregory Porter es un novedoso cantante de jazz, compositor y actor estadounidense, que ganó en 2014 el Grammy a mejor álbum vocal de jazz por su trabajo tiulado Espíritu Líquido, que obtuvo un gran éxito comercial que pocas veces se ha conseguido dentro del género de jazz, logrando llegar al Top 10 en las listas de álbumes del Reino Unido. Fue concedido el disco de oro por la BPI al vender más de 100.000 unidades en el Reino Unido.

En agosto de 2014 Porter publicó The 'In' Crowd como single. Su cuarto álbum, Take Me to the Alley, fue publicado el 6 de mayo de 2016.

Desde su debut en el sello Motéma, Porter ha sido bien recibido por la prensa musical. The New York Times describió a Porter como "un cantante de jazz de presencia emocionante, un barítono con un regalo de refinamiento primario" en su revisión de Liquid Spirit.



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agosto 30, 2018

El estilo urbano de Jamison Ross


Jamison Ross, un caso único: baterista y cantante.
Jamison Ross es una de las nuevas revelaciones de la escena jazzística actual. Baterista y cantante, Jamison Ross trae por primera vez al Jamboree su propuesta repleta de un jazz contundente y rítmico que tan pronto bebe de la fuente de los clásicos como deriva hacia los afluentes urbanos que enriquecen su caudal. Desde que ganó el prestigioso concurso Thelonious Monk en el año 2012, su carrera ha vivido un ascenso imparable. En nómina del sello Concord y gran seguidor de la tradición del gospel, el blues y el soul, sabe trasladar al universo del jazz a referentes como Muddy Watters, Ray Charles o Gregory Porter.

Jamison ha colaborado con grandes intérpretes que incluyen al cineasta Wes Anderson, Jon Batiste, Henry Butler, Billy Childs, Dr. John, Jimmy Heath, Ramsey Lewis, Ellis Marsalis, Wynton Marsalis, Christian McBride, Marcus Roberts, Patrice Rushen, Cecile McLorin Salvant y Snarky Puppy. Su debut en 2015 con el disco Jamison –en el que se aprecian sus habilidades de percusionista junto con sus dotes vocales–, le valió ser nominado para un Grammy.


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Andrea Motis y Joan Chamorro: la revelación del jazz catalán



Andrea Motis y Joan Chamorro son considerados la revelación del jazz catalán. Con la música de ídolos de la talla de Louis Armstrong y Chet Baker, la joven trompetista y cantante barcelonesa lleva junto a Joan Chamorro deslumbrando al público desde 2012, año en el que Quincy Jones se fija en ella y la invita a compartir escenario en el Festival de Peralada.

En 2017 Andrea Motis inicia una nueva etapa con el estreno del disco Emotional Dance. El álbum está editado por el legendario sello Impulse! y grabado en Nueva York junto a una banda formada por músicos catalanes y norteamericanos; y está producido por Jay Newland y Brian Bacchus (conocido por su trabajo con Norah Jones y Gregory Porter). 

Impulse! es uno de los sellos más emblemáticos de la historia del jazz, garantía de calidad y plataforma para algunos de los artistas y registros más notables del género desde 1960. El catálogo de Impulse! Incluye artistas de la talla de John Coltrane, Charles Mingus, Duke Ellington, Archie Shepp, Freddie Hubbard, McCoy Tyner y Carla Bley, entre muchos otros. Con el disco Emotional Dance, Andrea Motis y Joan Chamorro se suman a esta interminable lista. Una prueba más que a fuerza de talento, solidez, carisma y trabajo se han convertido en uno de los fenómenos más sorprendente que ha dado el jazz europeo en mucho tiempo.


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agosto 12, 2018

Esbjörn Svensson: la luz eterna del jazz



Esbjörn Svensson fue un sobresaliente pianista y compositor sueco que murió en 2008 a la edad de 44 años mientras practicaba buceo en Ingarö, cerca de Estocolmo. Con su trío de jazz, el Esbjörn Svensson Trio (EST), había logrado romper barreras y atraer a la audiencia más joven fuera de los escenarios tradicionales de esta música.

Su nombre había resonado con fuerza hasta poco antes de su muerte, desde Japón a EE UU, pasando por países europeos como Alemania, Francia y Reino Unido gracias a álbumes como Viaticum y Tuesday Wonderland. 

EST se convirtió en 2006 en el primer grupo europeo que saltó a la portada de la prestigiosa revista estadounidense de jazz Down beat. Había ganado destacados galardones, como el European Jazz Award y el Jazz Award de la BBC. Al momento de la muerte de Svensson, había finalizado su 12º álbum, Lencocyte, cuya publicación se realizó en septiembre de 2008.

De Pat Metheny, con quien Sevensson aparece en este video, qué más se puede decir que no se haya dicho. Metheny fue incluido recientemente en la Academia Sueca de la Música. Su contribución al jazz ha sido determinante. 

Con los años, ha tocado con artistas tan diversos como Antonio Carlos Jobim, Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, John Scofield, Jim Hall, Michael Brecker, Milton Nascimento, Pedro Aznar, Toots Thielemans, Enrique Morente, David Bowie y Carlos Santana. Ha formado equipo con el tecladista Lyle Mays durante más de veinte años (una asociación que ha sido comparada a la de Lennon con McCartney y a la de Duke Ellington con Billy Strayhorn por los críticos y oyentes). La obra de Metheny incluye composiciones para guitarra solista, para pequeños conjuntos, para instrumentos eléctricos y acústicos, para grandes orquestas, con ajustes que van desde el jazz hasta el rock moderno y clásico.

Metheny ha pasado la mayor parte de su vida de gira, con una media de 120 a 240 conciertos al año desde 1974. En el momento de escribir esto, continúa siendo una de las estrellas más brillantes del jazz y de la música en general del mundo, dedicando su tiempo a sus dos proyectos propios y con colaboraciones con otros grandes músicos.


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julio 22, 2018

Joey Alexander: el fenómeno de 14 años



Tiene apenas 14 años y nació en Bali, Indonesia. Se trata de Joey Alexander (Josiah Alexander Sila) el pianista considerado el niño prodigio del jazz, cuyo más reciente álbum se titula Eclipse.

Joey aprendía desde muy niño las composiciones de Thelonious Monk, entre ellas Well, You Need Not, que ya la tocaba a la perfección a la edad de 6 años. Desde entonces, ha deleitado al público de todo el mundo, obteniendo elogios de los grandes del jazz, desde Herbie Hancock a Wynton Marsalis. 

La musicalidad juguetona de Alexander y su agudo sentido del swing aparecen en su álbum debut de 2015,  My Favourites Things, que obtuvo 2 nominaciones a los premios Grammy, lo que convierte a Alexander en el artista de jazz más joven nominado para un Grammy.

En 2014, Wynton Marsalis lo invitó a tocar en el Jazz at Lincoln Center, lo que, según The New York Times , lo convirtió en una "sensación de la noche a la mañana". Joey tocó en los Festivales de Jazz de Montreal y Newporten 2015, y se ha presentado para Herbie Hancock, Bill Clinton y Barack Obama.

Su segundo álbum  Countdown  (lanzado en septiembre de 2016) muestra el notable desarrollo de Alexander como un líder de banda de jazz contemporáneo y prometedor como compositor. 


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julio 19, 2018

María Rivas y su "Nature Boy" melancólicamente latino



María Rivas es una de las cantantes venezolanas de latin jazz más carismáticas e innovadoras que existen. Nacida en Mérida, Venezuela, comenzó a cantar profesionalmente en 1983 en clubes nocturnos locales. Poco después de trasladó a la vecina Aruba, donde se presentó durante dos años y medio en un show nocturno de jazz llamado Sentimental Journey Through Jazz, donde asombró al público con su dominio de las variaciones de jazz y el scat al estilo de Ella Fitzgerald y de otras divas notables. Regresó a Caracas y comenzó a actuar en sus escenarios más importantes, convirtiéndose rápidamente en una de las artistas más queridas de Venezuela.

Con su voz de terciopelo y acompañada por eximios músicos del jazz latino, la cantante ha demostrado su eclecticismo a través de un repertorio rico y variado que incluye elegantes versiones de clásicos como Bésame Mucho y Moliendo Café; páginas históricas del jazz como A Night In Tunisia; la melancolía inglesa del grupo de rock progresivo Genesis y su Mad Man Moon - además de sorpresas tan inesperadas como su deliciosa interpretación del himno grunge Smells Like Teen Spirit de Nirvana.

Hasta el momento ha grabado diez álbumes, el primero de ellos titulado Primogenito (1990) y el último  Live Lunch Break, grabado en vivo (2010).

Escuchen esta versión que hace del tema Nature Boy,  una canción de Eden Ahbez​ (1908-1995) publicada en 1947. La canción cuenta la historia de un chico extraño y encantador que viajó muy lejos solo para aprender que lo más importante de la vida es amar y ser amado. La grabación del tema que hizo Nat King Cole en 1948 fue un enorme éxito, y desde entonces se convirtió en un estándar tanto del pop como del jazz, interpretado por innumerables intérpretes.

En esta versión, María Rivas está acompañada por la agrupación Liberjazz, integrada por Laurent Lecuyer, en la producción; Miguel Chacón, en el contrabajo; Nené Quintero en la percusión, y Bobby Stern, en el saxo.


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julio 17, 2018

Marcos Valle: ícono del bossa nova



Marcos Valle es uno de los compositores y cantantes màs prolìficos e icònicos del Brasil, nacido en Rìo de Janeiro y autor de inumerables temas que forman parte del cancionero brasileña, especialmente orientados hacia el bossa nova,, samba y el jazzbossa. Empezó a escribir canciones con su hermano Paulo Sérgio a comienzos de los años sesenta. Su primer gran éxito fue Sonho de Maria, por el que Valle fue aclamado como el mejor compositor brasileño del año a los 19 años. 

Inmediatamente, consiguió un contrato para grabar y en 1964 realizó su primer álbum, Samba Demais, para EMI de Brasil. Una gira con Sergio Mendes & Brasil, en 1965, le proporcionó sus primeras conexiones en América del Norte. En 1966, Walter Wanderley colocó la canción de Valle So Nice (Summer Samba) en la lista de los cuarenta principales de Estados Unidos. Valle consiguió pronto su propio contrato en Norteamérica y en 1967 la Warner Brothers realizó el disco de instrumentales Braziliance!. Un año después, su debut en Verve, Samba '68 se convirtió en un clásico brasileño gracias a sencillas pero contagiosas canciones como Batucada, Chup Chup, I Got Away y Crickets Sing for Anamaria, en las que las armonías vocales estaban realizadas por su mujer Anamaria.

Algunas canciones de esta etapa se convirtieron en estándars y han sido grabadas desde entonces por numerosos artistas (Caetano Veloso, Diana Krall, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Stacey Kent, etc). 

A pesar del éxito, fue su último disco norteamericano. Ese mismo año, Viola Enluarada fue un gran éxito en toda Suramérica, gracias en parte a la canción titular (con la voz de un joven Milton Nascimento). La era del rock and roll que ya había influido en tropicalistas como Os Mutantes, Caetano Veloso y Gilberto Gil pronto empezó a inspirar también a Valle. Con discos como el clásico de 1971 Garra, fue más allá de los géneros musicales autóctonos como la bossa nova o la samba y se acercó a un sonido influenciado por el rock y el funk. Continuó grabando para EMI hasta su marcha a Estados Unidos en 1975. Allí, escribió y arregló temas para Eumir Deodato, Airto Moreira y Chicago. Continuó grabando discos en solitario a principios de los ochenta, añadiendo nuevas y electrónicas técnicas de producción. También escribió música para películas y para series televisivas como el Barrio Sésamo brasileño. 

Este tema que van a escuchar, Samba de Verão, participan, además de Valle, en los teclados, Jessé Sadoc en el fugelhorn, Marcelo Martins en el saxo, Renato Massa en la bateria y Mazinho Ventura en el bajo eléctrico.


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julio 16, 2018

Snarky Puppy explora nuevos sonidos



La banda Snarky Puppy es muchas cosas y sobre todo es una banda que va mucho más allá de las etiquetas. Es alegría, riesgo, la apoteosis de creación colectiva.  Los Snarky Puppy hacen una música contemporánea que bebe de múltiples fuentes y que, como dicen ellos mismos, se caracteriza por «la alegría de tocar juntos dentro de un espíritu de impulso perpetuo para crecer creativamente».

Snarky Puppy hace jazz del siglo XXI, es decir, una música repleta de influencias variadas y caleidoscópicas, que van desde el jazz más clásico al grunge, pasando por el soul, el funk, la world music y el blues. A ratos incluso da la impresión de que no hacen jazz, pero no, su música, a nada que se escuche con atención, se ancla en el Miles Davis eléctrico, en Herbie Hancock, en Weather Report y en lo mejor del primer ‘smooth jazz’.

Liderada por el bajista Michael League, los Snarky tienen su centro de trabajo en el ultraconservador estado de Texas (USA), y aunque en su discos colaboran muchos y muy diversos artistas, hay un núcleo duro formado por Robert ‘Sput’ Searight, Nate Werth, Shaun Martin, Cory Henry, Justin Stanton, Bob Lanzetti, Mike Maher y Chris Bullock.


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Rahman y Dey: la sensación del jazz indio



Poco se sabe de la música india de este lado del continente y mucho menos del jazz que allí se origina. Queremos presentarle este trabajo del compositor A. R. Rahman, músico nacido el 6 de enero de 1966 en Chennai, Tamil Nadu, India, compositor, productor. 

Rahman es uno de los mayores vendedores musicales de la historia. Su carrera está ligada al cine por ser compositor de multitud de canciones de películas de Hollywood. Ha vendido más de 100 millones de discos donde se editaban canciones compuestas para estas películas. Dentro de los instrumentos utilizados para sus canciones, destaca los de teclados como el piano, o los de percusión, también cabe destacar la guitarra. 

Su carrera como músico comenzó en 1991 componiendo música para anuncios publicitarios en la televisión de India. En 1992 compuso las canciones de la película Roja, dirigido por Mani Ratnam. En su debut en el cine, le permitió obtener el premio "Rajat Kamal Award" al mejor director de música en el National Film Awards. Su primer álbum Roja con las canciones de dicha película, ha sido catalogado por la revista TIME como una las 10 mejores canciones musicales para películas de todos los tiempos. 

El 20 de mayo de 2011, se presenta un proyecto de superbanda integrada por Mick Jagger, Dave Stewart, Joss Stone, Damian Marley y al mismo Rahman llamado SuperHeavy. El álbum homónimo de la banda fue lanzado en septiembre de 2011. Fue encargado de la composición de la canción nombrada Satyameva Jayate, que significa, The Truth Alone Triumphs (La única verdad triunfara).

Por su parte, Mohini Dey, la bajista que protagoniza este tema de Rahman, está haciendo furor en la escena musical de la India, como en el mundo (actualmente realizando actuaciones junto al gran guitarrista Steve Vai. y el gran bajista  Federico Malaman, así también como grabaciones junto al famoso tecladista Jordan Rudess conocido por pertenecer a la banda de metal progresivo Dream Theater). Nacida en el año 1996, Mohini es probablemente la bajista más joven de su país, y se destaca por tener una carrera musical exitosa. Comenzó a aprender el bajo a la edad de tres años y comenzó a hacer conciertos y grabaciones a la edad de diez años.


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Gretchen Parlato: la seducción del jazz



Hija de un bajista de jazz y nieta de un trompetista y cantante de la época de las Big Bands, Gretchen Parlato se ha dedicado con pasión a la música. Ganadora del Concurso Internacional Thelonious Monk para Cantantes en 2004, a los 42 años cuenta con cuatro álbumes y una carrera con una popularidad ascendente. Entre sus discos destaca Live in NYC (2014), nominado para el Grammy como Mejor Álbum de Jazz Vocal y reconocido con cinco estrellas por la revista especializada Downbeat, mientras que The Lost and Found (2011) obtuvo una treintena de reconocimientos. Además ha colaborado en conciertos y grabaciones con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Kenny Barron, Esperanza Spalding y Terence Blanchard, entre otros. Desde 2013 es profesora de la Escuela de Música de Manhattan.

El talento le viene de herencia, pues es hija del bajista David Parlato, quien en los años 70 colaboró con artistas tan opuestos y brillantes como Frank Zappa, Barbra Streisand, Al Jarreau y Henry Mancini y de la artista visual Judy Frisk.


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julio 15, 2018

Lovano y Douglas se la juegan con Sound Prints


El quinteto Sound Prints, codirigido por el saxofonista Joe Lovano y el trompetista Dave Douglas, tiene un lugar seguro en los álbumes de 2018 de las listas del año, gracias al sonido de trompeta creado hace años por Miles Davis y que reviven estos dos colosos. El álbum  Scandal es completamente instrumental, jazz-referencial inspirado en la música de Wayne Shorter, destacando particularmente el trabajo de Shorter en los años 60 y su participación en el segundo quinteto de Miles Davis.

Sound Prints lleva ya cinco años formado y, además de Lovano y Douglas, lo integran el pianista Lawrence Fields, la contrabajista Linda May Han Oh y el baterista Joey Baron, quienes cuentan mejores historias de jazz desde esta perspectiva que la mayoría, y esta sesión los atrapa en fluidamente colectiva. El lanzamiento de Scandal está respaldado por una gira europea que habrá de comenzar en agosto de 2018.


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Pardo y el cuarteto Djinn abordan el metaflamenco



Jorge Pardo es uno de esos músicos que siempre está en un segundo plano pero de los que hacen brillar al protagonista. A lo largo de su carrera, su flauta travesera o su saxo han acompañado a artistas como Camarón, Paco de Lucía o Chick Corea pero él tiene también su propio universo. 

La carrera de Jorge Pardo tiene dos etiquetas -de esas que tanto odian los músicos- que son inseparables a sus instrumentos de viento: flamenco y jazz. "Hay muchos sonidos que forman parte de mi mundo. El flamenco es esencia y principio para mí. A través de esa mirilla he visto y entendido otras tradiciones y, este aprendizaje y el pulso del jazz principalmente, me han llevado a expresarme con espontaneidad, vencer los miedos y no ocultar mi libertad".


Con su cuarteto “Djinn Metaflamenco” aborda el groove, los orígenes del flamenco, electrónica. En las composiciones de ‘Metaflamenco’, se entrecruzan estas tramas, el tiempo y el espacio, para dar lugar a una música que juega con eso mismo.  
  
Órganos Hammond, teclados con sonidos ácidos, contundentes baterías, bajos eléctricos y guitarras flamencas se unen a las aportaciones de Dj’s y productores cercanos a la electrónica trabajando con samples de cantes añejos o colaboraciones cercanas a la poesía hip hop. 

La agrupación Djinn la conforman, además de Jorge Pardo en el saxo y flauta; Tony Romero; teclados; Rycardo Moreno, guitarra; Dj Toner; Pablo Báez, Bajo; David Bao, batería. Voces invitadas: Alana Sinkey y Bego Salazar.
 

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julio 01, 2018

Harold López-Nussa, el fenómeno latino



Harold López-Nussa es uno de los más grandes de estos tiempos. El pianista cubano nició sus estudios en el Conservatorio Manuel Saumell, y cursa el segundo año de piano en el Instituto Superior de Arte con Teresita Junco. Obtuvo el Gran Premio en el Concurso Nacional de Piano Amadeo Roldán; Primer Premio en el Concurso Iberoamericano; finalista del Citta di Senigalia.

Ha actuado con la Orquesta Sinfónica Nacional y con la Orquesta Sinfónica de Matanzas, con la que, dirigida por Enrique Pérez Mesa, interpretó el Concierto en sol mayor de Maurice Ravel; también ejecutó el Concierto núm. 4, para piano y orquesta, de Heitor Villa-Lobos. 

En la séptima edición del Solo Piano Competition, con la interpretación de Memories of Tomorrow, de Keith Jarret, Footprins, de W. Shorter, y E’echa, de Harold López-Nussa, le fue otorgado el Premio, certamen en el que había quedado como finalista, junto a Phillipe Baden Powell de Aquino, de Brasil, y Niel Djuliarso, de Indonesia.

Se ha presentado con el grupo Klímax, de Giraldo Piloto; el cuarteto del trompetista Alexander Brown, Robertico Carcassés, Elmer Ferrer y su grupo, Haila Mompié, Teresa García Caturla, José Miguel Crego (El Greco), Bobby Carcassés y Yusa.

En el 2009 salió al aire su disco Herencia, le acompañan en su trío, Felipe Cabrera al contrabajo (también hace algo de voz) y su hermano Ruy Adrian López-Nussa a la batería. Como invitados, están Mayquel González (trompeta) en un par de temas y Omara Portuondo en "Es más, te perdono". Harold López-Nussa, no sobrecarga de notas sus fraseos y consigue decir más con menos. De los once temas, siete llevan su firma y entre los otros cuatro figura "Tears in heaven" de Clapton.


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Avishai Cohen: el monstruo del contrabajo



Es uno de los contrabajistas más influyentes de nuestro tiempo y un auténtico visionario del jazzy, hoy por hoy, el más representativo nacido en Israel. Se dio a conocer a mediados de los noventa cuando recibió la llamada de Chick Corea para formar parte de su nuevo sexteto y desde entonces ha publicado 15 discos en solitario con su propio sello discográfico.

En el 2003, se separa del sexteto de Chick Corea, para seguir con sus proyectos personales. Continúa explorando las raíces rítmicas, no solo del Oriente Próximo, sino también de la música afrocaribeña, la música popular israelí, la música clásica, en especial Bach y, por supuesto, el Jazz.

Las siguientes grabaciones fueron mostrando sucesivas aperturas a terrenos musicales inexplorados, incluyendo instrumentos tradicionales de la música judía, canciones en hebreo, ladino y español.

Cohen ha acompañado, grabado y actuado con un buen número de músicos, además de Corea, como Bobby McFerrin, Roy Hargrove, Herbie Hancock, Kurt Rosenwinkel, Nnenna Freelon o Paquito D'Rivera.


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junio 30, 2018

Lao Tizer: la renovación del jazz



Tecladista y artista de grabación, Lao Tizer ha sido proclamado "un artista independiente portador de la antorcha para la nueva generación del jazz contemporáneo". Ha sido nominado al Mejor Nuevo Artista de Jazz. Es un pianista y tecladista respaldado por Yamaha, y él y su grupo Tizer (nominado al "Grupo de Jazz del 2011") han aparecido en escenarios de renombre en todo el mundo junto a artistas como Isaac Hayes, Boney James, Frank Zappa, Wayne Shorter, George Benson, Los Comodoros, Robin Thicke, The Rippingtons, Bruce Hornsby, Jethro Tull y Spyro Gyra. Las grabaciones de Lao han vendido más de 90,000 copias y recibido aclamación en las publicaciones más respetadas de la industria.

En 1997, Lao se mudó a Los Ángeles para continuar con su pasión musical. Su talento atrajo rápidamente la atención del reconocido guitarrista, compositor y productor de jazz contemporáneo y ganador del Emmy Chieli Minucci (Special EFX). La colaboración en un proyecto de demostración se produjo y en tan solo unos meses, Lao cautivó al público en la Ciudad de los Ángeles. En 1998, con el asesoramiento de Minucci, Lao formó TIZER (anteriormente la Banda Lao Tizer) presentando una alineación de estrellas incluyendo Jeff Kollman - guitarra; Rufus Philpot - bajo, Raul Pineda - batería, y Steve Nieves - saxo, percusión y voz.

En 2001, Frat House Records lanzó Golden Soul, el primer disco de producción completa de Lao con su grupo. Golden Soul permitió a Lao reunirse con el mentor musical Minucci para grabar el álbum. El sencillo, "Her Poetry", recibió elogios de todos los sectores de la industria y se registró en los informes de Gavin Charts y Radio & Records y alcanzó la lista de Billboard's Contemporary Jazz Album.

En 2006, Tizer regresó al estudio para grabar Diversify, el primer lanzamiento de Lao para Yse Records. Producido por el viejo amigo y guitarrista Jeff Kollman, los temas musicales de Diversify reflejan su título. El álbum expone las amplias influencias artísticas de Lao mientras permanece firmemente enraizado en su estilo de referencia. El disco presenta actuaciones de piano fenomenales de Lao, con el apoyo de su grupo elegido a mano y presenta apariciones especiales de artistas como Chieli Minucci, Karen Briggs, Munyungo Jackson y Andy Suzuki. Ambos sencillos del álbum fueron promocionados en Radio & Records Jazz Indicator y SmoothJazz.com charts, y Diversify continúa apareciendo en la lista de Billboard Jazz Album.

En 2008, Lao montó una gira de conciertos de estrellas con la ya mencionada Chieli Minucci y la virtuosa internacional del violín Karen Briggs (Yanni, Soul II Soul, Stanley Clarke). En 2009, Lao lanzó Passages, un regreso a sus raíces en un proyecto solista más orientado al piano. Lao y Tizer hicieron sus debuts de conciertos internacionales en 2009 y 2010 con actuaciones en Joy of Jazz - Johannesburgo, Sudáfrica; Festival de Jazz de Dubai; Barbados Jazz Fest, Java Jazz Festival - Yakarta, Indonesia; The Caribbean Sea Jazz Fest - Aruba y presentaciones de clubes en Seúl, Corea del Sur. En el verano de 2010, Lao lanzó TIZER Live, que captura la fascinante música y el carisma de la experiencia de concierto de TIZER.

El continuo crecimiento de Lao Tizer como compositor se refracta brillantemente en el profundo prisma musical de su arte en evolución. Ya sea que esté actuando en solitario o en concierto con su extraordinaria banda, el futuro promete logros espectaculares de este talentoso joven artista.



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mayo 13, 2018

Till Brönner: una estrella del jazz alemán



Uno de los más conocidos artistas de jazz europeo a nivel mundial es el trompetista, cantante, compositor, arreglista y fotógrafo Till Brönner (1971, Viersen, Alemania). Muy relacionado con la creación norteamericana, en el transcurso de su trayectoria profesional ha tenido la ocasión de trabajar junto a Dave Brubeck, James Moody, Natalie Cole, Johnny Griffin, Tony Bennet o Ray Brown, además de trazar una triunfante trayectoria musical con discos superventas como el exquisito homenaje a Chet Baker, Oceana o Rio, ambos con lujosas colaboraciones de intérpretes y cantantes internacionales como Madeleine Peyroux, Kurt Elling, Milton Nascimiento, Annie Lenox, Sérgio Mendes o Luciana Souza, entre otros.

Till Brönner se crió en Roma, pero estudió trompeta clásica en Bonn-Bad Godesberg (Alemania), en la escuela jesuita Aloisiuskolleg, antes de interesarse por la trompeta de jazz en la academia de música de Colonia junto a los profesores Jiggs Whigham y Jon Eardley.

En 1993 lanzó al mercado su primer álbum, Generations of Jazz, grabado junto con Ray Brown, Jeff Hamilton, Frank Chastenier y Grégoire Peters, que recibió numerosos premios (ej. Preis der deutschen Schallplattenkritik y Preis der deutschen Plattenindustrie).

En 2014, Brönner cumplió un sueño con la grabación de The Movie Album, con la participación de Gregory Porter, Joy Denalene y Arturo Sandoval e incluyendo una amplia gama de temas de películas y canciones clásicas del cine de películas como Casablanca, Cinema Paraíso o El Padrino.


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mayo 03, 2018

Robert Glasper: un jazzista que rompe paradigmas



Oriundo de Houston, Texas, Robert Glasper es un pianista de jazz con una destreza para composiciones suaves y armónicamente complejas que también revelan una influencia sutil del hip-hop. Inspirada para tocar el piano por su madre, una pianista y vocalista de gospel, Glasper asistió a la escuela secundaria de Houston para las artes escénicas. Después de graduarse, estudió música en la New School University en Manhattan, donde encontró trabajo de performance con luminarias como el bajista Christian McBride, el saxofonista Kenny Garrett y otros. Después de graduarse en la universidad, Glasper trabajó con una variedad de artistas, incluido el trompetista Roy Hargrove, la vocalista Carly Simon y el rapero Mos Def. El pianista lanzó su álbum debut, Mood, en Fresh Sound New Talent en 2004. Canvas y In My Element le siguieron en 2005 y 2007, respectivamente, en Blue Note Records.

En 2009, Glasper lanzó el álbum progresivo Double Booked, que presentaba una mezcla de números modales post-bop y funky, números inspirados en Herbie Hancock de los 80 con dos bandas distintas. El primero de ellos fue su trío con el baterista Chris Dave y el bajista vertical Vicente Archer; grabaron cinco originales y una versión de Think of One de Thelonious Monk. A estas canciones siguieron cinco originales más de su banda eléctrica, apodado Robert Glasper Experiment, con Dave, el bajista eléctrico Derrick Hodge y Casey Benjamin en saxofones y vocoder.

En 2012, el Robert Glasper Experiment (con un montón de vocalistas invitados) emitió su primer álbum independiente, Black Radio, para Blue Note, que buscaba desdibujar los límites entre jazz, hip-hop, R & B y rock & rodar; entró en las listas de jazz de Billboard en el número uno. Más adelante en el año, Glasper y Blue Note lanzaron Black Radio Recovered: The Remix EP; 9th Wonder, Georgia Anne Muldrow, y Pete Rock estuvieron entre los que participaron. En 2013, el Robert Glasper Experiment (que ahora incluye a Hodge y Benjamin con el baterista Mark Colenburg) regresó con su segundo álbum igualmente plagado de estrellas, Black Radio 2

Hoy, Glasper es considerado un gigante porque tiene la capacidad de pasearse por distintos estilos y sensibilidades, consiguiendo un viaje sonoro que, constantemente, pasa por diversos matices, logrando armonías cálidas e intensas. Justamente, una de las cosas que hace apasionante la propuesta de Robert Glasper dentro del jazz, es que ha sabido ampliarlo y llevarlo a su origen afroamericano. A su vez, es capaz de fusionar el género con hip hop, R&B, soul, rock, pop, electrónica y hasta psicodelia, creando un sonido único, con una identidad y un color absolutamente propio.


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Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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