El flautista Jorge Pardo y el tecladista Chick Corea.
El interés de Chick Corea por la música española estaba bien documentado en el álbum My Spanish Heart, y continuó poniendo su propio sesgo con Touchstone, que incluía dos temas con el desaparecido guitarrista flamenco Paco De Lucía y el bajista de De Lucía, Carles Benavent. Dos décadas más tarde, durante una gira por Europa, Corea se reencontró con Benavent y otros dos ex-saxofonistas / flautistas de De Lucía, Jorge Pardo, y el percusionista Rubem Dantas. De esta reunión casual surgió un nuevo proyecto, Touchstone, con una gira europea en 2004, la fuente de Rhumba Flamenco.
My Spanish Heart es un precedente para Touchstone, que también incluye al veterano colaborador de Corea Tom Brechtlein en la batería. Pero este quinteto tiene una afinidad más fuerte por las ricas complejidades y sutilezas rítmicas de las raíces españolas, y específicamente flamencas, de las composiciones de Corea que el grupo central del álbum My Spanish Heart. Y la naturaleza acústica de Touchstone da cuenta de un vínculo más fundamental con el estilo orgánico de su origen.
Disfruten esta versión de Spain en vivo desde Barcelona, con Corea junto a un equipo de maestros, entre los que destacan Pardo y Benavent, dos veteranos del jazz flamenco.
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Bossacucanova es una de las buenas bandas brasileñas que re-versionan a el bossa, sumando más instrumentos y algo de “maquinaria”. Esta agrupación, nacida en Río de Janeiro en 1998, proviene de la verdadera escuela del bossanova pero hace una fusión inteligente con la música electrónica.
Heredó lo mejor de Roberto Menescal, compositor de clásicos como O Barquinho, Ah, Se Eu Pudesse, Errinho à Tôa, Nós e o Mar, Rio, Você y Vagamente, quien es, además, uno de los grandes fundadores del género junto a Chico Buarque y otros tantos que ahora rondan los 70 años pero están dejando su legado en buenas manos. En el caso de Roberto, en las manos de su hijo, Marcio Menescal.
Pero para ponerle candela, padre e hijo incorporaron al DJ Dalua y a Alexandro Moreira. El resultado es lo más granado del electro bossa actual, que ha permeado a artistas de todo el mundo, principalmente en Europa y Japón.
Disfruten de este maravilloso sonido y de la versión que hacen de la icónica Garota de Ipanema.
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El legendario Jim Hall desarrolló un sonido único a la vez que mostró una innovadora perspectiva desde la cual encarar la guitarra eléctrica. influenciado más por saxofonistas como Sonny Rollins, Coleman Hawkins o Lester Young que por otros guitarristas.
Hace cuatro años, en esta fecha, seis días después de su cumpleaños, Hall fallecía a los 83 años, convertido en uno de los más influyentes, creativos y admirados gigantes de la guitarra en el jazz, luego de disfrutar de una larga, extraordinaria e incansable vida musical, en la que se mantuvo activo hasta sus últimos días-
En los años 60, ya en Nueva York, Jim Hall organizó un trío con Tommy Flanagan y Ron Carter, al que reemplazó con Red Mitchell pocos años después. También tocó y arregló música para shows de televisión por esos días.
En 1962 grabó con Bill Evans, a dúo, el célebre álbum Undercurrant, que se ha transformado en un disco de colección.
A partir de esa época Hall tocó con más y más músicos contemporáneos que iban surgiendo en la escena del jazz, incluidos Wayne Shorter, Chris Potter, Michel Petrucciani y Bill Frisell. Presentó festivales de jazz en Nueva York, que incluían a los guitarristas Pat Metheny y John Scofield, con quienes también tocó.
Grabó álbumes solo y a fines de los 90 estaba tocando en quinteto con Joe Lovano. Continuó participando en festivales de jazz hasta muy poco antes de su muerte y su última grabación la hizo en el año 2008.
Jim Hall es hoy un hito en la historia del jazz en general y de la guitarra en particular; su legado puede sentirse en cada nota tocada por John Scofield, Pat Metheny, Bill Frisell y en cualquier músico que haga de la austeridad y la libertad sus banderas.
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El guitarrista austríaco Wolfgang Muthspiel encabeza un estelar quinteto que incluye, además, de él en las guitarras eléctrica y acústica, a Ambrose Akinmusire en la trompeta, Brad Mehldau en el piano, Larry Grenadier en el contrabajo y Brian Blade en la batería.
El nuevo material, Rising Grace, editado en 2016, comprende diez composiciones originales, nueve de ellas llevan la firma de Wolfgang Muthspiel (Rising Grace, Intensive Care, Triad Song, Father and Sun, Superonny, Boogaloo, Ending Music y Den Wheeler, Den Kenny, esta última en tributo al trompetista Kenny Wheeler) y la restante –Wolfgan’s Waltz- pertenece a Mehldau. El álbum fue publicado por intermedio del sello discográfico ECM Records.
Muthspiel acredita una prolífica labor como solista y músico de sesión. Tras completar su sólida formación académica –que incluyó estudios de guitarra clásica y de jazz en su país natal y maestrías obtenidas en el New England Conservartory y el Berklee College of Music– tuvo la oportunidad de reemplazar a Pat Metheny en el cuarteto de Gary Burton. En los años siguientes trabajó junto a reconocidos jazzistas como Dave Liebman, Paul Motian, Gary Peacock, Bob Berg, John Patitucci y Don Alias y también colaboró con la afamada cantante noruega Rebbeka Bakken.
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Michael Wollny es un genio del piano alemán que mezcla épocas, estilos y países sin prejuicios, un hombre que sigue buscando nuevas fuentes sin asustarse ante nada. Un tío libre capaz de improvisar sobre cualquier tema. La suya es una música que tiene mucho que ofrecer al oyente aventurero. Debemos decir que no es un tipo de música que gustara a todo el mundo, tiene un público muy definido, aquel dispuesto a investigar y disfrutar.
La crítica considera su trabajo sublime tanto como solista como en formato trío. Wollny representa desde hace unos años ese algo nuevo que siempre tiene el jazz, especialmente en Europa como territorio de creación. Sus influencias abarcan a Johann Sebastian Bach, Franz Schubert, el romanticismo alemán y el compositor francés Olivier Messiaen.
Escúchenlo, acompañado por Emile Parisien (Saxo Soprano), Vincent
Peirani (Acordeón), Andreas Schaerer (Vocalización y Sonidos), con el
tema Ukuhamba, que estña incluido en su álbum Out of Land on ACT Records. Un sonido sin esquemas.
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Una de las mejores cantantes de jazz desde finales de los 80 del siglo XX, Dianne Reeves es la sucesora de las grandes divas del jazz vocal femenino como Sarah Vaughan, Dinah Washington o Carmen McRae. Sus discos son, para muchos, lo mejor que ha acontecido en el jazz vocal en las últimas décadas, sobre todo los álbumes I Remember, The Grand Encounter, The Calling: Celebrating Sarah Vaughan y A Little Moonlight.
Ha grabado con luminarias de la talla de Joe Williams, Clark Terry, Harry "Sweets" Edison, James Moody, Phil Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron.
Dianne Reeves sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.
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Nació en 1967 y creció en el seno de una familia en la que reinaba la música. A los 22 años deja África para vivir en Paris, para finalmente instalarse en New York en 1995 donde reside actualmente.
Desde que Joe Zawinul lo descubriera en 1992 mientras tocaba en un club de Paris, Bona ha trabajado con los más importantes músicos de la escena neoyorquina: Mike Stern, Chick Corea, Bobby McFerrin, Branford Marsalis, Pat Metheny, entre otros. Lo ha hecho abarcando una amplísima variedad de registros estilísticos, que van desde el jazz hasta el funk o el pop mostrando su talento tanto en sus presentaciones como solista, con la Jaco Pastorius Big Band o con otros artistas, y en una breve pero intensa discografía.
En 1997, se impuso rápidamente con Scenes from my life su primer álbum, considerado unánimemente como un trabajo exquisito que vendió más de 30.000 copias casi sin publicidad. Los siguientes discos, Munia (2003), African Tale (CD, DVD 2005), Tiki (2006) y The ten Shades of Blues (2009), su último trabajo próximo a editarse en Argentina, terminan de posicionarlo como un músico diferente en la amplia escena del jazz y lo revelan como un compositor refinado y con estilo propio.
Por supuesto, siendo de Camerún su herencia juega un rol importante en el lenguaje de Bona en su doble vertiente de compositor y músico.
Las letras de sus canciones, que interpreta en su lengua natal, el douala (aunque también acude al francés y el inglés) narran experiencias con una decidida connotación universal.
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La carrera de la talentosa y espigada Esperanza Spalding, nacida el Portland, EEUU, es prolífica, derrocha su talento en cada trabajo donde colabora o funge como lideresa. Su trayectoria musical es variopinta y arriesgada, destila entrega y talento sin igual; trabajó bajo el comando de Stanley Clarke en el Stanley Clarke Trio donde grabó The Toys of Men del año 2007. Cadencia, sensualidad arrabalera y un portento de voz.
Spalding apareció con su nueva producción en 2016 titulada Emily’s D+Evolution (Concord, 2016), en honor a su segundo nombre. En plena madurez creativa, Esperanza recorre caminos poco explorados por ella y sale de su zona de confort, se aleja diametralmente de sus producciones pasadas e incursiona en terrenos más pesados que mezclan el soul, la psicodelia, el rock, el jazz y la música clásica con el pop.
Su estilo se caracteriza por fraseos largos a manera de spoken word,
yuxtaposiciones que dislocan el ritmo y total osadía por romper con la
pesada losa de ícono y renovadora del jazz. Esperanza sorprende y
conmociona por su versatilidad y búsqueda insaciable de nuevos aires.
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Mucho se podría escribir sobre Dizzy Gillespie. Mucho se ha escrito sobre él. Libros, artículos, entrevistas, comentarios en cantidades inimaginables. No hay amante del jazz en el mundo que no conozca al genio del cual el pasado 18 de octubre se cumplió un siglo de su nacimiento .
De su encuentro profesional con Charlie Parker nació el bebop (onomatopeya del ruido que hacía la cabeza de un negro cuando era golpeada por la porra de un policía blanco), con recordados espectáculos en el bar Minton's. Luego las carreras de Parker y Dizzy, siguieron caminos separados: mientras el primero era inigualable en pequeñas formaciones, Gillespie ofrecía lo mejor de sí frente a grandes formaciones. Mientras Parker sufrió la marginación y el olvido, Gillespie se convirtió en una de las figuras más conocidas del jazz. Su fama se acrecentó con su fuerte personalidad y sus espectáculos personales entre los que se destaca su habilidad para el scat, los instrumentos de percusión centro americanos y sus apariciones públicas entre las que se destaca su postulación a la presidencia de los Estados Unidos en 1964
Solamente baste decir en su cumpleaños que Dizzy Gillespie ocupa uno de los lugares preponderantes en la historia del jazz, como trompetista influyente, músico innovador, compositor, director orquestal y pionero del be-bop y del jazz moderno junto con Charlie Parker y un puñado de otros genios que hace más de medio siglo cambiaron la faz del jazz hasta el día de hoy.
Le recordamos hoy con admiración, gratitud y cariño.
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Se conocen desde hace casi medio siglo, pero recién ahora, cuando ambos tienen una larga y exitosa carrera detrás, pudieron finalmente cumplir juntos y con más de 70 años el sueño de cualquier músico que recién comienza: formar una banda, grabar un disco y salir de gira.
Denrtro de un intenso calendario de actividades que le llevará en los próximos meses a distintas ciudades de EEUU, así como del Japón y Europa, Chick Corea retorna en octubre a España y América Latina.
La gira en los países iberoamericanos comenzó en Sao Paulo el pasado 18 de octubre, con dos presentaciones posteriores en Rio de Janeiro. De ahí pasó a Santiago de Chile (teatro Caupolicán) el dia 22, a Buenos Aires (Gran Rex) el 24, Montevideo el 25 y Lima el 27 de octubre.
Después de eso tiene presentaciones en Alemania e Italia, para seguir en España, donde se presentará en Barcelona (Palau de la música) el 9 de noviembre y Madrid (Auditorio nacional) el 13. Luego seguirá a varios países europeos hasta el 23 de noviembre.
Junto a Herbie Hancock, Keith Jarrett y el desaparecido Joe Zawinul, Chick Corea integra una galaxia de pianistas superdotados que se convirtieron en los nuevos gigantes del jazz de los años ‘70. Además de su virtuosismo y creatividad, todos ellos tienen un común denominador: haber pasado por la banda de Miles Davis en algún momento en el que el hombre de la trompeta cocinaba a fuego lento un suculento caldo que se aventuraba a mezclar elementos que parecían irreconciliables, el jazz y el rock.
Al ser un baterista, el caso de Steve Gadd es bastante diferente. Si bien no le ha faltado oportunidad de liderar sus propias bandas, Gadd es uno de los músicos de sesión más solicitados del planeta. Puertas adentro, se lo puede escuchar propulsando el ritmo pre-disco de “The Hustle” de Van McCoy, secundando a Frank Sinatra casi anónimamente, o tocando para Paul McCartney a dos baterías junto con Ringo Starr para el disco Tug Of War (1982).
La "Corea-Gadd" Band está integrada además por el genial guitarrista Lionel Loueke; Steve Wilson, el protegido de Corea, en el saxo y flauta; el virtuoso Carlitos Del Puerto en el contrabajo, y el venezolano Luisito Quintero en la percusión, todos ellos pertenecientes a las nuevas generaciones de músicos de jazz.
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Nacido en 1940, Steve Swallow es uno de los grandes músicos de la escena del jazz actual. A diferencia de sus colegas “héroes del bajo eléctrico”, como podrían ser Marcus Miller o Victor Wooten, que en sus respectivos álbumes solistas el bajo se manifiesta en forma a veces desmedidamente omnipresente, Swallow elije ocupar una presencia sutil en el entramado con el resto de los instrumentos, donde la música y no el virtuosismo –que lo tiene- es lo más importante.
Swallow fue uno de los primeros contrabajistas en pasarse por completo al bajo eléctrico, un instrumento en el que tiende a enfatizar el registro agudo, como sí fuese una guitarra y que ejecuta con púa.
La discografía a su nombre, no muy extensa, goza de una calidad reconocida por la crítica como fuera de lo común. lo que ha permitido situarse a Swallow como uno de los músicos que más han influido en el desarrollo de la música de fusión.
En 1978 comienza a trabajar con Carla Bley, con la que establece una relación sentimental y con quien continúa colaborando hasta la actualidad. Durante el resto de la década y hasta el presente, Steve Swallow desarrolla una incesante actividad como músico de sesión y como compositor. Actualmente vive con Carla Bley en Nueva York.
Disfrútenlo en este video junto al guitarrista John Scofield y el baterista Bill Stewart.
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Wiiliam Kennedy, Russell Ferrante, Bobby Mintzer y Dane Alderson
The Yellowjackets abrió un show de la noche del 23 de septiembre en el Ferring Jazz Bistro en St. Louis con la melodía pegadiza y optimista de la canción Spirit Of The West. El cuarteto, conocido por su única marca de jazz fusion, puso a los oyentes en modo de relajación.
Sin embargo, a pesar de la sensación de calma, la banda mantuvo a la audiencia con un juego atractivo. Esto se debió en gran parte a una de las cualidades más reconocidas de Yellowjackets: la imprevisibilidad.
La banda, en su 37o año, ha tenido una serie de alineaciones diferentes, pero Bobby Mintzer, el pianista Russell Ferrante y el baterista Will Kennedy han actuado juntos durante gran parte de la vida de la banda. El bajista Dane Alderson tocó en el Bistro y en el álbum más reciente de la banda, Cohearence, lanzado en Mack Avenue Records en 2016.
Originalmente, el grupo se llamaba The Robben Ford Group, y fue formado en 1977; sus miembros eran Robben Ford, Russell Ferrante, Jimmy Haslip y Ricky Lawson. Ford había creado el grupo para grabar el disco Inside Story, pero firmó un contrato de grabación separado apareciendo listado como artista invitado.
Con su nombre actual, el grupo fue fundado en 1981 como una banda orientada hacia el rhythm and blues que estaba liderada por el guitarrista Robben Ford. El grupo dio un paso de gigante cuando, tras la marcha de Ford, el saxofonista alto Marc Russo ocupó su lugar. Junto con los miembros originales, Russell Ferrante al teclado y Jimmy Haslip en el bajo eléctrico, y con el baterista William Kennedy, la banda encontró su propio sonido de R&B.
Empezaron a comienzos de los ochenta en la Warner Brothers y en 1986 se pasaron a MCA/GRP, compañía con la que realizaron un puñado de discos bien recibidos.
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De padre francés y madre dominicana, la cantante Cyrille Aimée nace y crece en Fontainebleau, Francia. Su introducción al jazz se debe a que el lugar donde crecio, coincide con aquel donde vivió el legendario guitarrista gitano Django Reinhardt, el pueblo de Samois-sur-Seine. Cada mes de Junio, por décadas, los gitanos llegan a Samois e instalan sus caravanas en las cercanías del pueblo para el festival anual Django Reinhardt.
Cuando su familia se muda a Singapur, se queda en Paris y estudia en el Conservatorio Americano de Musica Moderna. Audiciona tambien para "Star Academy", un equivalente Francés del "American Idol". Seleccionada entre los finalistas, Aimée entiende entonces que según los términos del contrato no estaría libre de cantar lo que quiera. Es mucho pedir a ésta alma gitana y abandona entonces el concurso. Perseguida por la producción Francesa, Aimée se refugia en República Dominicana, el país de su madre.
Dada la cercanía de éste país con Nueva York, Aimée opta por estudiar en el Conservatorio de SUNY Purchase. En su primer año descubre la vida del campus y el año siguiente, en 2012, Cyrille gana el concurso Vocal Internacional de Jazz Sarah Vaughan, coincidiendo con la salida de su disco auto-producido "Live at Birdland". En Noviembre 2013, el talento de Aimée atrae la atención de Stephen Sonheim, quien le ofrece un papel en una presentación de Encore's Special en el New York City's City Center, (con la actriz Bernadette Peter). Valiéndosela como actriz, el New York Daily News exclamó "Aimée es la revelación", alimentando sus influencias musicales de manera fenomenal.
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Disfruten de la trompetista holandesa Sakia Laroo, una artista que ha tocado odo tipo de formaciones, pero su verdadero amor es el jazzdance. Sin embargo, no sólo le interesa dicho estilo, también el jazz de John Coltrane y de Charlie Parker, y con el mismo amor ha llegado a tocar el dixieland.
Cuando comenzó a hacerlo profesionalmente había mujeres a las que no
se les permitía tocar en grupos de hombres. A ella sí. Si no la tomaban
en serio, tocaba tan duro, alto y fuerte que finalmente tenían que
hacerlo. Estuvo en grupos de reggae, de pop, de salsa, freejazz,
surinameses y brasileños. Pasó de una escena a la siguiente. No
obstante, lo más importante que aprendió de todo ello fue a no
despreciar nada y a no sostener opiniones puristas.
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Geri Allen, pianista de jazz, compositora y educadora, falleció el pasado 28 de junio en Filadelfia, EE UU, a los 60 años, a causa de un cáncer. Fue una de las pianistas de jazz más importantes de las últimas décadas, y su influencia es capital en muchos de los mejores pianistas del siglo XXI, como Vijay Iyer, Ethan Iverson, Jason Moran, David Virelles, Craig Taborn y otros. Con un lenguaje muy personal, sintetizado a partir de una gran variedad de influencias, desde Thelonious Monk a Herbie Hancock, pasando por Keith Jarrett, Don Pullen, Mary Lou Williams, Duke Ellington, Andrew Hill, Herbie Nichols o incluso Eric Dolphy, Allen tuvo una trayectoria impresionante, en la que cultivó diferentes estilos, siempre impregnados de su inconfundible personalidad.
Allen se desempeñaba como Directora del Departamento de Estudios de Jazz de la Universidad de Pittsburgh. Tuvo una destacada carrera musical en la que se destacó como una refinada pianista de jazz, tocando con algunos de los grandes del género, tales como Ornette Coleman, Ron Carter, Charles Lloyd, Tony Williams, Jack DeJohnette, Oliver Lake, Steve Coleman, Charles Lloyd, Dave Holland, Betty Carter y Charlie Haden.
Sus más recientes colaboraciones con las formidables mujeres jazzistas Esperanza Spalding y Terri Lyne Carrington han llegado a ser de antología, que se pueden ver en nuestra página.
Sus influencias, según ella misma, fueron Betty Carter, Herbie Hancock, Mary Lou Williams, Hank Jones, Alice Coltrane, Cecil Taylor, McCoy Tyner y su mentor, el Dr Billy Taylor.
Además de sus actividades como intérprete de jazz, Geri Allen pasó gran parte de si vida dedicada a la educación musical. En 2014 recibió un doctorado honoris causa en música de la Berklee School of Music, en Boston.
Su discografía abarca 19 álbumes como lider y una treintena como integrante de otros conjuntos.
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Shirley Horn fue una pianista y vocalista de jazz norteamericana nacida en Washington D.C., EEUU, el 1 de mayo de 1934 y fallecida el 20 de octubre de 2005 en la misma ciudad. Horn se caracterizó siempre por la profundidad de sus interpretaciones y su estilo íntimo y minimalista.
De los más de dos decenas de álbumes que ha editado, al menos media docena de ellos ha sido escogida para optar a los premios Grammy como Mejor vocalista de Jazz. De ellos son de destacar Paris, Light Out of Darkness -disco homenaje a Ray Charles-, I Love You, The Main Ingredient -enorme disco grabado en cinco días, para el que invitó a su casa a media docena de músicos, entre los que se encontraban el saxofonista Joe Henderson, el batería Elvin Jones y el trompetista Roy Hargrove; mientras cocinaba para ellos, les invitaba a extensas y relajadas jam sessions. Un álbum especialmente emotivo es I remember Miles, homenaje a su mentor Mr. Davis (mcnbiografias.com).
Cuando Shirley Horn cantaba, era capaz de cambiar nuestra manera de escuchar una canción. Fue una de las últimas grandes damas del jazz vocal de siempre, el imperecedero, que sabía crear de una forma magistral y sutil una sensación de intimidad con el público. Fue reconocida en muchos ámbitos como la mejor cantante-pianista desde Nat King Cole, demostrando en todo momento una gran capacidad para combinar melodías y letras y para sacar todo el jugo a los standards inmortales.
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Hoy 13 de mayo se cumple otro año de la muerte en 1988 del gran trompetista Chet Baker, quien conquistó la gloria en los clubes de jazz de Estados Unidos gracias a su don, a ese sonido suave de la Costa Oeste de EEUU. Baker transformó el jazz en algo diferente tanto por su música como por su imagen de actor de Hollywood rebosante de carisma y elegancia. Todo el mundo quería estar cerca de él y tuvo el mundo entre sus manos. Pero en ese mundo abundaban las drogas, drogas duras que todavía eran legales y que circulaban en todo tipo de entornos y ciudades. Baker acabó preso de ellas. Arruinado por ellas tanto en lo económico como en lo personal. Cayó en un círculo vicioso de deudas, mentiras y divorcios mientras su música seguía creciendo. Devoró el mundo y a la par fue devorado por él, como Charlie Paker, como muchos más de aquella generación bendecida por la música y maldecida por sus pactos con el diablo.
Grandes músicos han visto truncada su carrera debido al consumo de heroína. Janis Joplin, Jim Morrison o Jimmi Hendrix son algunos ejemplos de artistas que murieron demasiado jóvenes por culpa de una adicción fatal que ha estado unida irremediablemente al mundo del espectáculo. Chet Baker no fue diferente. El legendario trompetista estadounidense tocó el cielo en los años 50 en locales como el mítico Birdland de Nueva York y una década después paseaba su creatividad en garitos de poca monta, intentando rescatar los aplausos que un día le dedicaron sus enfervorecidas fans.
Baker se había vuelto adicto a la heroína en los cincuenta y había sido encarcelado varias veces durante cortos periodos. No obstante, no sería hasta los años sesenta que su adicción empezara a interferir en su carrera musical. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio entre rejas. Celebró su regreso grabando en 1962 Chet Is Back! para la RCA. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el año siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania Occidental en 1964, fue deportado a Estados Unidos.
Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fiscorno. En el verano de 1966 sufrió en San Francisco una gran paliza relacionada con su adicción a las drogas. Como consecuencia de ella, sufrió algún desperfecto en su dentadura que le llevó a modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional; a comienzos de los setenta, se retiró por completo.
La noche del 11 de marzo de 1988 dio su penúltimo concierto en el Colegio Mayor San Juan Evangelista de Madrid (España), también conocido como el Johnny. Su último concierto fue el 1 de Abril de ese mismo año en Alemania.
El 13 de mayo de 1988, cayó por la ventana de un hotel en Ámsterdam (Países Bajos) tras consumir heroína y cocaína, y falleció instantáneamente. Tenía 58 años.
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Esperanza Spalding es una de las más prometedoras compositoras e intérpretes del jazz del siglo XXI. Cantante, contrabajista y bajista estadounidense, ha ganado cuatro premios Grammy entre esos el de artista revelación en 2011, siendo la primera artista de jazz en lograr dicho reconocimiento. Ya en varias ocasiones hemos escrito acá sobre ella.
Esperanza ha logrado mezclar brillantemente géneros, rompiendo barreras y creando un trabajo completamente innovador. Ha conseguido con su brillantez y juventud eclipsar las carreras de grandes artistas de al menos medio siglo de edad.
Nació en Portland, Oregón y es egresada del Berklee College of Music. Cuenta con cinco álbumes de estudio como solista y ha logrado trascender las barreras compartiendo escenario con artistas de la talla de Janelle Monae, Prince, Herbie Hancock o el mismísimo Stevie Wonder. Como el New York Times acertadamente indicó: "[Esperanza] ha creado su propio exotismo sonoro, no solo como una virtuosísima bajista de jazz o una cantante impecablemente habilidosa, sino como una mágica mezcla de ambos. La naturaleza de su talento es simplemente excepcional..."
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Hoy cumple años, Herbie Hancock, uno de los grandes músicos de todos los tiempos más allá de los estilos y etiquetas. Nacido en Chicago en 1940, lo ha hecho todo en el jazz y en la música. Se presentó en la escena a los 11 años tocando un concierto para piano de Mozart con la Chicago Symphony Orchestra, y en 1963 se incorporó al quinteto de Miles Davis, donde permaneció cinco años. Un total de 11 de sus álbumes han entrado en las listas de pop de las décadas de los 70 y su canción Chameleon, del álbum Head Hunters, consiguió el primer Platino para un disco de jazz.
Es autor de dos de las composiciones jazzísticas más populares de la historia, Watermelon Man, primer corte de su disco de debut Takin' Off (1962), que arrasó en las emisoras de rhythm and blues en la versión de Mongo Santamaría, y Cantaloupe Island, que 32 años después de su creación tendría un gran éxito popular cuando el grupo de hip hop británico US3 la sampleó.
En junio de 2010 lanzó el excepcional álbum The Imagine Project. En este proyecto, que incluye un álbum y una película, se reúnen alrededor del legendario pianista una docena de grandes artistas como Juanes, Elton John, Pink y The Chieftains, entre otros artistas. A sus 77 años lo ha hecho todo en la música.
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Marcus Miller (14 de junio de 1959, Nueva York) es músico, compositor y productor de jazz. Sus trabajos más conocidos son como bajista en conjunto con el trompetista Miles Davis, Luther Vandross y David Sanborn. Es uno de los músicos más versátiles, talentosos y polifacéticos de la escena jazzística contemporánea, aunque, para hacer justicia, habría que decir de la música negra: aunque habitualmente está considerado como un jazzmen, es tan completo y tan ecléctico que no se le puede encasillar en ningún género, incluso aunque sea uno tan amplio como el jazz.
Destacó como intérprete (sobre todo del bajo, pero domina numerosos instrumentos, como el clarinete, la guitarra, el saxo tenor, el Fender Rhodes, el vibráfono…), pero es un gran productor, un arreglista excepcional y un notable compositor. Es, en definitiva, un artista muy completo, activo en muchos frentes, y no deja de sorprender con sus imparables ganas de innovar y explorar nuevos terrenos. Su discografía rara vez ha conseguido el apoyo unánime de la crítica (debido al rechazo de los puristas de su uso de sintetizadores y programación).
Nació en el seno de una familia musical, su primera influencia fue su padre, que era organista en la iglesia. Con trece años ya interpretaba el clarinete, el piano y el bajo, y empezó a componer música. Dos años después trabajaba en clubes neoyorquinos y pronto empezó a componer para Bobbi Humphrey y Lonnie Liston Smith. Fue entonces cuando empezó a ser reclamado con mucha frecuencia como músico de estudio, colaborando con Joe Sample, McCoy Tyner, Bill Withers, Elton John, Bryan Ferry, Frank Sinatra o LL Cool J.
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El primer disco de Renee Olstead fue plenamente profesional, bajo las órdenes y la producción de David Foster, titulado Renee Olstead y grabado para Warner en 2004, cuando esta cantante y actriz nacida en Texas, EEUU, contaba con sólo quince años. Se trata de una colección de varias piezas clásicas del American Songbook como Summertime, Someone to Watch Over Me, What a Difference a Day Makes y Sentimental Journey, que en la voz de la joven intérprete adquieren tonalidades y colores muy gratos y especiales. También se incluye A Love That Will Last, una hermosa balada compuesta para ella por el propio Foster.
Su siguiente álbum, Skylark (Reprise, 2009), se haría bajo los mismos parámetros. Es claro que Foster quería ir a la segura con el repertorio y de nueva cuenta recurrió al American Songbook, esta vez con otras clásicas como Lover Man (Billie Holiday), Stars Fell on Alabama (Ella Fitzgerald), My Baby Just Cares for Me (Nina Simone,) When I Fall in Love (Nat King Cole) y Hit the Road Jack (Ray Charles), aunque Renee tuvo la oportunidad de contribuir con algunas canciones, como la bellísima Hold Me Now.
Si bien el disco apareció en 2009, en realidad fue grabado entre 2005 y 2006, cuando Olstead tenía apenas diecisiete años de edad.
Olstead es más conocida por sus actuaciones en series de televisión –como Still Standing y The Secret Life– o en películas más o menos famosas –como The Insider (con Russell Crowe), End of Days (con Arnold Schwarzenegger), 13 Going on 30 (con Jennifer Garner) y Space Cowboys (de y con Clint Eastwood)– pero por su talento musical, Renee Olstead ha grabado ya tres álbumes en estudio, principalmente de jazz, además de haber colaborado en otros dos,
Disfrútenla como invitada del trompetista Chris Botti, quien la incluyó en su álbum To Love Again: The Duets, lanzado en 2005. Suena al más puro standard de jazz.
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Stefon Harris (arriba) y Robert Glasper (abajo), dos fenómenos.
El vibrafonista y compositor Stefon Harris ha sido calificado como uno de los más importantes nuevos artistas del Jazz y ha sido nominado cinco veces para un Grammy. Es ganador en seis ocasiones del premio al mejor vibrafonista otorgado por la Asociación de críticos de Jazz, y ha sido premiado con el Martin E. Seagal Award por el Lincoln Center de New York. Nacido en Albany, New York, en 1973, Stefon empezó a tocar el piano a lo seis años. Tras finalizar sus estudios como percusionista clásico en la Manhattan School of Music, Stefon se dedicó en cuerpo y alma a la música de Jazz, y en poco tiempo se ganó una sólida reputación como percusionista y vibrafonista.
Por su parte, Robert Glasper es considerado el ideólogo del hip-hop jazz y es conocido por su capacidad para combinar los sonidos más disímiles con el jazz, y otros elementos de varias escuelas de la cultura musical afroamericana Glasper ha desarrollado una dilatada carrera que le ha permitido alternar con figuras como Rusell Malone, Marc Whitfield, Roy Hargrove, Terence Blanchard y Christian McBride y se ha ganado por sus propios méritos ser comparado con grandes como Jason Moran, Brad Mehldau o Bill Charlap.
Ambos, Harris y Glasper, de la mano del productor Pete Rock, le rinden tributo al legendario vibrafonista Roy Ayers, una de las figuras históricas del hard bop. Esto es imperdible.
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Lori Williams es una vocalista y educadora de jazz, nativa de Washington, DC, donde ha desarrollado gran parte de su carrera. Se graduó de la Universidad de Hampton, donde recibió una Licenciatura en Artes. Fue Directora de Programas del Coro de Jazz de la Fundación Mejores Amigos y ha enseñado música en las Escuelas Públicas por más de 21 años. Actualmente, Lori es la Directora de Música Vocal de la Escuela Secundaria Woodrow Wilson. Tiene además una amplia experiencia en las artes escénicas.
Lori ha compartido el escenario como vocalista principal o de fondo con muchos artistas internacionalmente conocidos como Oleta Adams, Yolanda Adams, David Archuleta, Regina Belle, Eric Benet, Keter Betts, The Blackbyrds, Norman Brown, Tom Browne, Peabo Bryson , Jerry Butler, Terri Lyne Carrington, TC Carson, Gene Chandler, Stanley Clarke, Howard Curtis, Jon Davis, Will Downing, George Duke, David Dyson, James Género, Savion Glover y Slide Hampton, entre otros. También ha realizado extensas grabaciones en estudio, trabajo comercial, voz en off, presentaciones de radio y turismo en Estados Unidos, Europa y Japón y ha colaborado con muchos de estos artistas.
Ha lanzado independientemente tres CDs en el género Pacific Coast Jazz. Su CD de debut, Healing Within, fue lanzado en 2010. Este proyecto está dedicado a la memoria de su madre, Myrtle W. Williams. Lanzó su segundo CD, Eclipse of the Soul, en 2012. Su tercer CD, Behind the Smiles, fue lanzado el 7 de octubre de 2016.
Começar de Novo fue compuesta por el brasileño Ivan Lins en 1978 y es una de las canciones emblemáticas de su repertorio, y una de las más emblemáticas en el género del jazz bossa y de la Música Popular Brasileña (MPB).
En el momento en que grabó esa canción Lins era un artista prohibido por sus letras; sus canciones era realmente muy revolucionarias para ser parte de la música pop de aquellos tiempos. Comenzar de nuevo es la historia de una persona que después de un momento muy difícil –en la situación en que se encontraba Brasil en esa época, como otras partes de Latinoamérica– se levantaba después de un secuestro. Ahí es que dice: “Comenzar de nuevo y contar conmigo / va a valer la pena haber amanecido”. Es como un canto permanente al levantarse después de la desgracia, a tomar impulso, a cobrar fuerzas y seguir adelante.
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Orlando Valle, más conocido en el ambiente musical por su apodo de "Maraca", nació en La Habana, Cuba en septiembre de 1966 y tras haber estudiado música desde muy pequeño en el conservatorio Manuel Samuell debutó aún muy joven profesionalmente con la orquesta de Bobby Carcasses y luego integró el grupo del Emiliano Salvador.
En el '88 se sumó a una de las bandas más trascendentes de la historia cubana: Irakere, el mítico grupo liderado por Chucho Valdés. Durante seis años "Maraca" se desempeñó como flautista, tecladista, compositor y arreglador, tras esta fructífera experiencia emprendió su carrera solista liderando su propia agrupación a la que dio en llamar Otra Visión.
Con este grupo, Orlando Valle editó cuatro discos y previo a ellos uno como solista, cosechó siempre excelentes críticas y reconocidos premios siendo quizás la nominación a los premios Grammy del 2003 como "Mejor álbum de Salsa" por su CD Tremenda Rumba, la que lo haya catapultado a una consideración más masiva.
Maraca ha desarrollado una impresionante carrera musical con un estilo contemporáneo y lleno de modernidad en el que fusiona sus raíces en la música cubana con el jazz y los sonidos provenientes de otras culturas.
Actualmente es líder del proyecto “Maraca & Afro-Cuban Jazz Masters”, una propuesta integrada por quince músicos reconocidos de sobrado talento y nivel musical, entre los que destacan los trombonistas Brian Lynch y Steve Turré, el baterista Giovanni Hidalgo, el percusionista Horacio El Negro Hernández y la violinista japonesa Sayaka, entre otros, con quienes ha realizado presentaciones en casi todos los escenarios europeos, Estados Unidos, Canadá, África, América Latina y su Cuba natal.
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Natalie Cole falleció el ultimo día de 2015, en Los Ángeles, a los 65 años. Fue la única de los cinco hijos de Nat King Cole que se dedicó con éxito a la única. Tenía 15 años cuando su padre fallecía. Natalie logró vender más de 30 millones de álbumes a lo largo de su carrera. Su mayor éxito llegó con su álbum de 1991 Unforgettable: With Love, un homenaje a su padre con versiones reelaboradas de algunas de sus canciones más conocidas. Murió de una hipertensión arterial pulmonar idiopática, que le provocó una falla cardiaca.
Fue lanzada por Capitol Records, la compañía de su padre, en 1975 y tuvo éxitos inmediatamente, con temas como Inseparable, Sophisticated lady o I’ve got love on my mind.
Ya en los noventa, Natalie se rindió a la presión ambiental y se decidió a explotar el legado familiar. Aceptó que la sombra de su padre era demasiado gigantesca: había visto los agobios de su tío, el gran cantante y pianista Freddy Cole, cuya desesperación le llevó a titular un álbum No soy mi hermano, soy yo. En 1991, Natalie lanzó Unforgettable… with love, donde recreaba éxitos de su padre. Y no solo eso: la tecnología permitía que grabara un dueto con la voz de Nat King Cole, que las malas lenguas del negocio musical no tardaron en criticar. No obstante, la Academia premiaría a Natalie con varios premios Grammy por esta producción.
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Ganador de un Premio Grammy y miembro original del internacionalmente aclamado grupo Snarky Puppy, Bill Laurance lanzó su álbum debut Flint el año 2014. Se convirtió, rápidamente, en número uno, en las listas de jazz de iTunes, y recibió elogios de la crítica internacional. Su segundo álbum Swift fue lanzado con el sello discográfico GroundUP Músic en la primavera de 2015.
De formación clásica, Bill ha trabajado como músico profesional desde los 14 años. Ha estado de gira internacional como pianista, teclista, compositor, productor y arreglista, grabando con artistas tan importantes como: David Crosby, Morcheeba, Salif Keita, Bobby McFerrin, Susana Baca, Lalah Hathaway, Laura Mvula, Jacob Collier, Chris Potter, Lionel Loueke, Carlos Malta, entre otros.
En su tercer álbum, Laurance volvió a la música de sus raíces, con el trío original de Snarky Puppy, Michael League, Robert “Sput” Searight y el legendario percusionista de Nueva Orleans Weedie Braimah.
Su último trabajo se titula Aftersun y en él podemos encontrar danza y percusión africana, música que sale de su propio corazón, explorando nuevos géneros musicales.
El núcleo principal de la banda esta integrado por Felix Higginbottom, en la percusión; Chris Hyson, en el bajo; Joshua Blackmore, en la batería, y el propio Bill Laurance, en los teclados.
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El Trio da Paz es uno de los grupos de jazz brasileños más destacados en el mundo, y está formado por Romero Lubambo en la guitarra, Nilson Matta en el bajo y Duduka da Fonseca en la batería y percusión. Formados en 1986, han grabado tres discos, Orfeo Negro en Kokopelli Records, Partido Out en Malandro Records y el primero, Brasil From the Inside, con Herbie Mann y Joanne Brackeen.
Su líder, Romero Lubambo, es hoy en día uno de los músicos más requeridos por su gran dominio de la guitarra en diferentes estilos, profundo conocimiento y creatividad armónica, unido a una técnica personal depurada, que ha llevado a los críticos a calificarle como uno de los mejores músicos en su instrumento en actividad hoy en el mundo. Ha tocado con muchas de las primeras figuras del jazz y la música brasileña como Michel Brecker, Leny Andrade, Paquito D’Rivera, Rafael Rabello, Astrud Gilberto, Herbie Mann, Naná Vasconcelos, Airto Moreira, Flora Prim, Gato Barbieri, Michel Petrucciani, Luciana Souza, Sadao Watanabe o Steve Turre.
El vibrafonista invitado, el californiano Joe Locke, es además compositor y educador, que ha hecho estudios en percusión clásica y composición en la Eastman School of Music con John Beck, Gordon Stout, Ted Moore y David Mancini. Como músico de jazz, Locke fue precoz, al haber tocado con figuras como Dizzy Gillespie, Pepper Adams y Mongo Santamaría antes de que incluso fuera a la escuela secundaria. Desde que se mudó a Nueva York en 1981, Joe se ha presentado con Grover Washington, Jr., Kenny Barron, Dianne Reeves, Eddie Daniels, Jerry Gonzales, Bob Berg , Ron Carter, Scott Jimmie, Geoffrey Keezer, The Mingus Big Band y Randy Brecker, entre muchos otros.
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I've Got You Under My Skin fue escrita por Cole Porter en 1936 y es ahora uno de los estándares de jazz por excelencia. Como muchas otras canciones de la época, que siguen siendo populares hasta nuestros días, fue escrita para una película. Fue introducido en el musical de MGM Born to Dance y protagonizado por la actriz Virginia Bruce.
Sin embargo, la versión más conocida es la de Frank Sinatra, quien la cantó por primera vez en sus programas semanales de radio, durante el auge de su popularidad en 1946, y también en un medley con Easy to Love, otra de las composiciones de Porter.
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El trompetista, compositor, arreglista y director de banda John Daversa ha recibido tres nominaciones al Grammy por su cuarto álbum de estudio, Kaleidoscope Eyes: The Music of The Beatles, que fue lanzado en BFM Jazz.
El álbum, que grabó con The Daversa Progressive Big Band, ha sido nominado en la categoría de Mejor Conjunto de Jazz Grande, así como Mejor Arreglo, Instrumental o a Capella por la canción Lucy en el Cielo con Diamantes y Mejor Arreglo, Instrumental y Vocal por ¿Quieres conocer un secreto?, que cuenta con la participación de la vocalista Renee Olstead.
Kaleidoscope Eyes explora el vasto catálogo de Los Beatles a través de los arreglos imaginarios de Daversa. Destaca un reparto de 60 músicos de big band a coro de jazz y cuerdas.
Daversa es actualmente presidente del Departamento de Música de Estudio y Jazz de la Escuela de Música Frost de la Universidad de Miami, Florida, donde también dirige la Banda de Jazz de Conciertos Frost. El realizará un homenaje al trompetista Dizzy Gillespie en el próximo Festival Miami el 26 de enero en la sala de conciertos Maurice Gusman de la Universidad de Miami.
Escuchen la versión en jazz big band que Daversa realiza de I Saw Her Standing There (La vi parada allí), de Los Beatles, con la intervención del rapero, cantante, productor, compositor, saxofonista y flautista Katisse Buckingham. Imperdible.
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El cantante Tony Bennett arribó a sus 90 años en 2016. El acontecimiento se celebró con el lanzamiento el 16 de diciembre de Tony Bennett Celebrates 90: The Deluxe Edition en Registros de RPM / Columbia Records, disponible en todo el mundo. El conjunto de 3 CD’s fue el complemento del especial Tony Bennett celebra 90: Lo mejor está por venir, que salió al aire en NBC el 20 de diciembre.
El especial fue filmado frente a una audiencia en vivo en Radio City Music Hall en Nueva York el 15 de septiembre y cuenta con actuaciones de artistas como Lady Gaga, Andrea Boccelli, Kevin Spacey y muchos otros. Además, las actuaciones de Billy Joel y Elton John fueron grabadas en lugares alternos y aparecieron en la emisión, así como en el CD.
Bennett colaboró con el periodista Scott Simon para agradecer a las personas que ayudaron e influyeron en su carrera, tales como sus padres, Frank Sinatra, Duke Ellington y otros, y la ciudad de San Francisco, su favorita.
Just Getting Started también incluye más de 80 imágenes en color de las ilustraciones originales de Bennett y fue lanzado por HarperCollins. Si lo pueden conseguir, no desaprovechen la oportunidad de guardar esta valiosa colección.
Disfruten este performance al lado de Lady Gaga.
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Christian Mc Bride ya es catalogado como el sucesor de Ron Carter en el don de la omnipresencia. Ya ha pasado de largo las trescientas colaboraciones como sideman en una discografía que incluye lo mejor de lo mejor del jazz de todos los tiempos, en grabaciones al lado de Freddie Hubbard, Sonny Rollins, McCoy Tyner, Hank Jones, Pat Metheny, Chick Corea, Herbie Hancock, Michael Brecker y un larguísimo etcétera. Sus cotizadísimos servicios no se limitan, sin embargo, a la órbita del jazz.
McBride dirige actualmente cinco grupos: "Inside Straight", que presenta al saxo alto/soprano Steve Wilson, al vibrafonista Warren Wolf, al pianista Peter Martin y al baterista Carl Allen; un trío que presenta al pianista Christian Sands y al batería Jerome Jennings; su Big Band de 18 miembros; un grupo experimental llamado "A Christian McBride Situation" con la pianista Patrice Rushen, los productores DJ Logic y Jahi Sundance, el saxofonista Ron Blake y la vocalista Alyson Williams y el "New Jawn", presentando al trompetista Josh Evans, el saxofonista Marcus Strickland y el batería Nasheet Waits.
En marzo de 2016, McBride fue nombrado director artístico del Newport Jazz Festival, sucediendo al fundador del festival y director artístico, George Wein.
En su tercera visita a los estudios de KPLU, el reciente álbum de trío de Christian McBride Live at the Village Vanguard acababa de ganar un Grammy por la Mejor Improvisación en solo de jazz.
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La música del pianista cubano Alfredo Rodríguez trasciende los ritmos y melodias, mas que son cubano, salsa o latin jazz sus conceptos fluyen hacia la música universal. Desde su debut Sounds of Space en el 2011, Rodríguez se había desmarcado como un genio musical, su continuación en el 2014, The Invasion Parade, no hizo sino reivindicar su capacidad y agudeza.
Alfredo Rodríguez es natural de La Habana, Cuba, (7 de octubre de 1985) y proviene de una familia de músicos. Su padre, Alfredo Rodríguez (más conocido como Alfredito), ha sido durante décadas un popular cantante, presentador de televisión y actor cubano.
Según el propio músico, con 15 años se adentró en el mundo del jazz y la improvisación cuando su tío le dio El Köln Concert de Keith Jarrett. “Hasta entonces había sido todo Bach, Mozart y Beethoven. Yo no sabía nada acerca de la improvisación. The Köln Concert cambió mi vida”.
Su proyección internacional comenzó a partir del año 2006 cuando fue seleccionado entre doce músicos para tocar en el Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Allí tuvo la ocasión de conocer al maestro y productor musical Quincy Jones quien posteriormente se convirtió en su mentor y tras su llegada a los Estados Unidos, en 2009, ha emprendido una imparable carrera musical de éxito.
No pierdan de vista a este pianista. Tiene mucho por hacer en el jazz.
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"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".
La compuerta de la vida
"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".
El jazz es como la arquitectura: podemos fluir con él en la más absoluta libertad y aprovechar sus formas para improvisar y hacer abstracción. Te invitamos a unirte a ‘Viaje al Fondo del Jazz’, donde podrás ser parte de una gran comunidad de cultores y amigos de este género musical. Bienvenido/a.
Este site es para tí, Hugo Santaromita
"La música es imprescindible para la felicidad, sin ella la oscuridad se apodera de nuestros sentimientos y nos desvanecemos en el olvido".
Colaboradores de VFJazz
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