En abril se marchó Naná Vasconcelos

Juvenal de Holanda "Naná" Vasconcelos se marchó en abril, dejándonos un legado de creación en la percusión de la música brasileña, el jazz y el World Music. El brasileño fue un especialista en el birimbao. Además de contar con más de 25 álbumes como solista, fue notable por sus colaboraciones con artistas de fusión como Pat Metheny, Don Cherry, Egberto Gismonti, Gato Barbieri Jan Garbarek, Jean-Luc Ponty, John Zorn, Ralph Towner y Milton Nascimento, entre muchos otros.

Desde María Bethânia, Joyce o Marisa Monte hasta Caetano Veloso y Gilberto Gil contaron con él en Brasil. Junto a Gil, fue director artístico de las primeras ediciones del Percpan (Panorama Percussivo Mundial), festival ideado en Bahía por la antropóloga Beth Cayres. También dirigió en la ciudad colonial de Olinda el proyecto ABC das Artes ‘‘Flor do Mangue’’ con niños que están en la calle, como una forma de incentivar la educación y la cultura. Lo financiaba con dinero ganado en sus conciertos por Europa.

En la mañana del miércoles 9 de marzo de 2016, falleció en un hospital de Recife a los 71 años de edad. Estaba internado desde hacía diez días a consecuencia de un cáncer de pulmón que le diagnosticaron en septiembre de 2015. Un mes antes de su muerte había participado por decimotercera vez en la apertura del carnaval de Recife, dirigiendo el tradicional maracatu pernambucano al frente de 400 percusionistas.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.

Summer Samba / So Nice: un jazz bossa inmortal

Summer Samba (también conocido como So Nice, y en su título original en portugués, Samba de Verão) es un bossa nova de 1964 escrito por el compositor y cantante brasileño Marcos Valle, con letra en inglés de Norman Gimbel. Las letras portuguesas originales vinieron de Paulo Sérgio Valle, hermano del compositor.

La canción fue popularizada por primera vez por el trío de Walter Wanderley en 1966, en Rain Forest, un álbum que obtuvo disco de platino en 1970. También alcanzó popularidad en EE.UU. en la categoría de Easy Listening, dentro de Billboard, en versiones de Johnny Mathis, Vikki Carr y Connie Francis durante ese mismo año. De hecho, al menos una fuente afirma que tres versiones diferentes estaban en las listas de Billboard al mismo tiempo, en 1966.

La versión de Wanderley fue la más vendida en los Estados Unidos, alcanzando el puesto #26 en el Billboard Hot 100 en 1966, (#3 en Easy Listening), y sigue siendo uno de los favoritos en las estaciones de radio de adultos.

La versión de Diana Krall aparece en el álbum Quiet Nights (2008), catalogado por la pianista como “la mejor experiencia grabando que he tenido hasta ahora”. Según contó la cantante, las canciones compuestas estuvieron inspiradas en un viaje a Brasil realizado en 2007.

Para este álbum, Krall se hizo acompañar por sus músicos habituales: el percusionista Paulinho Da Costa, el guitarrista Anthony Wilson, John Clayton al bajo y Jeff Hamilton a la batería, quienes junto a su productor, Tommy LiPuma, integraron el proceso de grabación de QN, además de contar con el inestimable aporte del arreglista Claus Ogerman. El disco está editado por el sello Verve.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.

Neil Cowley: la llegada del post-jazz

Es de los nuevos y es extraordinario. El británico Neil Cowley, antiguo miembro de los Brand New Heavies y Gabrielle, investigó los caminos del soul-funk y el chill out hasta engendrar un trio de piano que puede emocionar profundamente tanto a los fans de Radiohead como a los amantes de los trios clásicos.

Galardonado en los BBC Awards y magnificado por revistas como Mojo, el post-jazz de este pianista londinense es ya una de las más sólidas apuestas de futuro de Gran Bretaña. Neil Cowley, en el piano, lidera su trío que completan Rex Horan, en el contrabajo, y Evan Jenkins, en la batería. Para su reciente trabajo The face of Mount Molehill, Cowley profundiza su estilo característico.

Tras la desaparición del sueco EST, el Esbjörn Svensson Trio (su más cercano referente estético) y el desvanecimiento del de Yaron Herman, el nuevo trío de Neil Cowley representa en Europa una tendencia de jazz contemporáneo a lecturas, temáticas o estéticas pop que concilia melodías de fácil digestión con una sólida y resuelta construcción rítmica en el género del jazz. Nos dirán luego que hemos tenido la razón.

 


Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.

Un genio del jazz bossa llamado Marcos Valle

 

El pianista brasileño Marcos Valle estudió de niño música clásica aunque su atención se dirigió hacia diversos géneros musicales, especialmente hacia el jazz. Empezó a escribir canciones con su hermano Paulo Sérgio a comienzos de los años sesenta. Su primer gran éxito fue Sonho de Maria: Valle fue aclamado como el mejor compositor brasileño del año a los 19 años.

Inmediatamente, consiguió un contrato para grabar y en 1964 realizó su primer álbum, Samba Demais, para EMI de Brasil. Una gira con Sergio Mendes & Brasil, en 1965, le proporcionó sus primeras conexiones en América del Norte. En 1966, Walter Wanderley colocó la canción Samba de Verão, también conocida como So nice o Summer Samba. Este bossa nova llegó a ser una de las canciones más populares del planeta con más de 180 versiones a nivel mundial, cantidad de apariciones en programas de televisión, películas y comerciales publicitarios.

Valle consiguió pronto su propio contrato en Norteamérica y en 1967 la Warner Brothers realizó el disco de instrumentales Braziliance!.

Un año después, su debut en Verve, Samba '68 se convirtió en un clásico brasileño gracias a sencillas pero contagiosas canciones como Batucada, Chup, Chup, I Got Away y Crickets Sing for Anamaria, en las que las armonías vocales estaban realizadas por su mujer Anamaria. Algunas canciones de esta etapa se convirtieron en estándars y han sido grabadas desde entonces por numerosos artistas como Caetano Veloso, Diana Krall, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan y Stacey Kent, entre otros.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.

Jack DeJohnette sorprende tocando el piano en "Return"

Jack DeJohnette: ícono viviente del jazz

 

Leyenda viva del jazz, el baterista Jack DeJohnette, habitual colaborador de Keith Jarrett, lanza en abril su álbum Return, y el formato con el que se presenta, el piano solo, muestra una faceta interpretativa menos conocida para el público.

Se dice que la experiencia es un grado, un valor asociado a la veteranía. A Jack DeJohnette le asisten cinco décadas de ejercicio jazzístico, pero sus números de almanaque no valdrían de nada si no estuvieran ligados al concurso activo del ejercicio artístico y creativo, siendo uno de los protagonistas cardinales de la historia moderna del género.

Ya desde los años 70, este hombre ha bebido del jazz en casi todas su formas, porque desde entonces se había imbuido en centenas de momentos históricos. Titular indiscutible en el trío de Keith Jarrett, hombre de confianza de leyendas como Miles Davis, Monk, Coltrane, Sonny Rollins, Herbie Hancock o Wayne Shorter, DeJohnette liberará todo su talento frente al piano, cuyo capacidad ya ha plasmado en discos como Piano album o Music we are, un instrumento, por otra parte, con el que empezó a estudiar música a los 4 años.

Nacido en Chicago el 9 de agosto de 1942, DeJohnette se da a conocer como miembro de la banda de Charles Lloyd, un grupo que incluye al pianista Keith Jarrett. Después de grabar dos discos con Jackie McLean, con Herbie Hancock, con Joe Henderson, y con Bill Evans, en 1968, se integra en la banda de Miles Davis (1969 a 1972). Durante su época con Davis, también graba discos con Wayne Shorter, con Chick Corea, con Lee Konitz, con Miroslav Vitous, con Freddie Hubbard, entre muchos otros. Al dejar la banda de Davis, graba con artistas de la talla de Sonny Rollins, Stanley Turrentine, Keith Jarrett, Cannonball Adderley y McCoy Tyner.

Disfruten el video promocional de su álbum Return y otro junto con el guitarrista Pat Metheny, el bajista Dave Holland y el tecladista Herbnie Hancock interpretando Indigo Dreamscapes.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com por la aplicación TuneIn Radio.

Recordando el sonido sofisticado de Gerry Mulligan

Mulligan: toda una leyenda del jazz.

Gerry Mulligan es, sin duda, el saxofonista barítono más importante y famoso de toda la historia del jazz. Pionero, compositor, arreglista, director de big-bands, e influyente instrumentista. Tocó con desde Billie Holiday y Charlie Parker, hasta John Scofield y músicos de hoy. Sus grabaciones con Paul Desmond y Ben Webster, entre muchos otros, son hoy célebres.

Mulligan trajo un sonido bastante revolucionario a un instrumento hasta su llegada bastante pedestre, tocando con la velocidad y la destreza de un saxo alto. Fue también pianista y compositor: son suyos temas como Walkin' Shoes, Line for Lyons, Bark for Barksdale, Nights at the Turntable, Utter Chaos, Soft Shoe, Bernie's Tune, Blueport, Song for Strayhorn, Song for an Unfinished Woman y I Never Was a Young Man.

Tras marchar a Los Ángeles, escribió varios arreglos para Stan Kenton (Youngblood, Swing House y Walking Shoes, entre otros), trabajó en Lighthouse y consiguió un trabajo regular los lunes por la noche en Haig (los dos, clubes musicales de la ciudad). Por esa época, comenzó a tocar en el grupo de Chet Baker, en el que se prescindía del piano. El grupo alcanzó una gran popularidad y, hacia 1952, había convertido a Baker y Mulligan en dos estrellas del jazz.

Gracias a su versatilidad estilística, Mulligan pudo tocar con todos los músicos a los que admiraba: Harry Carney, la orquesta de Duke Ellington, Thelonious Monk, Paul Desmond, Stan Getz, Ben Webster y Johnny Hodges. Mulligan tocaría también en el clásico televisivo Sound of Jazz, un especial musical de 1958 y aparecería también en películas como I Want to Live and The Subterraneans.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.

Enmudeció el saxo rebelde del Gato Barbieri

Barbieri: se marchó una leyenda del jazz rebelde.

 El mundo del jazz está de luto con la noticia del fallecimiento, a los 83 años, del saxofonista argentino Leandro "Gato" Barbieri, en Nueva York, a causa de una neumonía. ocurrida eñ pasado 2 de marzo. El músico, uno de los máximos exponentes argentinos del género, grabó 35 álbumes entre 1967 y 1982 y ganó un Premio Grammy en 1973 por la música que compuso para la película Last Tango in Paris. 

Barbieri emergió en el movimiento del free jazz en los 60. A mediados de los 70, grabó para el sello A&M Records y viró hacia el soul-jazz y el jazz-pop con discos como Caliente! de 1976 (que incluyó su canción más conocida, Europa con Carlos Santana) y su sucesor, Ruby Ruby, ambos coproducidos por Herb Alpert. 

Llama la atención cómo quien tuvo el mundo a sus pies pudo terminar sumido en el más impenetrable de los olvidos: “Será porque he hecho todo lo posible por complicarme la vida”, manifestaba Barbieri hace unos años, “y lo he conseguido”. Por algún motivo, la crítica sigue empeñándose en incluirle entre los pioneros del latin jazz: “Yo no tengo nada que ver con eso”, insistía el interesado. “Tanto que los músicos de jazz no me consideran un músico de jazz y los músicos latinos no me consideran un músico latino”. 

Barbieri se ubicó siempre en una línea latinoamericanista, protestataria, que se riñò siempre con los focos, la fama y el mercado convencional. 

Se le acreditó haber creado un estilo musical rebelde pero accesible cuando recibió el premio por trayectoria musical en los Grammy Latinos en 2015. Situado en la cumbre de la popularidad, Barbieri posa desnudo para Alicia D'Amico. Su sonido exasperado le ha convertido en el sucesor al trono de John Coltrane: “Cuando toco el saxo toco la furia, la confusión…”. 

Sus discos -proclamaba- se vendían como churros: The Third World, Chapter One: Latin America (1973), Chapter Two: hasta siempre (1973), Chapter Three: viva Emiliano Zapata (1974), Chapter Four: Alive in New York (1975) … Con Caliente (1976) quedan en evidencia los cambios operados en el saxofonista que, ahora, se esconde bajo el paraguas de su nuevo productor, Herb Albert: “Gato Barbieri irrumpió en el mundo del jazz como una bengala”, escribía José Ramón Rubio en EL PAÍS. “Entonces la bengala llegó a lo alto, estalló y se convirtió en lo que se convierten las bengalas: en nada”. Barbieri siguió presentándose en años recientes en el club de jazz Blue Note de Nueva York.

Escucha nuestra radio web por http://vfsuperjazzradio.playtheradio.com o por la aplicación TuneIn Radio.