Anna Maria Jopek: la voz del jazz en Europa Oriental

Anna Maria Jopek es ahora una cantautora muy conocida, y está considerada como una de las mejores voces del jazz en Europa, siendo una de las artistas más influyentes en el jazz a nivel mundial. Pianista de formación clásica, graduada por la Academia Chopin de Varsovia, la cantante polaca Anna Maria Jopek es uno de los artistas más interesantes del jazz-pop europeo. Posee una bella voz y un estilo que combina en sutil armonía el jazz, el folclore de Polonia y la música pop.

Su primer disco editado fuera de Polonia fue Barefoot (2002), una reedición del álbum Bossa del año 2000. En 2002 sale a la venta Upojenie, un disco realizado en colaboración con el guitarrista estadounidense de renombre internacional Pat Metheny. Luego, en 2005 vino Secret su primer trabajo discográfico plenamente en inglés. Este álbum de influencia jazz-bossa, incluye canciones de sus anteriores discos traducidas al inglés y covers de temas reconocidos a nivel internacional. Su primer single es Don't Speak cover de la banda californiana No Doubt.

En sus producciones discográficas, Jopek experimenta con estilos diferentes, pero el jazz con su particular interpretación hace que se convierta en una de las grandes intérpretes del género en Europa Oriental.

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John Pizzarelli rinde tributo a McCartney

 

El guitarrista y cantante John Pizzarelli, además de protagonizar una exitosa carrera como "frontman" ha sido artista invitado en grabaciones de James Taylor, Natalie Cole, Tom Wopat o Rickie Lee Jones, entre otros.

'Midnight McCartney' surge del disco de Paul McCartney Kisses on the Bottom, Premio Grammy 2012 al Mejor Álbum de Pop Vocal-Tradicional y en el que la guitarra de Pizzarelli sonaba en diez de catorce canciones. Tras acompañarle en varias actuaciones, Pizzarelli recibió del ex Beatle la propuesta de grabar algunos de sus temas menos conocidos en versión jazz, lo que dio como resultado este Midnight McCartney.

John Pizzarelli el mundialmente famoso guitarrista de jazz y cantante ha sido calificado como “locamente creativo” por Los Angeles Times y “un genio increíble de la guitarra” por The Toronto Star.

Después de su éxito al lado de The Boston Pops, fue aclamado por el Boston Globe por "revitalizar el gran cancionero americano y repopularizar el jazz”. El diario “Seattle Times” lo calificó de "tour de force". Poco antes de un concierto en el noroeste de Estados Unidos, un periódico local escribió “John Pizzarelli es tan ‘cool’ que no debería permitírsele la entrada legal a Oregon”.

Tomando el ejemplo de artistas como Nat "King" Cole, Frank Sinatra y Joao Gilberto y las canciones de compositores como Richard Rodgers, George Gershwin, James Taylor, Antonio Carlos Jobim y Lennon y McCartney, John Pizzarelli se ha establecido como uno de los intérpretes principales del gran cancionero americano.

Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto. Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt.

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Un revisionista llamado Robert Glasper

Robert Glasper es inagotable. En su disco titulado Covered, editado en 2015 (Columbia/Legacy) vuelve a introducirse sin temor alguno en un jazz revisionista como, por ejemplo, Reckoner, de Tom York, el de Radiohead, Barangrill, de la legendaria Joni Mitchell o Stella By Starlight, de una factura complicada. En el álbum tiene un tema propio titulado I Don’t Evenv Care, de altísima calidad. 

El tema del video se llama So Beautiful, dev Lee Huston, con mucho soul actual, pero en esa línea también se incluyen The Worst, de Jhené Aiko, y Good Monring, de puso en el estrellato a John Legend.

Grabado en directo y con público en los estudios Capitol en diciembre de 2014 -su título completo es Covered (The Robert Glasper Trio Recorded Live At Capitol Studios)-, el álbum cuenta únicamente con los teclados de Robert Glasper, el bajo de Vicente Archer y la batería de Damion Reid.

El único tema vocal lo interpreta Harry Belafonte que participa en Got Over, recitando con su magnífica y cruda voz esta composición extraordinaria. Al final aparece el hip hop con I’m Dying of Thirts, con una mezcla de vocalización por parte de Kendrick Lamar y voces infantiles que hacen alusión al futuro que se avecina.

Glasper obtuvo en 2015 un Grammy por su versión de Jesus Children, de Stevie Wonder -junto a Lalah Hathaway y Malcolm-Jamal Warner-, incluida en Black Radio 2. También ha compuesto recientemente la banda sonora de Miles Ahead, la destacada película sobre Miles Davis ya estrenada.

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Una yunta de calidad: Ron Carter y Vitoria Maldonado

Night and Day es la composición de Cole Porter preferida de la brasileña Vitoria Maldonado. Acompañada por la leyenda del jazz, el contrabajista Ron Carter, cuenta también con el solo de flugelhorn de Randy Brecker y  el arreglo de Rusia Duprat. La canción pertenece al álbum de Vitoria titulado BRASIL L.I.K.E. También la acompañan la pianista canadiense Renee Rosnes, el baterista Payton Crossley y el percusionista Rolando Morales-Matos.

Canciones como All of Me, How High the Moon o I Only Have Eyes for You han sido interpretadas tantas veces que se entiende si no quieren escuchar nuevas versiones. Estos arreglos no necesariamente traen algo nuevo, pero las interpretaciones de Maldonado pueden ser llegar a ser favoritas en poco tiempo.

Ella exhibe una entrega tranquila que acentúa el calor natural de su voz; De alguna manera hace que todo suene fácil. Carter, aquí y en todas partes, rara vez sobresale. Está contento con empujar suavemente en el ritmo justo y permitir a los demás a sacar la crema en cada composición, pero se luce en el tema de cierre del álbum titulado Saudade.

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Bria Skonberg: un talento que sorprende

Bria Skonberg es una de las grandes relevaciones del jazz. No solamente sorprende por sus cualidades vocales sino por su habilidad con la trompeta. Nacida en Canadá pero neoyorkina por adopción, Skonberg cultiva un estilo de jazz muy cálido y clásico. Tiene un gran talento vocal y como trompetista se ha granjeado la aprobación de varias publicaciones especializadas.

Su CD de debut se titula simplemente Bria, que incluye temas conocidos como Midnight Sun, From This Moment On o Don’t Be That Way, pero sorprende con otro tema nada conocido como I Was a Little Too Lonely y el que van a escuchar Qué Será Será.

En el sexteto la acompaña el pianista Aaron Diehl. El disco salió a la venta desde el 23 de septiembre y posee una calidad extraordinaria. Recomendado.

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Albare: un sonido puro y cristalino

Muchas veces el jazz nos depara sorpresas y ésta es una de ellas. Nos encontramos a Albare, un extraordinario guitarrista, con 20 años de exitosa carrera, nacido en Marruecos y residenciado en Australia, que exhibe un sonido excepcional.

Albare lanzó recientemente un nuevo álbum titulado Dreamland, donde se puede apreciar su guitarra integrada a un paisaje de orquestación de cuerdas que rememora los días dorados de las películas de Hollywood.

En marzo de 2016, abrió su propio local de jazz en Melbourne, la ciudad donde reside. Planea un tour por los Estados Unidos el próximo año con su agrupación Urban Grooves, con la cual continúa haciendo música de calidad para su propio sello discográfico Alfi Records.

Les invitamos a escuchar este maravilloso sonido.

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El inagotable Chick Corea junto a McBride, Garrett y Haynes

Si la carrera de Chick Corea es imposible de resumir, todavía es más difícil de resumir la de los últimos años, en el que el creador de Spain va enlazando un proyecto tras otro sin solución de continuidad y, sobre todo, sin dar ninguna muestra de agotamiento creativo, todo lo contrario. Esta vez vamos a apreciarlo junto al contrabajista Christian McBride, el saxofonista Kenny Garrett y el veterano baterista Roy Haynes. Un cuarteto de antología, imperdible y para la memoria de los buenos cultores del jazz. Final espectacular con el solo de batería de Haynes. El tema se llama Steps. No dejen de verlo.

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BossaCucaNova: alma brasileña

Juntos por más de 15 años, BossaCucaNova es un grupo que combina los sonidos brasileños de bossa nova y expertamente los combina con la electrónica. El grupo fue co-fundada por Márcio Menescal, hijo del pionero del bossa Roberto Menescal, junto con DJ Marcelinho Dalua y productor / ingeniero de sonido Alex Moreira. Durante los últimos años ha consistido en una serie de músicos de base con la participación de invitados. la banda fue nominada al Grammy Latino como Mejor Álbum Pop Contemporáneo Brasileño en 2002.

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Chris Botti y Katharine McPhee: Te llevo bajo mi piel

Esta vez el trompetista Chris Botti invita al escenario a la deliciosa cantante Katharine McPhee, para interpretar el célebre tema I've got you under my skin, del prolífico compositor y pianista Cole Porter, de quien, hoy 15 de octubre, se cumple otro año de su fallecimiento ocurrido en 1964.

Ésta es su letra:

I've got you under my skin

I've got you deep in the heart of me

So deep in my heart

That you're really a part of me.

I've got you under my skin

I'd tried so not to give in

I said to myself:

This affair never will go so well.

But why should I try to resist

When, baby, I know so well

I've got you under my skin?

I'd sacrifice anything

Come what might

For the sake of havin' you near

In spite of a warnin' voice

That comes in the night

And repeats, repeats in my ear.

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El poder y la técnica de Marcus Miller

 

Nacido en Nueva York, en 1959, el bajista Marcus Miller se educó en el seno de una gran familia musical, dado que su padre era organista en la iglesia y director del coro, circunstancia que le influyó mucho desde muy temprana edad, mostrando una precoz afinidad por todo tipo de músicas. Con 13 años tocaba con habilidad el clarinete, el piano y el bajo, y daba sus primeros pasos en la composición de música. Se inclinó por el bajo eléctrico y a los 15 años ya trabajaba de manera regular por los club de Nueva York en varios grupos.

Marcus Miller siempre será venerado por haber escrito y coproducido el mítico disco Tutu de Miles Davis, publicado en 1986. Entonces, Miller era un joven de 25 años con una inmensa proyección. Bajista, multinstrumentista y muy atento a las nuevas corrientes musicales, el de Brooklyn contribuyó notablemente a la carrera de Miles con sus ideas, pero su talento no se detuvo ahí. A lo largo de su trayectoria, Miller ha colaborado con Eric Clapton, Roberta Flack, Aretha Franklin, George Benson, Jay Z, Quincy Jones, Herbie Hancock... y ha ido alimentando su abundante discografía en solitario. Afrodeezia (2015, Blue Note), un trabajo que combina el jazz con sonoridades africanas, es su incursión más reciente en el estudio de grabación.

El ambiente neoyorkino le ha ayudado mucho en su carrera. Después de muchos años de trabajar como productor y músico de sesión, Miller publicó en 1993, su primer álbum a su nombre titulado: The Sun Don’t Lie con una regular acogida. Sin embargo al año siguiente se resarciría publicando Tales, un paisaje colorista de la evolución de la música negra. En 1997 publicó para GRP el directo Live And More un concierto extraordinario y en la entrada del tercer milenio, sacó a la luz su álbum M2. (JVC Japan, 2001).

Actualmente  trabaja en la organización Artist For Peace y en el Slave Route Project (ambas dentro de la Unesco), que tiene el objetivo de “recordar a los niños lo que fue la esclavitud, y lo que es hoy”.

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La voz inagotable de Dianne Reeves

 

La dilatada carrera de Dianne Reeves la confirma como una de las voces más representativas de la escena del jazz. Reeves es la sucesora de las grandes divas del jazz vocal femenino como Sarah Vaughan, Dinah Washington o Carmen McRae. Sus discos son, para muchos, lo mejor que ha acontecido en el jazz vocal en las últimas décadas, sobre todo los álbumes I Remember, The Grand Encounter, The Calling: Celebrating Sarah Vaughan y A Little Moonlight.

Es la vocalista de jazz por excelencia en el mundo de hoy. En su canto confluyen un mundo de influencias. Entre los logros de su carrera destaca su aparición en la cinta nominada al Oscar Good Night, and Good Luck. La banda sonora de la película de George Clooney, que narra la confrontación de Edward R. Murrow con el senador Joseph McCarthy le ofreció a Reeves la oportunidad de ganar su cuarto Grammy como mejor vocalista de jazz.

Reeves ha grabado y actuado extensamente con Wynton Marsalis y la Lincoln Center Jazz Orchestra. También ha colaborado con la Orquesta Sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Barenboim y fue solista con Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín. Además, tiene el mérito de haber sido la primera Presidenta Creativa de Jazz de la Filarmónica de Los Angeles y la primera cantante en actuar en el Walt Disney Concert Hall.

Sigue en la actualidad grabando discos para el sello Blue Note y está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.

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Un niño prodigio llamado Joey Alexander

Joey Alexander, de apenas 13 años, es un niño prodigio descubierto en Yakarta, Indonesia, hace unos cuatro años, y hace tres se mudó a Nueva York junto con sus padres, con la ayuda de luminarias del jazz como el trompetista Wynton Marsalis, que lo llamó “mi héroe” en Facebook y con quien ahora comparte muchas actuaciones.

Alexander comenzó a tocar piano en pequeños locales de su Bali natal a los seis años. Para cuando cumplió los ocho, ya había debutado en Yakarta. A su corta edad ha logrado presentarse en el prestigioso complejo Lincoln Center, que dirige Marsalis.

"El talento me viene de Dios", dice, casi convencido de que es algo sobre natural, pues su habilidad con el piano es algo que no ha aprendido de ningún maestro. Al joven pianista su familia lo considera "autodidacta" y un "niño prodigio", pues desde los seis años cuando su padre, también aficionado a la música, le regaló un pequeño teclado y le mostró el sonido, no ha dejado de tocarlo. 

Él mismo expresa que "no le supone ningún esfuerzo”. Hoy ya es un músico reconocido a nivel mundial. Su madre dice que "lo ha dejado todo" por seguirlo y poder mostrar su talento por el mundo.

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El sorprendente groove jazz de Jacob Collier

Jacob Collier es un joven multiistrumentista inglés, de 22 años. autodidacta, cantante, compositor, arreglista y actor cuyas asombrosas armonías vocales han fascinado a los usuarios de las redes sociales y ya comienza a ser conocido en todo el mundo, a pesar de que apenas ha empezado recientemente sus estudios formales en la más prestigiosa institución de música de su país: la Royal Academy of Music.

Nacido en 1994, hijo de una violinista, Jacob Collier combina en su música distintos elementos del jazz, el folk, la música a capella, el groove, el trip-hop, el soul, la improvisación, y no excluye la ópera, Bach y el gospel, según se lee en su biografía.

Su estilo ecléctico sugiere influencias de variados músicos como Neri Per Caso, Stevie Wonder, Michael Jackson, Hernie Hancock o Quincy Jones, por citar algunos. No hay que perderlo de vista. Es sorprendente. 

El siguiente video es una versión del tema PYT, de Michael Jackson, escrito por Quincy Jones y James Ingram, con arreglos, producción, filmación, edición y vocalización de Collier. Disfrútenlo. 

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Jane Monheit y Nicholas Payton reviven a Ella Fitzgerald

Jane Monheit rinde homenaje a una de las grandes damas del jazz con The Songbook Sessions: Ella Fitzgerald, proyecto dirigido arreglado y producido por Nicholas Payton. El debut discográfico de Jane Monheit se produjo con el álbum Never Never Land (2000), en el que se hizo acompañar de figuras como el pianista Kenny Barron, el baterista, Lewis Nash, el bajista, Ron Carter, el saxofonista alto, Hank Crawford y el guitarrista, Bucky Pizzarelli. Ese inicio fue saludado por la crítica internacional como la irrupción de una voz capaz de alcanzar las más altas cimas del canto jazzistico.

El trompetista Nicholas Payton, por su parte, empezó como la propia historia del jazz: desfilando por las calles de Nueva Orleans con una marching band. Fue presentado a Wynton Marsalis, quien le aconsejó musical y profesionalmente y le propuso para varios trabajos junto a Elvin Jones y Marcus Roberts.  Estudió con Ellis Marsalis y a partir de 1990 empezó a trabajar regularmente junto al gran maestro Clark Terry y durante dos años formó parte de la Lincoln Center Orchestra, interpretando a los clásicos.

Desde entonces, Payton se ha convertido en un trompetista de técnica brillante que cuenta con un innato sentido del blues, lo que le permite forjar un original universo expresivo. y convertirse en un referente actual del jazz.

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Jorge Pardo, Josemi Carmona y Bandolero: jazz flamenco de lujo

Tres grandes del jazz flamenco

 

Jorge Pardo es una de las figuras del jazz español con mayor proyección internacional. Ha conseguido un nuevo lenguaje mestizo entre el jazz de raíz y el flamenco. Su estilo con la flauta travesera y el saxo se ha convertido en modelo referencial.

En 2013 recibe el premio al mejor músico de jazz europeo. En 2014 sorprende al público con un nuevo trabajo Historias de Radha y Krishna, en el cual el músico juega con sonoridades que provienen del groove y la música urbana, del flamenco o del jazz. En 2015, recibe el Premio Nacional de Músicas Actuales que concede el Ministerio de Educación y Cultura de España.

El guitarrista Josemi Carmona es uno de los líderes indiscutibles del denominado “Nuevo Flamenco”, con el grupo Ketama, junto a sus hermanos Juan y Antonio, donde grabó 11 discos originales y 3 recopilatorios, y paseó su música por todo el mundo y demostraron que el flamenco se puede hermanar con el jazz, la salsa y el bossanova.

Por su parte, el cajonista Jose Ruiz "Bandolero" cuenta con diferentes trabajos de jazz flamenco como en los de.Chano Domingez, Jorge Pardo. Tino di Geraldo, Javier Colina, Carles Benavent, Rubén Dantas, Pepe Habichuela y Dave Holland, Enrique Morente y Pat Metheny, La Barbería del Sur, Ketama, Niña Pastori, Estopa, Concha Buika, etc.. Se inició como músico flamenco acompañando a figuras del baile como Antonio Canales, Joaquín Cortés y Joaquín Grilo, entre otros.

Disfruten del trío con una versión inédita de La Historia de un Amor, del panameño Carlos Eleta.

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Hiromi Uehara: un fenómeno del jazz

 

La pianista japonesa Hiromi Uehara es conocida por manejar una técnica virtuosa, y ofrecer unas actuaciones colmadas de energía, mezclando en sus composiciones, géneros que van desde el jazz, pasando por el rock progresivo, la música clásica y la música de fusión.

ras trabajar como compositora de jingles durante unos cuantos años para compañías japonesas como Nissan, ingresó en el Berklee College of Music, en Boston, Massachusetts. Allí, fue instruida por Ahmad Jamal, y antes de terminar su graduación ya tenía firmado un contrato con el sello discográfico de jazz Telarc. Fue alumna de Oscar Peterson, al que agradece la mayor parte de sus conocimientos en cuanto a la improvisación en el jazz.

Su estilo lleno de energía la ha catapultado como una instrumentista incendiaria y poseedora de una presencia escénica única.

Sobre el escenario, con su piano Yamaha y un sintetizador Korg, la pianista se levanta del banco, toca de pie, baila, se despeina, gesticula y es la primera en aplaudir a sus músicos, sin desatender el teclado.

Con The Trio Project, la pianista que figura desde 2012 en las encuestas que cada año realiza la revista Down Beat entre la crítica especializada, explora su propio lenguaje melódico y armónico en el escenario, ofreciendo guiños a temas de Johan Sebastian Bach, Red Hot Chili Peppers, Oscar Peterson y Franz Liszt.

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Fragile: una canción para la paz

Escuchen esta impecable interpretación de cuatro músicos, cuatro grandes intérpretes de hoy: Chris Botti, Sting, Yo-Yo Ma y Dominic Miller. Se trata del icónico tema Fragile, de Sting, con una hermosa ntroducción del Concierto de Aranjuez. Yo-Yo Ma comienza con su cello hasta que suena Fragile, tema de bandera a la No Violencia entre paises y hombres, incluido en el ámbum Nothing Like the Sun, que ha vendido millones de copias para el compositor británico. 

La canción compuesta en 1987 por el músico británico es una de las más versionadas en diferentes idiomas y en diferentes estilos, sobre todo en el género del jazz. Se colocó entre las 70 mejores de Inglaterra. Pero no es una canción dedicada a una mujer y no tiene un contenido muy romántico. Cuenta una triste historia sobre un ingeniero civil.

Ésta es la letra de Fragile:

Mañana ya la sangre no estará


Al caer la lluvia se la llevará


Acero y piel combinación tan cruel


Pero algo en nuestras mentes quedará
 

Un acto así terminará


Con una vida y nada más


Nada se logra con violencia


Ni se logrará


Aquellos que han nacido en un mundo así


No olviden su fragilidad


Lloras tú y lloro yo


Y el cielo también, y el cielo también


Lloras tú y lloro yo


Qué fragilidad, qué fragilidad





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Zawinul: un creador inmortal

El tecladista y compositor vienés Joe Zawinul inició su carrera en 1959 cuando emigró a EEUU a estudiar en la Universidad de Berklee, uniéndose luego a Maynard Ferguson y Dinah Washington. Después se unió al saxofonista Cannonball Adderly en 1961 con el que estuvo durante nueve años y medio. Con Adderley, Zawinul escribió algunas piezas importantes, como el lento y funky Mercy, Mercy, Mercy, que alcanzó el N° 11 en los pop charts de la revista musical Billboard en 1967.

Posteriormente formó Weather Report que con el saxofonista Wayne Shorter, el batería Peter Erskine y el contrabajista Jaco Pastorius, se convirtió en una de las formaciones de jazz más importantes del mundo. Con Miles Davis grabó el clásico Bitches Brew (1970), donde participó con el tema Pharaoh's Dance y antes, en 1969, el álbum In a Silent Way, donde participa con In a Silent Way/It's About That Time, de él y de Miles. El grupo firmó con el sello CBS y grabó álbumes tan populares como Black Market, Heavy Weather, Birdland y 8.30.

Recibió el premio de “Votación de críticos y lectores de Down Beat" como "Mejor Tecladista" veintiún veces en 22 años, mientras que Weather Report fue votada como "Mejor Banda" durante 15 años consecutivos. En 1985 se separaron y dos años más tarde formó su Syndicate. El grupo grabó para la CBS discos como The Immigrants, Black Water y Lost Tribes.

Se interesó en la fusión del jazz con ritmos de samba y grabó para un sello especializado en jazz-fusion como Zebra Records de Estados Unidos. En 2004 abrió el club Birdland en el Hotel Hilton de Viena.

Falleció de cáncer en Viena, Austria, el 11 de septiembre de 2007.

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Harold López-Nussa: latin jazz de alto voltaje

 

El pianista cubano Harold López-Nussa forma parte de una familia de músicos. Comienza sus estudios de piano a los 8 años en el Conservatorio Manuel Saumell, continúa nivel medio en un plan de niños talentos en el Conservatorio Amadeo Roldán y culmina el nivel superior en el Instituto Superior de Arte de Cuba.

Sin abandonar la música clásica, desde muy temprano incursiona en el Jazz, que es hoy una de sus mayores pasiones, compartiendo escenario con figuras como Chucho Valdés, Alexander Brown, Elmer Ferrer, Orlando Valle (Maraca), Giovanni Hidalgo, Horacio El Negro, David Sánchez, entre otras ; al mismo tiempo no deja de lado la música cubana, desde lo tradicional participando con el Buena Vista Social Club y formando parte de la banda de Omara Potuondo en la gira de su disco Gracias, hasta lo popular tocando con orquestas como Klimax y con Teresa García Caturla, también formó parte de la agrupación de Carlos Varela abarcando así un amplio abanico de géneros.

A inicios del año 2007 decide enfocarse fundamentalmente hacia el jazz y crea su propia banda con músicos de gran talento y desempeño. Ha recorrido importantes escenarios internacionales como el Teatro Olympia y el antológico New Morning de Paris, el Barbican Centre de Londres y el Satin Doll de Bordeux, Wien Jazz Festival, Montreal Jazz Festival, Oslo World Music Festival y el Festival Internacional de Jazz de Barcelona, entre otros.

Le acompañan en su trío, Felipe Cabrera al contrabajo (también hace algo de voz) y su hermano Ruy Adrian López-Nussa a la batería.

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Dave Liebman: maestro de maestros

El saxofonista neoyorkino, maestro del jazz, Dave Liebman (4/Sep/1946) formó parte, en la década de 1980, del grupo "Quest", junto a Eddie Gomez, entre otros, además de actuar en diversos festivales con su propia formación. Actuará también, ya en los años 1990, con numerosos músicos europeos, entre ellos Joachim Kühn, Daniel Humair, Paolo Fresu, Jon Christensen y Bobo Stenson.

Liebman prolongó la búsqueda de Coltrane, con un sonido lírico y magistral, especializándose en el saxo soprano, en el que usa de forma especialmente preeminente los registros agudos y sobreagudos, combinando ritmos complejos con silencios. Aparece regularmente como soprano en los puestos destacados de los polls de la revista especializada Down Beat.

Considerado uno de los mejores y más influyentes saxos soprano del jazz contemporáneo, histórico de la generación de los años 60, es uno de esos valores perdurables, una apuesta segura. Durante 50 años de trayectoria ha transmitido a las distintas generaciones de jóvenes músicos la solidez de su lenguaje, la herencia de la vanguardia de aquella época en la que colaboraba con otros maestros del jazz como Miles Davis, Elvin Jones, Chick Corea, John McLaughlin o McCoy Tyner entre otros. 

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Dave Liebman: maestro de maestros

El saxofonista neoyorkino, maestro del jazz, Dave Liebman (4/Sep/1946) formó parte, en la década de 1980, del grupo "Quest", junto a Eddie Gomez, entre otros, además de actuar en diversos festivales con su propia formación. Actuará también, ya en los años 1990, con numerosos músicos europeos, entre ellos Joachim Kühn, Daniel Humair, Paolo Fresu, Jon Christensen y Bobo Stenson.

Liebman prolongó la búsqueda de Coltrane, con un sonido lírico y magistral, especializándose en el saxo soprano, en el que usa de forma especialmente preeminente los registros agudos y sobreagudos, combinando ritmos complejos con silencios. Aparece regularmente como soprano en los puestos destacados de los polls de la revista especializada Down Beat.

Considerado uno de los mejores y más influyentes saxos soprano del jazz contemporáneo, histórico de la generación de los años 60, es uno de esos valores perdurables, una apuesta segura. Durante 50 años de trayectoria ha transmitido a las distintas generaciones de jóvenes músicos la solidez de su lenguaje, la herencia de la vanguardia de aquella época en la que colaboraba con otros maestros del jazz como Miles Davis, Elvin Jones, Chick Corea, John McLaughlin o McCoy Tyner entre otros. 

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Toots Thielemans: el músico que no quería marcharse

Bélgica despidió al genio musical Toots Thielemans, fallecido recuebtemente a los 94 años con una importante carrera a sus espaldas que le ha convertido en una leyenda del jazz por su prodigiosa destreza con la armónica.

El funeral de Thielemans, marcado por la música, ha creado una gran expectación entre los amantes del jazz que se desplazaron a la localidad de La Hulpe, donde residía el artista, cuyo féretro fue recibido por aplausos a su llegada a la iglesia.

Thielemans, que residía en la ciudad valona de La Hulpe, a unos veinte kilómetros de Bruselas, colaboró con los nombres más importantes del jazz, como Bill Evans, Ella Fitzgerald, Quincy Jones y Pat Metheny, y también del pop, como Billy Joel, Paul Simon y Natalie Cole.

Nacido el 29 de abril de 1922 en el barrio de Les Marolles, uno de los que tiene más encanto de Bruselas por sus tiendas de antigüedades, al músico belga se le atribuye haber conseguido que la armónica tenga un lugar destacado entre los instrumentos del jazz.

En 2001, el rey Alberto II de los belgas le concedió el título de barón y en 2009 recibió la mayor distinción del jazz estadounidense, el jazz master award. 

El músico se resistió hasta el último momento a dejarse vencer por la edad y no puso fin a su carrera hasta 2014, dos años después de que con motivo de su noventa cumpleaños celebrase la vida con una gira de ocho conciertos en Bélgica. He aquí una muestra de esa gran gira.

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Se marchó Bobby Hutcherson

Bobby Hutcherson, magistral vibrafonista de jazz y máximo exponente de renovación del instrumento en la segunda mitad del pasado siglo, falleció el pasado lunes 16/08 a los 75 años de edad, a consecuencia de un enfisema.

Arquitecto sónico del vibráfono y responsable, junto a Gary Burton, de gran parte de la modernización del lenguaje en el instrumento, Hutcherson sintetizó la improvisación melódica que proviene del lenguaje del bop y la libertad armónica del jazz modal, situándose en el perfecto equilibrio entre solista imaginativo y acompañante abierto.

Si trazásemos la historia del jazz a partir del aparatoso y sugestivo vibráfono (evolución del xilófono con vibrato a motor y pedal de resonancia), podríamos decir que Lionel Hampton y Milt Jackson fueron a Louis Armstrong y Charlie Parker lo que Hutcherson a John Coltrane. De la misma forma en que Jackson, gran primer renovador del instrumento en la era del bebop, adoptó el vibráfono tras escuchar a Hampton en el grupo de Benny Goodman, Hutcherson se interesó por la música a los quince años tras escuchar a Jackson en la grabación de Bemsha Swing registrada en 1954 por Miles Davis y sus All-Stars.

Enseguida aprendió algunos rudimentos musicales de mano de su amigo y pianista Terry Trotter y de su primer profesor, el vibrafonista Dave Pike, pasando en poco tiempo de tocar con Trotter en las veladas de baile de su escuela, a hacerlo en el circuito de clubes de Los Ángeles, su ciudad natal, junto a Curtis Amy o Charles Lloyd, entre otros.

En 2004 fundó el SFJAZZ Collective junto a jóvenes músicos como Joshua Redman, Nicholas Payton, Renee Rosnes o Brian Blade, grabando y actuando con el grupo hasta 2007, momento en el que retoma su cuarteto y formaciones más pequeñas. Su último álbum como líder, publicado en 2014, significó también su regreso al sello Blue Note.

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Marcos Valle y Stacey Kent: una dupla excepcional

Marcos Valle ha disfrutado de una carrera especial que le ha llevado a experimentar con nuevos sonidos trataNdo nuevas miradas en su música. El talento musical de Valle fue notable desde temprana edad. En la escuela secundaria ya colaboraba con otros talentos futuros como Edu Lobo y Dori Caymmi. Este trío sería la primera de muchas colaboraciones musical durante toda su carrera.

Su 1965 segundo álbum, O Compositor e o Cantor, fue el que consolidó su status como uno de los más prominentes artistas de la “segunda generación del bossa nova”. La canción más popular de ese álbum fue Summer Samba o So Nice. Este tema se convertiría en una de las canciones de bossa nova más reconocibles e influyentes de la historia.

Por su parte, Stacey Kent es reconocida como una de las cantantes más finas y carismáticas de la actualidad. Tras un año de estudio en la Guildhall School of Music, Stacey recibió inmediata atención y reconocimiento en la escena londinense, en la compañía, de su marido, Jim Tomlinson.

Desde el lanzamiento de su primer álbum, Close Your Eyes (1997) ha logrado tanto el éxito de la crítica como del público, con su sentidas y emotivas interpretaciones de las mejores canciones de amor del siglo veinte. Pero fue su aparición en el programa de la CBS Sunday Morning en 1999 la que brindó a Stacey una fuerte exposición a escala nacional en los Estados Unidos, y le supuso un considerable reconocimiento.

Stacey Kent es una revelación. No hay cantante hoy día que se pueda comparar con ella. Tiene el estilo de las grandes como Billie Holiday y Ella Fitzgerald. Y canta las palabras como Nat King Cole -limpias, claras, casi en conversación con un perfecto fraseo.

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El naciente talento de Marcos Lessa

A finales de 2013, Brasil conoció a un nuevo cantante llamado Marcos Lessa, una voz con un timbre hermoso y personal que llegó al público en general a través del programa "La Voz de Brasil" y pronto se ganó el favor de la crítica y el público.

 En lugar de rascantes agudos tendencias repeticiones, mismos ingredientes en la misma receta, la opción de Lessa es la elegancia con un estilo de notas correctas, espontáneas y naturales, muy brasileño.

Poco a poco cosechó el respeto de los músicos, compositores, periodistas, productores y el público por todo Brasil.

Con su sombrero y su sonrisa como iconos principales, Lessa podría ser considerado el heredero del recordado Emilio Santiago, por su sobriedad y manejo completo de las octavas vocales, su voz grave y su gran carisma. Sigámosle los pasos a este naciente vocalista.

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Ivan Lins: un artista emblemático del Brasil

El gran Ivan Lins, sin duda, uno de los más grandes artistas del Brasil con 44 años de carrera artística.
Compositor, pianista, arreglista, Iván Lins ha grabado más de 45 discos,
obteniendo los más altos reconocimientos de su país y de la industria de la música, siendo el más reciente el Grammy Latino 2015 en la categoría Mejor Música Popular Brasileña. 

Iván Lins es hoy, como lo fuera Antonio Carlos Jobim en su momento, un referente de excelencia artística, cuyas canciones han sido versionadas por artistas de la talla de George Benson, Sarah Vaughan, Barbra Streisand y Quincy Jones.

Escúchenlo con Amor Em Paz del inmortal Antonio Carlos Jobim.

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El incombustible Pat Metheny

Cumplió años el pasado 12 de agosto. El paso del tiempo ha concedido a Pat Metheny (Missouri, 1954) una madurez musical ajustada a su personalidad. Pocos guitarristas pueden presumir hoy de tener señas de identidad inconfundibles, gestos que le delatan a los pocos segundos de una escucha.

Así pues, no sorprende que la exclusividad de su sonido sea el denominador común de todas las aventuras que emprende, con independencia de que el aficionado se acerque al Pat Metheny eléctrico y popero, el que lidera junto al tecladista Lyle Mays en su famoso grupo, al Pat Metheny jazzista directo y frontal, o al Pat Metheny entregado a su propio universo compositor, ya sea en solitario o en compañía de amigos paisanos como Charlie Haden.

Todo ello sin olvidar experimentos inclasificables como su proyecto Orchestration, en el que el sonido acústico descubría nuevas emociones junto a la implementación tecnológico-musical más avanzada. Hoy día sus esfuerzos los dirige a la Unity Band, por cuyo staff han desfilado figuras de la música como el saxofonista tenor Chris Potter, el pianista Gwilym Simcock, la contrabajista Linda Oh y el baterista Antonio Sánchez y más recientemente, el multinstrumentista vietnamita Cuong Vu.

Vamos a recordarlo con Here To Stay, uno de los temas más exitosos de su antiguo grupo conformado además, en distintos tiempos, por Lyle Mays, Pedro Aznar, Steve Robdy, Paul Wertico, David Blamires, Richard Bona, Luis Conte, Mark Egan, Dan Gottlieb, Mark Ledford, Armando Marcal y Naná Vasconcelos.

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El impactante jazz flamenco de Antonio Lizana

Pocos músicos transitan del jazz al flamenco, y del flamenco al jazz, con tanta inquietud y naturalidad como Antonio Lizana, joven saxofonista y cantaor de Cádiz con un currículum que incluye colaboraciones con el Afro-Latin Jazz Orchestra de Arturo O´Farrill (Grammy incluido) y alianzas con Raimundo Amador, José Mercé y Chambao, entre muchos otros.

Antonio Lizana comenzó los estudios de saxo a los 10 años, en el conservatorio de San Fernando (Cádiz), y tuvo sus primeros contactos con el jazz en varios seminarios del género impartidos por Jerry Bergonzi, Dick Oatts, Jim Snidero o Perico Sambeat. En 2011 finalizó los estudios superiores de Jazz en el centro Superior de música del País Vasco, donde nació su propio proyecto, Antonio Lizana Group.

Galardonado con el premio Cádiz Joven en el campo del arte, como reconocimiento a su proyección, ha participado con la Afrodisian Orchestra de Miguel Blanco (Satierismos 2011), donde interviene como saxofonista, arreglista y cantaor. También ha colaborado en el último disco de la Big Band de Arturo O’Farrill, con sede en Nueva York, en calidad de saxofonista, cantaor y arreglista, siendo este trabajo ganador del Grammy al mejor disco de latín jazz instrumental. Con esta big band ha compartido escenario con los hermanos Andy y Jerry González, Dave Valentin, Papo Vázquez, Pablo Mayor, Cristina Pato, Ximo Tévar o Gregg Agust, entre otros.

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Miles Ahead: crudo retrato de Miles Davis

Don Cheadle interpreta magistralmente a Miles Davis

Don Cheadle es Miles Davis en Miles Ahead, film que protagoniza, dirige y produce, y, aunque no tiene la maestría del trompetista para conducir una melodía por terrenos desconocidos, este film se aparta de las normas clásicas, haciendo sonar la película con energía propia y al ritmo de divertimento al que poco le importan la rigidez de los hechos.

Tras dirigir su primera ópera prima Tishomingo Blues, el actor Don Cheadle (Iron Man 2, Ocean's Eleven) se monta en el bus de una película dedicada a una de las figuras más importantes en la historia del jazz.

En su autobiografía, Miles Davis relata una anécdota sucedida en el transcurso de una cena en la Casa Blanca en honor de Ray Charles, celebrada en 1987, durante la cual una mujer le preguntó a Davis acerca de la muerte del jazz y qué había hecho él con su vida que era tan importante para que estuviera allí. Su respuesta fue “bueno, he transformado la música cinco o seis veces”. Esta frase, poseedora de todas las letras necesarias para ser una exageración egocéntrica, se ajusta perfectamente a la realidad y a una búsqueda de cambio que Miles Davis siempre persiguió. Uno de los principales motores creativos del famoso trompetista era el huir de hacer lo mismo, de quedarse estancado.

El miedo a repetirse con el que Miles Davis se autoalimentaba le llevó a transformar no solo el jazz sino la música en general durante sus más de cuatro décadas de carrera. Viniendo del bebop, con él nació el cool jazz, se transformó para explorar el jazz modal, el jazz avant-garde, la fusión, el jazz eléctrico, las colaboraciones pop y las mutaciones siguen acumulándose en su extensa discografía de 48 álbumes de estudio y 36 en directo, sin contar recopilatorios. Clásicos de la música son el álbum de jazz más vendido de la historia Kind of Blue (1959), Sketches of Spain (1960), Birth of the Cool (1957) y Bitches Brew (1970).

 En su epopeya, era el luchador solitario, dispuesto a derrotar a sus demonios: escapó de la heroína (principio de los cincuenta) y la cocaína (finales de los setenta, la etapa retratada en Miles Ahead).
Miles Davis murió furioso, enfrentado al mundo. Le habían ingresado en un hospital de Santa Mónica (California), donde los médicos diagnosticaron una neumonía bronquial. Quisieron intubarle; rabioso, se revolvió y en ese momento sufrió un infarto que le dejó en coma. El 28 de septiembre de 1991 desconectaron el respirador que le mantenía con vida.

La banda sonora del film es de Robert Glasper.

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El sorprendente Avishai Cohen

Contrabajista, compositor y cantante, Avishai Cohen es el más destacado músico de jazz de Israel y ha sido designado por la revista BassPlayer como uno de los bajistas más influyentes del siglo XX. Ex miembro del grupo "Origin" de Chick Corea, ha grabado y acompañado a otros grandes músicos como Bobby McFerrin, Roy Hargrove o Herbie Hancock. En la actualidad, es el líder de un brillante trío donde mezcla el jazz, con las melodías de Oriente Medio y en los que el contrabajista israelí suma a su poderoso instrumento una voz lírica como pocas y melodías encantadoras cantadas en hebreo, castellano y ladino.

Cohen, quien está considerado uno de los grandes músicos de la escena jazz contemporánea, con catorce álbumes publicados como solista, apunta a ampliar los límites del jazz con la música clásica de cámara, el repertorio tradicional judío y la música ladina, y donde la voz se vuelve un instrumento central. Un proyecto que ha dado sus frutos y le valió premios y reconocimientos internacionales.


Lo acompañan dos jóvenes talentos procedentes de Israel. Nitai Hershkovits, el pianista "Dedos de oro" que Avishai descubrió en un pequeño café en Tel Aviv, y ha grabado en sus últimos discos, y el baterista Daniel Dor al que se le reconoce un estilo propio..

Disfrútenlo en el Blue Note Club, de Nueva York, interpretando su tema Nu Nu. Es sorprendente.

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El jazz flamenco de Pardo, Benavent & Di Geraldo

Tres grandes del jazz flamenco: Jorge Pardo, Carles Benavent y Tino Di Geraldo

Éste es un imprescindible e histórico trío, fundamental en lo que se ha dado en llamar jazz-flamenco, integrado por Jorge Pardo, en los saxos y la flauta, Carles Benavent, en el bajo, y Tino Di Geraldo, en la batería. Se trata de una unión natural tras cumplir Pardo y Benavent años de compromiso con el sexteto de Paco de Lucia y haciendo historia en el flamenco.

En aquel sexteto -éste es un hecho histórico- empezó a desarrollarse la improvisación sobre el soporte de la más rigurosa rítmica flamenca, con una actitud jazzística y basándose en las composiciones de Pardo y Benavent contenidas en sus anteriores discos.

Los tres son considerados los auténticos maestros de la fusión entre el flamenco y el jazz. Actualmente es una de las formaciones con más calidad artística de España, y, sin lugar a dudas, la formación jazzística más internacional.

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Al Di Meola: el gitano del jazz

Al Di Meola es uno de los guitarristas con un sonido personal reconocible a leguas. inició su carrera como jazzista con el grupo Return to Forever en 1974 al lado del pianista Chick Corea, con cuya presencia, el grupo obtuvo un gran éxito comercial, con discos como Where Have I Known Before, de 1974; No Mystery, de 1975, y Romantic Warrior de 1976, que llevó a que Di Meola iniciase carrera en solitario.  Luego realizó una gira legendaria que desembocó en el famoso disco Friday Night in San Francisco, con Paco de Lucía y John McLaughlin.

La irrupción de Di Meola en la interpretación guitarrística de los cuarenta últimos años constituye un hecho singular. Tras su paso por el Berklee College de Boston, contactó muy pronto con Barry Miles y, poco después, Chick Corea lo reclutaba para su banda, que le proporcionó un poderoso conocimiento con el cual pudo seguir desarrollando su carrera.

Numerosas giras y colaboraciones con las estrellas del momento -Jaco Pastorius, Jan Hammer, Stomu Yamashta, etc-, se sucedieron a velocidad vertiginosa en aquella segunda mitad de los años 70. Sus dos discos de la que según muchos críticos fue su mejor época, datan de 1991: Kiss My Axe y el acústico World Sinfonia.

Nacido en New Jersey, EEUU, Di Meola es hoy por hoy considerado uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con el World Music. 

En 2011 durante el Festival Marciac, en Francia, Al Di Meola presentó su banda con un nuevo miembro: el ganador del premio Grammy, el pianista y compositor cubano Gonzalo Rubalcaba.

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Wallflower: la versatilidad de Diana Krall

Diana Krall interpreta en vivo el célebre tema California Dreamin’, popularizado hace más de 50 años por la agrupación Mammas and the Pappas, que la pianista canadiense incluye en su novel álbum Wallflower, desde Le Grand Studio RTL.

Wallflower es producido por David Foster y es una oda a músicos como Bob Dylan, Elton John y Jim Croce, en el que ofrece versiones de temas míticos como Desperado de Eagles y Don't dream it's over de Crowded House. Además, la artista incluye una canción nueva de Paul McCartney llamada If I Take You Home Tonight y duetos con Bryan Adams, Michael Bublé y Blake Mills.

Cinco Grammys y 12 discos (sin contar sus live albums) hacen de Dana Krall una de las artistas de jazz más exitosas de esta época. La cantante y pianista canadiense Diana Krall ha sabido, sin duda, pasar las barreras de su género predilecto para atraer un público diverso en todo el mundo.

La promoción de Wallflower comenzó a principios de 2015, pero ahora ha aumentado considerablemente sus presentaciones en vivo especialmente en ciudades estadounidenses y canadienses.

A partir del 11/07/16, la gira europea incluye fechas en Nápoles y Bollate, Italia; Linz, Austria; Zürich y St Moritz, Suiza; Lisboa y Porto, Portugal; Sete, Juan-Les-Pins, Marciac y Narbonne, Francia; y San Sebastián, Madrid y Peralda, España. 

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Warren Wolf: la belleza del vibráfono

Warren Wolf (Baltimore EUA, 1979) es un destacado vibrafonista, egresado de Berklee College of Music. Desde muy joven aprendió a tocar diferentes instrumentos, como vibráfono, marimba, batería y percusiones, así como el piano y los teclados. De igual forma, estudió a compositores clásicos como Mozart, Brahms y Vivaldi.


Ha experimentado con diferentes estilos musicales, desde jazz y música clásica, hasta géneros como hip-hop, R&B, drum-n-bass, funk, rock, gospel, y música del mundo, entre otros.  Tuvo como maestros al ex integrante de la Baltimore Symphony Orchestra, Leo LePage y otros grandes vibrafonistas de jazz como Dave Samuels y Ed Saindon.


Warren ha estado activo en la escena de jazz internacional desde 2005, realizando giras con Bobby Watson, Karriem Riggins Sextet y Christian McBride y su Inside Straight.  Su reputación como un virtuoso del jazz ha sido reconocida por los mejores críticos de jazz en tres continentes.

Los vibrafonistas no han sido precisamente los más abundantes en el jazz, pero la muestra es de suficiente calidad: ionel Hampton, Milt Jackson, Cal Tjeder, Tito Puente, Roy Ayers, Gary Burton, Joe Locke, Dave Samuels y Bobby Hutcherson. A estos dos últimos les rinde homenaje en su más reciente disco Convergence, que incluye seis temas firmados por Wolf y cinco versiones. En el disco participan colosos del jazz como el pianista Brad Mehldau, el baterista Jeff ‘Tain’ Watts. el contrabajista Christian McBride y el guitarrista John Scofield. Una constelación de estrellas.

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René Marie: fuerza, madurez y rebeldía

René Marie es una de las vocalistas más sorprendentes que han aparecido en la escena del jazz en las últimas décadas. Nacida en Virginia en 1955 no inició su carrera profesional hasta bien entrada la década de los noventa, cuando ya había cumplido 42 años. Poco tiempo después, cuando fue invitada a cantar el himno de Estados Unidos en un acto oficial lo hizo con un nuevo arreglo y añadiendo fragmentos del espiritual Lift Ev'ry Voice and Sing, un hecho que causó controversia y tocó la fibra del establishment Wasp (White anglo-saxon & protestant).

Marie es uno de los talentos incuestionables de la nueva escena del jazz vocal norteamericano. Se ha consolidado internacionalmente con una actitud’ escénica que cautiva, un personal concepto vocal, dominio de la técnica y una expresión desbordante en directo. Una artista emergente de especial concepción vocal que incorpora elementos de modernidad a la tradición de las grandes damas del jazz.

Se casó a la edad de 18 años, y fue madre de dos niños a los 23. Cuándo su marido le dio un ultimátum después de 23 años de matrimonio para que escogiera entre cantar o continuar casada, ella escogió la música sobre su turbulento matrimonio.

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