El sorprendente sonido de Mulatu Astatke

Mulatu Astatke (el apellido también se escribe como Astatqé) es un músico y arreglista etíope. Se le considera el padre del Ethio-jazz. Nació en 1943 en la ciudad de Jimma, Etiopía occidental. Su formación musical se realizó en Londres, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano en el Berklee College of Music. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope. Alternó con muchos artistas de jazz influyentes como Duke Ellington durante los años 1970.

En 2007 y 2008, Mulatu disfrutó de una beca del Radcliffe Institute en la Universidad de Harvard donde impulsó las modernizaciones de los instrumentos tradicionales etíopes1 Mulatu también sirvió recientemente como artista en residencia Abramowitz Artist en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Cambridge (Massachusetts). Además de conferencias y talleres, Mulatu ejerció de consejero con el MIT Media Lab para la creación de una versión moderna del krar, un instrumento tradicional etíope, para lo que volvió brevemente al MIT en primavera de 2009 para supervisar su progreso.

El 1 de febrero de 2009, Mulatu Astatke ofreció un concierto en el Auditorio Luckman Auditorium en Los Ángeles con una banda que incluía músicos de jazz tan notables como Bennie Maupin, Azar Lawrence y Phil Ranelin.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

George Benson, el inagotable

George Benson, sin duda uno de los grandes compositores, guitarristas y cantantes del smooth jazz, ha arribado a los 72 años, hoy 22 de marzo. La de George Benson fue una de las primeras voces que pudo escucharse en estéreo a través de una televisión reproducida por un aparato de vídeo. Fue en la primera película que contenía su banda sonora en este sistema: All that jazz, de Bob Fosse, en la que el músico interpretaba On Broadway, uno de los temas por los que se convirtió en una figura reconocible para el grandísimo público.

Prácticamente todas las biografías consultadas del músico comienzan de la misma manera: George Benson (Pittsburgh 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz. Casi todas, pero la de la página web del Heineken Jazzaldia 2010 hace una distinción. "De guitarrista del hard bop a estrella del pop y del R&B, George Benson ha abordado un amplio rango de estilos a lo largo de los años". Y es cierto. La música de este artista ha supuesto, para muchos melómanos, una puerta accesible por la que entrar un estilo que, en principio, parece acotado para unos pocos: el jazz.

Niño virtuoso de la guitarra, Benson grabó su primer single It should have been me a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gusto supremo, un bonito sonido redondo, un maravilloso sentido lógico en la construcción de sus solos, gran dominio de la velocidad de ejecución, y todo ello ejecutado siempre con un swing impresionante e impecable.

Su extraordinaria calidad interpretativa y creativa le han significado obtener 10 premios Grammy. Después de un período de inmenso éxito comercial  (por lo que ha sido criticado por algunos "puristas" del jazz) en el último tiempo ha retornado a los escenarios y salas de grabación de jazz con renovado entusiasmo, tomando parte también en algunos de los más prestigiosos festivales de jazz mundiales. Su forma de improvisar en la guitarra siempre ha sido impresionante.Su discografía abarca 35 álbumes de estudio y seis grabados en vivo. Entre ellos se destacan los grabados con McCoy Tyner, Joe Farrell y con la orquesta de Count Basie.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Quincy Jones: 82 años y mucha música

Quincy Jones: un rey midas de la música.

El pasado 14 de marzo fue el cumpleaños número 82 del legendario Quincy Jones, tal vez el productor y director de mayor impacto en la música contemporánea. El secreto del éxito de Quincy Jones sido trabajar siempre con músicos de primer orden, como Dizzy Gillespie. La producción en 1985 de USA for Africa, que culminó con la canción We are the world (en cuya grabación participaron los más prestigiosos músicos pop del momento: Bruce Springsteen, Michael Jackson, Cindy Lauper, Stevie Wonder, Diana Ross y un largo etcétera) fue el proyecto monumental que consagró a Jones definitivamente como productor.

Su actividad sería determinante para las carreras de artistas como Aretha Franklin, Chaka Khan, George Benson o Michael Jackson. También se prodigó en la creación de bandas sonoras, de las que llegó a producir más de una treintena, con títulos tan destacados como In the heat of the night (1967) o The colour purple (1987); creó asimismo la música de numerosas series de televisión, como Raíces.

A principios de los ochenta fundó su propia discográfica, Qwest. En los últimos años su actividad se ha centrado en las tareas de dirección del sello discográfico y en la producciones para otros artistas, como el ya citado proyecto USA for Africa, que llevaría al número uno el tema We are the world. De su propia producción destacan Body heat (1974), Sounds - And stuff like that (1978), The dude (1981) y Live at Montreux (1993), grabado junto a Miles Davis. Para Back on the block (1989) contó con la colaboración de una interminable lista de artistas, como el reverendo Jesse Jackson, Ella Fitzgerald, Al Jarreau, Barry White, Miles Davis o Ice-T.

Como director de big bands, que mantiene para grabaciones en estudio, aunque raramente para actuaciones en directo, inició su carrera con dos discos de gran impacto en el mundo del jazz: How I feel about jazz y Birth of a band (1959). Más adelante, fichó por A&M Records donde grabó, en 1961, Quintessence. Influido por conceptos de jazz fusión, editó Walking In Space (1969) y Smackwater Jack (1971), que incluye entre otros temas la banda sonora del telefilm, Ironside. En total compuso la música para 33 películas y recibió 79 nominaciones al Premio Grammy.

Como productor, es famoso sobre todo por haber sido coproductor de los tres álbumes más famosos de Michael Jackson: Off the Wall, Thriller y Bad. Dirigió la orquesta de Frank Sinatra y produjo el último álbum de Sinatra con temas originales, no recopilatorio (L.A. is my Lady) así como el regreso a las tablas de la legendaria Lena Horne en 1980.

En el año 2001 publicó su autobiografía Q: The Autobiography of Quincy Jones.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Dianne Reeves: el brillo y la potencia del jazz actual

Dianne Reeves: una voz excepcional.

La Juilliard School distinguirá a la cantante Dianne Reeves y a otros cuatro artistas con el doctorado honorario, durante una ceremonia que se realizará el 22 de mayo. Reeves, junto a la bailarina Suzanne Farrell, el director teatral Nicholas Hytner, el pianista Murray Parahia y el director de teatro y ópera Peter Sellars, recibirán su diploma honorario en el Salón Alice Tully, en el Lincoln Center, en Nueva York. 

Nacida en Detroit, EEUU, y descubierta por el trompetista Clark Terry, Dianne Reeves es hoy por hoy una de las vocalistas más impactantes del jazz por su amplio registro vocal y su fuerza interpretativa. 

Reeves sigue en la actualidad grabando discos para Blue Note y está afianzada como una de las voces más cualificadas en el mundo del jazz vocal contemporáneo, y sus admiradores suelen disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que saca al mercado.

Su larga discografía y sus cinco Premios Grammy así lo corroboran. El último de ellos lo ha obtenido por su disco Beautiful Life, publicado a comienzos de 2014. Dedicamos este especial a Dianne Reeves y sus mejores colaboraciones junto a otros músicos y cantantes.

Una digna ‘sucesora’ de Dinah Washington y Carmen McRae. Reeves desde niña comenzó a tocar el piano y finalmente ha desarrollado ella misma para convertirse en una intérprete superior de texto de la canción y cantante de ‘scat’. Ha explorado también las áreas fuera del jazz que la han catapultado como una vocalista muy versátil.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Eric Harland: fuerza y personalidad

El baterista estadounidense Eric Harland (36 años) ha participado en más de 80 grabaciones con una gran variedad artistas, entre las cuales figuran Let's Get Lost and Wandering Moon, de Terence Blanchard; Back East, de Joshua Redman; y Land of Giants, de McCoy Tyner, nominadas a los premios Grammy. Con Blanchard y el cineasta Spike lee, Harland se ha destacado en 18 bandas sonoras, incluyendo The Caveman`s Valentine, Original Sin, People I Know y Dark Blue.

Harland ha realizado giras y grabado con Mark Turner, Larry Grenadier, Ravi Coltrane, Wynton Marsalis, Betty Carter, Joe Henderson, Walter Smith III; Aaron Parks, John Patitucci y Zakir Hussain, entre otros. 

Ha sido incluido en la lista selecta de la revista Down Beat como uno de los batistas más reconocidos del mundo junto a Elvin Jones y Roy Haynes. También en 2008 y 2009 ganó la Encuesta de los Críticos para las Estrellas Nacientes en la batería. 

Harland debutó con su álbum Voyager: Live by Night a finales de 2010. Allí participaron Walter Smith III, Julian Lagem Taylor Eigsti y Harish Raghavan. Su segundo álbum, Vipassana, fue lanzado el 11 de agosto de 2014.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Eddie Palmieri: latino e inagotable

Eddie Palmieri: ícono indiscutible del latin jazz.

Eddie Palmieri, conocido por su poder carismático y audaz conducción vanguardista ha tenido una carrera por mas de 50 años como líder de orquesta en los géneros de salsa y jazz latino. Nacido en el Harlem Latino en el año 1936, Eddie comenzó a estudiar el piano a temprana edad, al igual que su célebre hermano, Charlie Palmieri. Para los hispanos neoyorquinos que pertenecen a la generación de Eddie, la música era una manera de salir del barrio.  

A los 11 años de edad audicionó en el Weil Recital Hall al lado del Carnegie Hall, lugar mucho mas lejos del Bronx de lo que el pudo haber imaginado.  Poseído por un deseo de tocar la batería, Palmieri se unió a la orquesta de su Tío a los 13 años donde toco los timbales. Dice Palmieri: “A los 15, fue adiós timbales y regreso al piano hasta el día de hoy. Soy un percusionista frustrado, así que me desquito con el piano.”

Su legendaria orquesta “La Perfecta”, creada en 1961, fue única en que contenía una sección de trombones en vez de trompetas (liderada por el difunto Barry Rogers), algo raramente realizado en la música latina, demostrando los inicios de los métodos poco ortodoxos de Palmieri para formar una orquesta. Fueron conocidos como “la banda con los elefantes locos rugiendo” por la configuración de los dos trombones, flauta, percusión, bajo, y vocalista. Con su sonido único, La Perfecta rápidamente se unió a los rangos de Machito, Tito Rodríguez, y otras orquestas Latinas del momento. Palmieri fue influenciado no solo por Charlie, su hermano mayor, sino también por Jesús López, Lili Martínez y otros músicos cubanos de los 1930 y 1940, y luminarias del Jazz como Art Tatum, Bobby Timmons, Bill Evans, Horace Silver, Bud Powell y McCoy Tyner. 

Su método poco convencional sorprendería los críticos y fanáticos con el lanzamiento titulado Harlem River Drive. Esta grabación fue la primera en fusionar estilos negros y latinos resultando en una forma libre en sonido que abarcaba elementos de la salsa, funk, soul y jazz. Esta nueva fusión se movía con facilidad de ambiente, onda, textura y excitación con su guitarra multidimensional, notas funk en el piano, notable brass y su inolvidable sección rítmica.  

Enrique Romero, director de la revista "El Manisero" de Barcelona, España, dijo una vez: "Palmieri es, de todos los pianistas de la salsa y el latín jazz, sin discusión, el más moderno, el más estudioso, el más arriesgado, el más gozón, en una palabra el más revolucionario". En 2013 recibió el premio más prestigioso en jazz de los Estados Unidos, el NEA Jazz Master.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Un trío inolvidable: McLaughlin, Di Meola y De Lucía

Este concierto es inolvidable y se llamó Friday Night in San Francisco, una célebre reunión realizada en 1980 con los tres más famosos guitarristas del jazz y el World Music: Paco De Lucía, Al Di Meola y John McLaughlin. La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Fue considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. 

Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas, la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto.

Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año.

La carrera de Al Di Meola está repleta de brillantes ejemplos de discos de jazz fusión basados en la guitarra: 1976: Land of the Midnight Sun, 1977: Elegant Gypsy y Casino, 1979: Splendido Hotel. Obtuvo gran repercusión musical el mencionado trío que formó con McLaughlin y De Lucía, para grabar la joya Friday Night in San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, Di Meola aumentó su prestigio, tocando con artistas como Paul Simon, Jean Luc Ponty, Stanley Jordan, Chick Corea, Stanley Clarke, Paco de Lucía, y John McLaughlin. Durante los años 90, Di Meola se concentró en la guitarra acústica para abordar la World Music. 

El gran aporte musical de John McLaughlin trasciende los géneros y las culturas, siendo pionero en movimientos de integración del jazz con la música del Norte y el Sur de la India (Shakti), con el flamenco (Guitar Trio), con el rock (primero con Miles Davis en In a Silent Way y Bitches Brew y desde la década de 1970 en adelante, con sus grupos Mahavishnu Orchestra, The Heart of Things, Five Peace Band y actualmente John McLaughlin y la 4ª Dimension) y con la música clásica (en su Concierto para guitarra y orquesta y en el disco Thieves and Poets). 

McLaughlin ha influenciado a muchos guitarristas, también ha incorporado la música flamenca en bastantes grabaciones acústicas. El maestro hindú de la Tabla Zakir Hussain dice que McLaughlin es "uno de los músicos más grandes y más importantes de nuestros tiempos". En 2003, McLaughlin estuvo en el lugar 49, según la revista Rolling Stone, en la lista 100 Greatest Guitarists of All Time.

El tema Mediterranean Sundance es uno de los más sonados del álbum Friday Night in San Francisco.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.