Chano, Jerry y Pepe: fusión de rumba, jazz y flamenco

Chano Domínguez, Jerry González y Pepe Rivero: trío histórico del jazz.

La reunión entre los pianistas Chano Domínguez y Pepe Rivero, y el conguero-trompetista Jerry Gonzàlez fue histórica. El pianista gaditano Chano Domínguez ha seguido la senda del genial Bill Evans, atraído por el concepto coltraniano de improvisación. Su música supone la definitiva fusión entre dos estilos en principio antagónicos: el flamenco y el jazz. Esto, que en músicos como Carles Benavent, Jorge Pardo o Pedro Iturralde lleva décadas intuyéndose, en Chano Domínguez va camino de consolidarse con rotundidad. 

Con Chano se percibe que dicha fusión tiende a realizarse con suma naturalidad, como si dos direcciones llevaran un mismo sentido. Según sus propias palabras, es difícil decantarse exclusivamente por su clasificación como músico flamenco o como músico de jazz. Cuando un artista lleva tanto tiempo compaginando ambos estilos de la manera en que lo ha hecho Chano, la cuestión de su diferenciación se vuelve imposible, puesto que ambos estilos caminan por un sendero similar: el desarrollo improvisador. 

El piano de Chano Domínguez alcanza su mayor extensión en la formación del trío musical, donde se aprecian notablemente sus sugerentes guiños al flamenco, dentro de un ambiente claramente jazzístico. 

Por su parte, el trompetista y conguero neoyorquino Jerry González es una de las figuras clave del latin jazz en la escena madrileña. Ha colaborado durante años con Dizzy Gillespie o Jaco Pastorius, ha sido el fundador de formaciones míticas como el Grupo Folklórico y Experimental Neoyorquino y parte de álbumes legendarios y bendecidos con el Grammy como Unfinished Masterpiece (Eddie Palmieri), On Broadway (Tito Puente), The turning point y Journey (McCoy Tyner). Pero es como líder de Jerry González & The Fort Apache Band que ha logrado ser reconocido como una de las voces más innovadoras del panorama musical. 

Entre los pioneros de la fusión entre el flamenco y el jazz latino son decisivas sus colaboraciones con músicos españoles como Paco de Lucía, Chano Domínguez, Diego ‘El Cigala’, Niño Josele, Enrique Morente, Javier Colina, Martirio o la Orquesta Nacional de Jazz de España.

Entre tanto, el pianista y compositor Pepe Rivero forma parte de una “nueva generación” de músicos cubanos que han irrumpido en la escena internacional del jazz. Luego de terminar sus estudios de piano en La Habana en los cuales recibió una formación clásica, su vocación lo condujo al jazz.

Como pianista de jazz latino parte casi siempre de la estructura de algún género señero de la música cubana, como el guaguancó, el cha cha-chá, la guajira, la conga, etc., y en torno a él incorpora una serie de imbricadas y complejas armonías que extrae de su amplio acervo como jazzista y compositor con una herencia clásica.

La música que compone Pepe Rivero, que también integra otros géneros dentro del jazz latino, como el flamenco, la bossa-nova y el propio jazz clásico, es capaz de crear diversos ambientes en una misma composición, transitando con tal destreza de uno a otro, que da la impresión que la música es solo una: indivisible y universal.

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Bossacucanova: la novedad del bossa jazz electrónico

Bossacucanova es una agrupación musical que combina el tradicional bossa nova con lo electrónico. El grupo es cobró notoriedad luego de ser nominado al Latin Grammy en 2002 por Brasiliade, al Mejor Álbum Pop Brasileño. Entre los miembros permanentes del grupo figura Márcio Menescal, hujo del pionero del bossa nova Roberto Menescal.

La agrupación surgió cuando un grupo de amigos e ingenieros en sonido de un estudio experto en bossa nova comenzaron a remezclar canciones lúdicamente hasta que un día resolvieron remezclar Só Danço Samba, del grupo Os Cariocas. Una mezcla entre bossa y electrónica que llamó la atención y varios artistas dieron autorización para reversionar sus trabajos. De canción en canción, lo que había nacido como una diversión entre amigos, llegó a convertirse en un disco.

Es así como el trío formado por Alexandre Moreira, Marcelinho Da Lua y Márcio Menescal ha ganado cierto reconocimiento por su trabajo y han realizado giras promocionales a EE.UU, Canadá y parte de Europa. No los pierdan la pista.

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Chucho Valdés rinde homenaje a Irakere

Cuarenta años es mucho decir para la vida de una agrupación musical. Ese es el caso de Irakere y Chucho Valdés -una misma raíz- que conmemora el aniversario con un registro discográfico y la gira de conciertos Irakere 40.

El disco, grabación en vivo de un concierto en el Festival de Marciac, es un homenaje original donde Valdés rescata las partituras originales del grupo, para reformularlas y reinterpretarlas, esta vez con la generación más joven de músicos (Afrocuban Messengers) que reinventa una trayectoria musical donde coexisten la música afrocubana, el jazz, y la más sentida tradición que se remonta a los orígenes. De colección.

El tributo que se hace en Irakere 40, como se conoce la gira, comenzó en el Festival de Jazz de Barcelona en 2013, cuando la banda cumplió 40 años, y los resultados fueron tan exitosos, que decidieron grabar un disco en su honor y comenzar un tour por Europa que ahora llega a territorio estadounidense.

Hace más de 40 años que la banda de latin jazz Irakere se fundó en La Habana, un grupo de “grandes estrellas”, liderado por el pianista Chucho Valdés, que marcó, en palabras del maestro, “el cambio histórico de la música cubana”, un antes y un después al que ahora rinde tributo en una gira por EEUU.

Dionisio Jesús “Chucho” Valdés Rodríguez, su verdadero nombre, aprendió a tocar guiado por su padre, Bebo Valdés, otro icono de la música internacional. Es el creador y referente mayor de la llamada escuela afro-cubana del jazz, la lingua franca de un movimiento que cautivó al público más allá de la isla, incluidas audiencias en EEUU y Europa. De aquí surgieron dos ex integrantes que se convirtieron en figuras internacionales por derecho propio: Arturo Sandoval y Paquito D’Rivera.

Disfruten la versión renovada del clásico El Tango de Lorena.

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El hip hop jazz de Erick Truffaz y Oxmo Puccino

A Erik Truffaz se le pudiera considerar el sucesor del trabajo que venía haciendo ya Miles Davis, moviendo al jazz a terrenos más electrónicos y ácidos, este trompetista contemporáneo, nacido en Suiza, ha cogido el testigo de manera responsable y ha logrado hacer de su música todo un movimiento osado dentro del jazz contemporáneo. Dentro de su estilo podemos encontrar una mezcla de ritmos modernos fusionados con el jazz clásico, tales como el drum & bass, acid jazz, funk, rock progresivo, hip-hop, y toques de electro beat y world music.

El sonido que emana de su trompeta es muy fino, se pudiera considerar una rica mezcla entre Miles Davis y Chet  Baker; se aprecia la genialidad y gran técnica de Miles, junto con la fineza y estilo de Chet, según el tema y el estilo que interpreta. Posee un gran sonido muy bien logrado que podemos apreciar en sus solos. Su estilo es muy melodioso, gusta mucho de hacer notas largas pero precisas, crea atmósferas a partir de un mínimo de notas, no es el típico jazzista que sature sus improvisaciones de muchas notas y sonidos rápidos, y claro que sabe cuándo hacer eso, siempre y cuando el tema lo justifique. Gracias a esta acertada y compleja mezcla se ha ganado la etiqueta de vanguardista.

Por su parte, Oxmo Puccino cantante de hi-hop, nació en 1974 en Ségou, Malí, pero fue llevado a París cuando tenía tan sólo un año. Su nombre verdadero es Abdoulaye Diarra y es hermano del jugador de baloncesto, Mamoutou Diarra. Ha vivido en el XIX Distrito de París desde los cinco años. 

Puccino empezó a rapear a los 13 años y sus primeras colaboraciones discográficas se remontan a 1995. Junto a otros raperos del barrio participa en distintos proyectos musicales. Gracias a otro colega del distrito XIX, donde vive Abdoulaye, Pit Baccardi, se integra en el colectivo Time Bomb, lo que le permite colaborar con X-Men, Lunatic o Hifi, considerados como los más prometedores del rap francés de los 90. 

Es un artista, de los que son apasionados por las palabras, la música, la imagen y son atentos a los demás, a sus vidas, sus preocupaciones, sus sueños y sus historias.  

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Tres años de la partida de Dave Brubeck

Hace tres años, el 5 de diciembre, ocurrió el deceso del legendario pianista y compositor de jazz Dave Brubeck, un  día antes de su cumpleaños 92, después de sufrir una falla cardíaca rumbo a una cita con su cardiólogo, acompañado de su hijo Darius.

  

Sus hijos, agrupados en el conjunto "The Brubeck Brothers", habían publicado poco antes el álbum Lifetimes, A Celebration Of Dave Brubeck que había llegado a los primeros lugares de la cartelera de jazz. 

La carrera musical del aclamado pianista comenzó a fines de los años 40.  En 1951 formó su famoso Dave Brubeck Quartet, que dejaría una imborrable estampa en la historia del jazz. Tres años después Brubeck fue el primer músico de jazz moderno cuyo retrato apareció en la portada de la revista Times. Su célebre álbum Time Out, lanzado con su cuarteto en 1959, fue el primer disco "LP" de jazz que vendió más de un millón de copias. En ese álbum Brubeck experimenta con distintos ritmos con los que el jazz, hasta ese momento, no estaba totalmente familiarizado, como 5/4, 9/8  y  7/4.  

Hasta entonces Dave Brubeck ya había grabado 29 LPs en 10 años. En toda su carrera grabó un total de 118 álbumes y recibió 21 galardones académicos de universidades, instituciones artístico-culturales y gubernamentales.

No obstante será recordado principalmente por su famoso cuarteto integrado por él al piano, Paul Desmond en saxo alto, Eugene Wright, en contrabajo y Joe Morello, batería, con quienes grabó profusamente y con quienes realizó exitosas giras internacionales durante muchos años.   

Brubeck comenzó sus estudios de piano con su madre y al principio no podía leer música debido a problemas de mala vista, sin embargo se las barajó para superar esa dificultad. No era su intención seguir una carrera musical, sino que deseaba trabajar en el rancho de su padre, en California. Sin embargo sus profesores le urgieron a que se uniera al conservatorio local, donde después de un tiempo surgió un escándalo cuando descubrieron que tenía dificultades para leer música. Pero gracias a su impresionante técnica y calidad interpretativa al piano le permitieron graduarse con la condición que jamás enseñara música.

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Grapelli: el violinista inolvidable

Stephane Grapelli es considerado el más importante especialista del violín de jazz de la historia. Fue un improvisador excepcional dotado de una perfección técnica insuperable que nunca abandonó el estilo lírico y tierno, mezcla de swing y suprema elegancia, que le caracterizó desde su famosa asociación con Django Reinhardt.

Había nacido en la capital francesa el 26 de Enero de 1908. Huérfano de madre, su padre le enseña solfeo y le regala su primer violín. Toca con las orquestas de cine mudo y es un ferviente admirador de Ravel y Debussy, compositores que tendrían una considerable influencia en su estilo, pero es la música de Gershwin la que le descubre el jazz.

En 1934 tiene lugar el acontecimiento que marcaría su carrera, la fundación del Hot Club Quintette con el guitarrista belga Django Reinhardt, su hermano Joseph Reinhardt, Roger Chaput y Louis Vola, una formación insólita integrada únicamente por instrumentos de cuerda: tres guitarras, violín y contrabajo, que se convertiría en el grupo europeo más importante de la historia del jazz. Durante la II Guerra Mundial permanece en Londres, donde toca con George Shearing, y a su vuelta a Francia vuelve a reunirse con el Hot Club.

Después emprendería una carrera personal, recorriendo numerosos escenarios de todo el mundo y grabando una infinidad de discos con muchas de las grandes estrellas del jazz: Bill Coleman, Barney Kessel, Coleman Hawkins, Clark Terry, Hank Jones, Earl Hines, Martial Solal, Philip Catherine, Oscar Peterson... Entre todos ellos destacan sus colaboraciones con otros violinistas: Ray Nance, Eddie South, Jean-Luc Ponty, Stuff Smith, Joe Venuti, Didier Lockwood e incluso con el violinista clásico Yehudi Menuhin.

Lejos de pensar en retirarse, durante los últimos años siguió dando muestras de esa contagiosa alegría de vivir que se reflejaba en su música, como en su más reciente disco: "Flamingo", una sesión junto al pianista Michel Petrucciani.

En el siguiente video toca en Varsovia con un conjunto que incluye al pianista McCoy Tyner y al guitarrista Marc Fossett. 

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Norman Granz: cuando el jazz es una religión

Se cumplieron 14 años del fallecimiento del legendario promotor y empresario del jazz Norman Granz, conocido como la conciencia del jazz en los años cuarenta y cincuenta, a los 83 años en su casa de Génova, el 22 de noviembre de 2001. Granz, que fue el manager de Ella Fitzgerald, alcanzó gran relevancia por los conciertos y grabaciones que promovió de figuras como la propia Fitzgerald, Louis Armstrong, Count Basie, Charlie Parker o Billie Holiday.

Granz fue una de las grandes fuerzas promotoras del jazz del siglo pasado, especialmente durante las décadas de los años 50 y 60. Fundó cinco sellos de grabación "dedicados" a músicos de jazz: Clef, Norgran, Down Home y --los más célebres-- Verve y Pablo, que alcanzaron una exitosa distribución mundial. Norman Granz, además, fue el creador de los legendarios conciertos llamados Jazz At The Philharmonic, en los que reunía a los grandes del jazz en verdaderas "jam sessions", hoy de antología. 

Estuvo también vinculado a la organización de festivales internacionales de jazz y su sello "Pablo" registró las mejores presentaciones de la mejor época del Festival de Jazz De Montreux. Fue muy activo, además, en las actividades anti-racistas en su país. 

JATP, el acrónimo de Jazz At The Philharmonic, es un espectáculo itinerante de jazz creado por el productor discográfico Norman Granz y que se desarrolló a lo largo de las décadas de los cuarenta, cincuenta y sesenta. Granz reunió un reparto de aproximadamente doce de las mayores estrellas del momento para recrear en los escenarios de las principales salas de conciertos del mundo la intimidad de las competitivas jam sessions que tenían lugar fuera de horario en clubes situados en sótanos. Posteriormente, publicó lo más destacado en una sucesión de discos cuyas fundas fueron diseñadas por David Stone.

Usualmente abreviadas como JATP, se trató de conciertos organizados como grandes jam-sessions. Su inventor fue Norman Granz, quien en 1940 comenzó a organizar jams abiertas al público con músicos como Nat King Cole , Willie Smith o Don Byas. Tras una etapa en el ejército (1941 - 1944) organizó el primero de los conciertos-jam el 2 de julio de éste último año, en el Philharmonic Auditorium de Los Ángeles, de donde tomó el nombre. Granz revistió su propuesta con elementos ideológicos: reparto de beneficios con los músicos; negativa a organizarlos en ciudades en las que se segregara al público por su raza; reivindicación del "buen jazz", etc.

El espectáculo fue un éxito indudable, especialmente cuando se editaron los discos de los JATP. Incluso se grabó una película (Jammin' the blues), que fue candidata al Oscar. Trabajó con varias discográficas, hasta que fundó sus propios sellos, sobre todo Verve (1957). A partir de 1958, JATP giró por Europa y, después, por Japón y Australia.

En estos grandes conciertos-jam participaron la mayor parte de las grandes figuras del jazz de tres décadas: Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Jimmy Smith, Stan Getz, Roy Eldridge, Coleman Hawkins e Illinois Jacquet, entre muchos otros. Naturalmente, no se trataba de verdaderas jams , pero producían una excitación similar.

Granz abandonó el modelo JATP en 1967, creando poco después su sello Pablo, que se basó en reuniones de músicos con formato casi jam.



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Karrin Allyson: fuerza expresiva

Tras firmar con Concord Jazz en 1992, Karrin Allyson, oriunda de Kansas, EEUU, debutó discográficamente con I Didn't Know About You, que fue un gran éxito. Después de ello, se hizo con el acompañamiento de un grupo de músicos originarios de Kansas que se convirtieron en habituales suyos: el pianista Paul Smith, los guitarristas Danny Embrey y Rod Fleeman, el bajista Bob Bowman y el batería Todd Strait.

Su disco de 1999, From Paris to Rio, contiene canciones en francés y portugués, y cubre un amplia abanico estilístico desde Jacques Brel a la samba y bossa nova. En 2001 obtuvo el que probablemente ha sido el mayor éxito de su carrera al publicar, obteniendo dos nominaciones a los Grammy, Ballads: Remembering John Coltrane. En 2006 con Footprints, obtendría también una nominación a los Grammy por el Best Jazz Vocal Album.

También compositora y pianista, Allyson se caracteriza generalmente por personalizar temas ajenos, como en el caso de este disco en el que se acerca a una de las figuras medulares de la historia del jazz. Cole Porter, George Gershwin, la flor y nata de Brasil, Joni Mitchell, etc. Son muchos y muy distantes los estilos que ha tocado a lo largo de una carrera ya extensa, con especial acierto en las baladas. Aquí encuentra un momento realmente dulce, donde cuajan sus valores interpretativos. Johnny Hartmand cantó como nadie al lado de Coltrane. Allyson lo hace junto a algunos de los herederos del genial saxofonista. Ahí están el ya fallecido Bob Berg, Steve Wilson y James Carter, tal vez el más audaz a la hora de interiorizar el legado de 'Trane'.

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Recordando con Coltrane el atentado de Alabama

John Coltrane compuso e interpretó "Alabama", motivado por el ataque racista a una iglesia evangélica en Birmingham, Alabama, en 1963, que tuvo consecuencias trágicas, y que se conmemoraron el pasado 18/11. Una de las chicas muertas tenía 11 años de edad, y las otras tres, 14. Al hombre que puso la bomba, Robert Chambliss, sólo lo condenaron a seis meses de cárcel por posesión de dinamita y a pagar una multa. Más de 10 años después, cuando las autoridades de Alabama ya no pertenecían a grupos racistas, el caso se reabrió y Chambliss fue encontrado culpable y condenado a prisión perpetua.

El patrón musical usado por Coltrane fue realizado en base a la estructura del discurso que Martin Luther King pronunció en el funeral de las víctimas del atentado. A mitad de la canción, Coltrane transforma su duelo en un comunicado de renovada determinación para la lucha contra el racismo, mientras la batería de Elvin Jones se eleva desde un susurro a una rabia convertidos en golpes al tambor. Quería este "crescendo" para significar el nacimiento del movimiento de derechos civiles.

Igual que el discurso, la composición de Coltrane va pasando del sentimiento de duelo a uno más fogoso de determinación y lucha por la igualdad y los derechos civiles. 



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Joni Mitchell: ciudadana universal

Se conmemora otro aniversario del nacimiento de la cantante Joni Mitchell. Nació el Alberta, Canadá, el 7 de noviembre de 1943. En sus primeros años, la cantante, compositora, guitarrista, pianista y pintora no alcanzó su fama como cantante de jazz. Cuando joven se transformó en una leyenda en vida componiendo e interpretando canciones folclóricas, desde su juventud en la época del flower power de los años 60 y 70, convirtiéndose en una superestrella en ese género. 

Luego dirigió su interés al pop y al jazz y se transformó en una de las más respetadas cantantes y compositoras de fines de siglo. Pasados los años y gozando ya de fama mundial, Joni Mitchell comenzó a incursionar más y más en el campo del jazz, desde 1976 con su álbum Hejira, que grabó con Jaco Pastorius. Luego trabajó con Charles Mingus, quien murió antes de finalizar un proyecto conjunto. Después de un período difícil en su vida, Mitchell retornó con más fuerza y entre otros álbumes grabó uno de baladas de jazz y más recientemente Herbie Hancock le dedicó y produjo su aclamado The Joni Letters, en el que toma parte Mitchell. A esta altura ella ya había sido ampliamente "aceptada" por los sectores más puristas del jazz. 

Hejira (1976) marcó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius. Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación "abierta" de la guitarra de Mitchell.

Don Juan's Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada Paprika Plains. El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, inesperados por muchas de las estrellas y celebridades del ámbito musical en ese entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella estaba disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con un banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años. 

Hoy cuenta con 72 años y ya casi está fuera de los escenarios. No obstante, sigue siendo un referente de la música y artista venerada por muchos. 

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Toots Thielemans: un ícono viviente del jazz

El año pasado, el músico belga Toots Thielemans, considerado como el rey mundial de la armónica, anunció que ponía fin, a los 91 años, a una carrera de más de siete décadas reconocida por los grandes del jazz.

Nacido el 29 de abril de 1922 en un barrio popular de Bruselas en donde sus padres atendían un café, Toots Thielemans, también guitarrista, es el primer músico en llevar al reconocimiento general la armónica cromática.

Seducido en un primer momento por la música de Ray Ventura, fue picado por el virus del jazz durante la Segunda Guerra Mundial y, con una guitarra en mano, adoptó como modelo al gitano Django Reinhardt. A fines de 1940 se instaló en Estados Unidos, en donde acompañó al saxofonista Charlie Parker. Este monumento del mundo del jazz tocó junto a Ella Fitzgerald, Quincy Jones, Bill Evans, Frank Sinatra, Ray Charles, Larry Schneider y Oscar Peterson.

Thielemans empezó su carrera como guitarrista con nada menos que Sídney Bechet , Charlie Parker, Miles David y Max Roach. Fue miembro de los Charlie Parker All Stars y grabó con músicos de la talla de la mencionada Ella Fitzgerald, Elis Regina, Stevie Wonder, Bill Evans, Billy Joel, Astrud Gilberto, entre otros más. Como compositor es creador de un estándar del jazz llamado Bluesette.

Ha estado en las bandas sonoras de películas tan emblemáticas como Desayuno en Tiffanys y Cowboy de Medianoche, y en la serie de TV Sesame Street. Hoy a sus 92 años es un icono viviente de la historia del jazz.

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Till Brönner: trompeta y seducción

Uno de los más conocidos artistas de jazz europeo a nivel mundial es el trompetista, cantante, compositor, arreglista y fotógrafo Till Brönner (1971, Viersen, Alemania). 

Muy relacionado con la creación norteamericana, en el transcurso de su trayectoria profesional ha tenido la ocasión de trabajar junto a Dave Brubeck, James Moody, Natalie Cole, Johnny Griffin, Tony Bennet o Ray Brow, además de trazar una triunfante trayectoria musical con discos superventas como el exitoso Chattin with Chet, un sentido y exquisito homenaje a Chet Baker, Oceana  o Rio, ambos con lujosas colaboraciones de intérpretes y cantantes internacionales como Madeleine Peyroux, Kurt Elling, Milton Nascimiento, Annie Lenox, Sérgio Mendes o Luciana Souza, entre otros.

At The End Of The Day, una colección de arreglos de clásicos del jazz, Till Brönner, disco homónimo con una concepción modernista, y su más reciente The Movie Album, son los últimos trabajos discográficos de una sólida y fructífera carrera desde que descubrió la música de Charlie Parker y se inició tocando en diversas orquesta escolares. 

Tras estudiar  trompeta en la Universidad de Música de Colonia, edita su primer disco Generations of Jazz (1993), un homenaje al hard bop tradicional, grabado junto con Ray Brown, Jeff Hamilton, Frank Chastenier y Grégoire Peters, que recibió numerosos premios, entre ellos el Premio de la crítica y Premio de la industria discográfica alemana. Como resultado del éxito, pronto comienza a tocar con los grandes nombres del jazz internacional.

En 2014, Brönner cumplió un sueño con la grabación de The Movie Album, publicado por el sello Universal Internacional y grabado en la ciudad de Los Ángeles con la participación de Gregory Porter, Joy Denalene y Arturo Sandoval, que incluye una amplia gama de temas de películas y canciones clásicas del cine de películas como Casablanca, Cinema Paraíso o El Padrino.

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Jacky Terrasson: no apto para puristas

Take This es el nuevo trabajo discográfico del pianista francés Jacky Terrasson, quien demuestra su versatilidad y virtuosismo innato en esta colección de temas que abarcan todas sus facetas. En el encontramos post-bop moderno, pop, hip-hop, ritmos y melodías clásicas, africanas y afro-caribeñas mezcladas.

En el álbum hay temas originales como el alegre Kiff, donde Sly Jhonson rememora a Al Jarreau. Clásicos recuperados de su primera época como el Un Poco Loco de Bud Powell, donde vuelve a demostrar que su virtuosismo y rapidez siguen intactas tanto al piano como al Fender Rhodes.

También figuran dos versiones del Take Five, de Paul Desmond, no aptas para puristas. Una llena de percusiones y sabor y otra más ‘blues’ con un Sly Jhonson que recuerda a Bobby Mc Ferrin y donde vuelve a usar el Fender. Un Come Together de Los Beatles intrascendente, donde vuelve a parecer la sombra de Jarreau. El momento más ‘jazzy’ de la sesión es con el Blue In Green de Miles Davis. Intercalados, dos nuevos temas propios: Dance que transporta a Cuba y November, una buena muestra de que Terrasson no ha perdido su maneras compositivas. El álbum no tiene desperdicio. 

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Blade y Muthspiel: maestría e innovación

Blade y Muthspiel: maestros del jazz.

El guitarrista austríaco Wolfgang Muthspiel se dio a conocer cuando ocupó el lugar de Pat Metheny en el grupo de Gary Burton (Cool Nights, GRP 1991). Luego vendrían colaboraciones con Paul Motian (Reincarnation of a Love Bird, JMT 1994), entre otras muchas y después la formación de su propio cuarteto y diferentes tríos. En 2000 funda su propia discográfica, Material Records.

Brian Blade ha demostrado tener, además de un gran instinto musical, unas impresionantes aptitudes para tocar la batería con maestría. Es considerado uno de los mejores ejecutantes de este instrumento en la actualidad. Esa evolución es absolutamente palpable en su debut discográfico con Blue Note bajo la formación autodenominada Brian Blade Fellowship.

En 1998, Brian y Jon Cowherd comenzaron a componer y grabar su propia música junto a la Fellowship Band, que también incluye al bajista Chris Thomas, a Myron Walden en saxofón alto y clarinete, a Melvin Butler en los saxos tenor y soprano y a Kurt Rosenwinkel en guitarra. Juntos han publicado tres álbumes, Fellowship y Perceptual bajo el sello de Blue Note, y Season of Changes, con Verve Records. 

Desde 2000, Brian ha sido parte de la Wayne Shorter Quartet con Danilo Pérez y John Patitucci, y ha tocado junto a una gran variedad de otros artistas como Kenny Garrett, David Binney, Wolfgang Muthspiel, Marc Johnson, Joni Mitchell, Bob Dylan, David Berkman, Norah Jones, Joshua Redman, Bill Frisell, Emmylou Harris, Dorothy Scott y Billy Childs, entre otros. 

El encuentro de dos músicos tan brillantes como son Brian Blade y Wolfgang Muthspiel no se produce todos los días. Al escuchar los improvisados diálogos del dúo, se descubre una cooperación musical ideal. Ya habían tocado juntos en diferentes contextos antes de embarcarse en su actual viaje. Formaron un trío con Marc Johnson, acompañaron al pianista estadounidense Mike Holober junto a John Patitucci y Tim Ries en dos de sus grabaciones, y colaboraron en otros proyectos como el debut de la cantante noruega Rebekka Bakken, el álbum Daily Mirror.

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Tres genios del flamenco jazz

Tres genios del Flamenco Jazz: Pardo, Carmona y Ruiz. 

Lo que van a ver es parte del ensayo del repertorio que Huellas Trío realizó en 2014: Jorge Pardo, Josemi Carmona y José Manuel Ruiz "Bandolero".

Fue un instante perpetuado en el tiempo por la grabación de Noah Shaye. Sin mezcla, ni masterización, sin artificios. Solo cruda interpretación, muy rica en los matices, totalmente acústico, totalmente directo, sin red, sin ataduras, sin complejos, solo la música, la inspiración y la pasión que dan como resultado esta particular versión del bolero Es la Historia de un amor, compuesto por del panameño Carlos Eleta en 1955.

Después de una extensa por España, Europa, India y Sudamérica, este atípico trío, que parte en origen de una formación del flamenco más tradicional, experimenta con las improvisaciones sobre músicas como el jazz, el bolero, el clásico o, incluso, temas de Los Beatles y, como no, con su profundo conocimiento del flamenco.

Jorge Pardo: De bagaje musical perpetuo, curioso, estudioso y apasionado de cualquier música que se ha cruza en su camino, fue galardonado por la Academie du Jazz Francesa como Músico Europeo del Año, por su álbum Huellas y sus más de treinta años expresando desde su propio leguaje y musicalidad. Alquimista junto a compañeros de generación del flamenco jazz, ha compartido escenario, giras y música con artistas de la talla de Camarón, Paco de Lucía o Chic Corea en teatros, salas y festivales de los cinco continentes.

Josemi Carmona: es un guitarrista proveniente de una de las sagas flamencas de más solera, "Los Habichuela". Compositor y productor de artistas como Estrella Morente o Niña Pastori, compagina estas facetas con la participación en este trío junto a Jorge Pardo, la banda del contrabajista Dave Holland y con sus propios proyectos musicales, aunque, sin duda, su mayor reconocimiento le viene por ser en los '90 el responsable del sonido del grupo Ketama. Su evolución musical continua incesante hasta nuestros días, habiendo sido nominado para los Latin Grammy por su álbum Las pequeñas cosas y descrito por Paco de Lucía como "uno de los mejores guitarristas de su generación".

Jose Manuel Ruiz "Bandolero": inició su carrera desde muy joven acompañando a figuras del baile como Antonio Canales, Joaquín Cortés o Sara Baras. Cajonero de primera generación, ha vivido en su propia carrera la evolución de los patrones rítmicos del flamenco sobre este instrumento, creciendo junto a él y desmenuzando la esencia de este instrumento hasta sus últimos confines. Desde entonces, multitud de artistas y proyectos han demandado sus servicios.

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Mark Murphy: se fue el verdadero cantante de jazz

Uno de los más célebres vocalistas de jazz, Mark Murphy, ha muerto a los 83 años de edad, después de un largo período de mala salud.

Murphy, que se caracterizaba por su inmensa habilidad para improvisar con la voz, era admirado por músicos y público a nivel mundial. Su influencia sobre cantantes masculinos y femeninas fue enorme, algo que, entre otros, reconoce personalmente hoy el aclamado vocalista de jazz Kurt Elling quien señaló hace un tiempo que la intensidad y el calor del estilo de Murphy es algo "para lo que no todos están preparados". Y la cantante Sheila Jordan ha dicho "Mark Murphy se desnuda  emocionalmente cuando canta". El propio Mark Murphy siempre dijo estar influenciado por el famoso Eddie Jefferson, especialmente en la técnica de improvisar.

Pero además de Jefferson, Murphy siempre dijo haber estado bajo la influencia de Nat King Cole, June Christy, Anita O´Day e incluso del pianista Art Tatum.   

Este vocalista fue nominado seis veces al premio Grammy, ganó en cuatro ocasiones el primer lugar en la categoría "mejor vocalista de jazz" de la revista Down Beat y recibió un sinnúmero de otros galardones y honores, habiendo publicado más de 60 álbumes en su carrera.

Entre ellos podemos destacar Rah! (otro clásico suyo que incluía a Bill Evans, Clark Terry y Wynton Kelly, entre otros grandes del jazz ), Nat King Cole Songbook Vol. I and II, Bop for Kerouac, Kerouac Then And Now, Living Room, Satisfaction Guaranteed, Beauty And the Beast, North Sea Jazz Sessions, Bop For Miles, Stolen Moments (con letra de Mark Murphy) y muchos otros, hasta su último álbum titulado A Beautiful Friendship: Remembering Shirley Horne, grabado en 2013.

En los últimos años de su carrera desarrolló un proyecto llamado "The Four Brothers" (Los cuatro hermanos) junto con los cantantes Kurt Elling, Jon Hendricks y Kevin Mahogany, colaborando igualmente con el trompetista alemán Till Brönner.

Mark Murphy será recordado como uno de los pocos verdaderos cantantes de jazz. 



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Omer Avital: puro y acústico

El bajista Omer Avital nació en una pequeña ciudad de Giv'atayim de padres marroquíes y yemenitas. A los 11 años empezó su educación formal, estudiando guitarra clásica en el Conservatorio de Giv'atayim. Al entrar, Talma Yalin, el líder israelí de Preparatoria para las Artes, Avital cambió al bajo acústico y empezó a estudiar y a hacer arreglos de jazz. A la edad de 17, empezó a tocar en diferentes bandas de jazz, pop y folk, así como presentándose regularmente en televisión nacional, radio y en numerosos festivales de jazz. Al cabo de un año en la Orquesta del Ejército Israelí, se mudó a Nueva York en 1992 donde empezó a tocar, grabar y a hacer giras profesionalmente.

En 2012 vio el lanzamiento de dos álbumes, uno con Aaron Goldberg y Ali Jackson, Jr. como Yes! Trio y otro, Suite Of the East, que fue recibido con aclamaciones de la crítica y fue nombrado mejor álbum del 2012 por TSF jazz. Avital sale de tour con muchos proyectos, incluyendo The Band of the East, un grupo que evolucionó de Suite of The East y cita influencias de música de África del Norte y del Medio Oriente. El grupo se conforma por Gregory Tardy, Jason Lindner, Daniel Freedman y el joven guitarrista Nadav Remez.

Su más reciente álbum, New Song, fue lanzado en los Estados Unidos el 4 de noviembre de 2014 por Motema Music. En el proyecto participan Avishai Cohen en la trompeta, Joel Frahm en el saxofón, Yonathan Avishai en piano, y Daniel Freedman en la batería.

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Chris Botti: un sonido mágico

Chris Botti, trompetista nacido en Oregon el 12 de octubre de 1962, ha ido logrando una reputación de músico versátil tanto en el jazz como en la música pop, por su habilidad para fusionar ambos estilos. Su sonido es fresco y hace alusión a aquellos sonidos que salían de la trompeta de Chet Baker, pero mezclado con Miles Davis. Se ha caracterizado por hacer sonar la trompeta de una manera muy suave con un sonido delicado y bien trabajado, a lo largo de su basta experiencia a pesar de su corta edad. 

Botti ha logrado volver a capturar a un público nuevo hacia los teatros y salas de conciertos, acercándolos a la esencia del jazz y del smooth jazz, llenando cada sitio donde se presenta.Además ha sido partícipe de numerosas colaboraciones con una gama muy amplia de artistas reconocidos en el medio, posicionándose como uno de los artistas mas solicitados de la actualidad.

Desde hace varios años, Botti también organizó un programa de radio llamado: Chill con Chris Botti, que se centró principalmente en la "frialdad" de música, que se describe como smooth jazz con un toque de jazz.  En el año 2007, fue nominado para dos premios Grammy incluyendo el de Mejor Álbum Instrumental Pop . El 4 de diciembre de 2009, fue nominado para tres Premios Grammy como Mejor Álbum Instrumental Pop y Mejor Video Musical Versión Larga. Tres de sus álbumes han alcanzado la posición número uno en el Billboard de Jazz Albums Chart.

Pocos trompetistas han tenido el éxito comercial de Botti, sin tener que abandonar un ápice la calidad artística ni la maestría en el dominio de un instrumento poco condescendiente y de difícil ejecución. También es cierto que pocos músicos contemporáneos han tenido la fortuna de toparse en el camino con músicos de la talla de Paul Simon o Sting, quienes fueron a la sazón los grandes impulsores de la destellante carrera profesional de este trompetista.

Desde el lanzamiento de su CD de 2004 When I Fall In Love, aclamado por la crítica, Chris Botti se ha convertido en el artista más vendido de jazz instrumental de América. Ha grabado y actuado con músicos como Frank Sinatra, Sting, Josh Groban, Michael Buble, Paul Simon, Joni Mitchell, John Mayer, Andrea Bocelli, Joshua Bell y Steven Tyler, de Aerosmith.

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Gene Krupa: el genio de la batería

El espectacular gene Krupa en la banda de Benny Goodman

Gene Krupa (Eugene Bertrand Krupa) fue uno de los bateristas más influyentes de la época del swing. Muchos le consideran un "showman", pero su depurada técnica, su sentido del ritmo y del swing, así como su entusiasmo musical son innegables. 

Sus primeras asociaciones fueron con Eddie Condon, Bix Beiderbecke, Red Nichols y Coleman Hawkins, pero se dio a conocer internacionalmente en la big band, sexteto y cuarteto de Benny Goodman. Apareció en un gran número de películas (entre ellas "Una Eva y dos Adanes"  --Some Like It Hot). Fue también compositor y director de su propia orquesta, que creó después de reñir públicamente con Goodman. Con ella tuvo grandes éxitos destacando a la cantante Anita O´Day y al trompetista Roy Eldridge. Posteriormente tuvo una segunda orquesta, más grande, que incluía cuerdas. 

Parte del éxito de Krupa radicó en la innovación de la batería como instrumento solista, al que sacaba todo el partido percusivo que pudo. Partiendo del redoble en caja, llevado hacia una total depuración y virtuosismo, Krupa fue capaz de reinventar esta técnica percusiva en todas las partes de la batería, fundamentalmente en los tom tom aéreos y en el timbal base, hasta los años treinta absolutamente desconocida.

Además, fue relevante el papel que Krupa adjudicó al baterista tanto en la big band como en los grupos de tres o cuatro componentes. Fue, qué duda cabe, el inventor del solo en la batería, al menos como una parte más de la pieza interpretada. Era claro que si los otros instrumentistas improvisaban, él también lo hacía, con la diferencia de que, para el público, eran mucho más llamativas sus improvisaciones que las de otros solistas.

Falleció en Nueva York el 16 de octubre de 1973 de un infarto a los 64 años.

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El big band de Maria Schneider se junta con David Bowie

La superdirectora de jazz maria Schneider con David Bowie

La célebre directora de orquesta, compositora, arreglista y pianista María Schneider ha grabado una versión "épica" de la composición Sue (Or In A Season Of Crime) con el legendario cantante británico David Bowie, quien ha dicho ser un gran admirador del jazz. La grabación, que ya está en el mercado desde hace un tiempo como un "single" de más de 7 minutos, fue dada a conocer hace meses en una "premier" de la radio 6 de la BBC, y sobre ella ya informamos en su oportunidad.

Esta no es la primera vez que un cantante "pop" se asocia con el jazz. Recientemente informamos sobre el último álbum de Lady Gaga y Tony Bennett. En el pasado Sting colaboró con Gil Evans, James Taylor con Michael Brecker, y una lista de otros cantantes con Herbie Hancock, para nombrar algunos.

Sue (Or In A Season of Crime) es una canción con mucha riqueza musical y con una producción brutal y está incluida en el recopilatorio Nothing has changed, con una clara "orientación jazzística", un género que el camaleónico artista de 67 años apenas ha tocado en sus cinco décadas de carrera.

Entre los pocos escarceos de Bowie con el jazz figura una colaboración con el guitarrista Pat Metheney en los años 80 del siglo pasado, si bien el sencillo resultante, This is not America, no se considera de ese estilo.

Maria Schneider, que además está a cargo de los arreglos de la canción, ha ganado numerosos Premios Grammy y es líder de una de las más relevantes big bands en USA. La canción cuenta con la colaboración de Donny McCaslin un saxo tenor solista y de Ryan Keberle, un reputado trombonista. Bowie compuso la letra de SUE y colaboró con Maria Schneider en la música.

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Lundgren, Galliano y Fresu: un trío de ensueño

Fresu, Lundgren y Galliano: inigualables.

El pianista Jan Lundgren nació en Kristianstad, en el sur de Suecia, en 1966. Se interesó por el piano desde muy pequeño, pues su padre lo tocaba de oído, y pronto fue enviado a clases particulares hasta que, a los ocho años, ingresó en la escuela de música de Ronneby.

En su corta discografía, el mejor disco para introducirse en la música de Jan Lundgren es Celebrating the Music of Matt Dennis: Will You Still Be Mine, un trabajo en formato de trío junto a Tom Warrington (contrabajo) y Joe LaBarbera (batería), editado en 2003 precisamente por un sello español, Fresh Sound Records. Como su título indica, se trata de un tributo al cantante, pianista y compositor Matt Dennis, autor de clásicos como Everything Happens to Me, The Night We Called It a Day o Angel Eyes, algunos de ellos hoy, por desgracia, un tanto olvidados. 

Richard Galliano nació en Cannes, Francia, en 1950. Es acordeonista, bandoneonista y compositor . Obtuvo en 1992 el premio Django Reinhard de la Academia de Jazz en Francia. Luego de un apasionante itinerario musical en 1966 y 1967 obtuvo el trofeo mundial otorgado por la Confederación Mundial del Acordeón. En 1970 el primer premio de bandoneón, colaborando con la mayoría cíe los intérpretes franceses: Claude Nogaró, Charles Aznavour, Barbara, Juliette Greco, etc. También con los graneles músicos de jazz Chet Barker, Toots Tielmans, Ron Carter, Martial Solai, Michel Portal y grandes compositores de música de películas. 

Paolo Fresu Fresu comenzó a tocar la trompeta en la banda local de su pueblo, Berchidda (Cerdeña), con la edad de 11 años, después de diversas experiencias musicales, descubre el jazz en 1980 y, dos años después, comienza a tocar para la televisión pública italiana, como alumno del contrabajista Bruno Tommaso. En 1982 es considerado el mejor talento jazz italiano por “Radio Uno Jazz”, “Musica Jazz” y “Radio Corriere TV”. En 1990 gana el premio “Top Jazz” de la revista “Musica Jazz” como mejor músico italiano, mejor grupo (Paolo Fresu Quintet) y mejor disco (“Live in Montpellier” ganó el premio Arrigo Polillo). En 1996 es declarado mejor músico europeo por la prestigiosa revista “Django d’Or” y, en el año 2000, es nombrado mejor músico internacional por la misma revista.

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Robert Glasper: el padre del hip-hop jazz

Glasper: amalgama de elementos sonoros.

El pianista norteamericano Robert Glasper tiene una particular visión del jazz. En sus grabaciones hay dosis de neo soul y hip hop en un intento de que sean fruto del siglo XXI. Es uno de los talentos más brillantes de la nueva generación de músicos que están llevando el jazz a una estimulante convivencia con el hip-hop, el R'n'B y el rock. Siguiendo la estela visionaria de Herbie Hancock, la música de Robert Glasper es una perfecta amalgama de varios elementos sonoros, que se fusionan en un estilo único lleno de energía y de la urgencia expresiva propia de las músicas urbanas. 

Cuando el pianista Robert Glasper llegó a la ciudad de New York y se dió a conocer en la escena del jazz, Ben Ratliff, del New York Times, le comparó con el mejor trío de pianistas existente, compuesto por: Jasón Moran, Bill Charlap y Brad Mehldau. Con el paso del tiempo Glasper decidió formar su propio trío para lanzar el álbum In My Element, convirtiéndose en una nueva revelación en el mundo del jazz y demostrando una madurez musical.

Poco a poco, Glasper fue aportando a sus discos un tono hip-hop, creando así una sensación de misterio y canciones de carácter individual. Pretendía abarcar la fusión del jazz/hiphop, introduciendo procesos de improvisación construídos en estudio. Grababa cientos de preludios y los escuchaba una y otra vez hasta encontrar el que mejor fluía. Robert Glasper se dedicó a preservar la música al mismo tiempo que la creaba, es un perfecto ejemplo de cómo llegar al corazón.

Hoy, Glasper reivindica el concepto de modernidad para la música que interpreta: "yo soy moderno por necesidad, porque entiendo el momento en que vivimos, porque es mi momento. Algunos dicen que soy un francotirador porque mezclo las cosas, pero el jazz era así al principio. Los músicos de jazz siempre han sido modernos. De hecho, puede decirse que el jazz es el padre del hip-hop".

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Esbjörn Svensson: una breve luz en el jazz

Esbjörn Svensson Trio (también conocido como EST) fue un grupo musical sueco cuyo estilo principal es el jazz. Se fundó en 1990. y estuvo formado por el líder y pianista Esbjörn Svensson (piano), Dan Berglund (bajo) y Magnus Öström (batería). EST era conocido por su innovador estilo y han tenido un gran reconocimiento mundial, tanto entre la crítica y expertos como de ventas.

Esbjörn Svensson (16 de abril de 1964 - 14 de junio de 2008) fue un pianista de jazz y fundador del grupo de jazz Esbjörn Svensson Trio. El 15 de junio de 2008 fallece, a los 44 años, el pianista, debido a un accidente mientras practicaba el buceo en un lago de Ingarö, a las afueras de Estocolmo.

Su nombre había resonado con fuerza los meses previos a su muerte desde Japón a EE UU, pasando por países europeos como Alemania, Francia y Reino Unido gracias a álbumes como Viaticum y Tuesday Wonderland.

Según su representante, Burkhard Hopper, Svensson era musicalmente "la luz que iluminaba al mundo porque lo que hizo fue romper barreras. Decía que se guiaba por la música que salía de su interior".

EST se convirtió en 2006 en el primer grupo europeo que saltó a la portada de la prestigiosa revista estadounidense de jazz Downbeat. Ganó destacados galardones, como el European Jazz Award y el Jazz Award de la BBC. Poco antes de la muerte de Svensson en 2008, había finalizado su duodécimo álbum, Leucocyte, publicado en septiembre de ese año.

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Eldar Djangirov: el nuevo genio del piano

Eldar Djangirov, mejor conocido como Eldar, es un pianista ruso-estadounidense, nacido en 1987, en la ex república soviética de Kyrgyzstán, pero creció en Kansas City, Estados Unidos, desde los 10 años. También vivió en San Diego, California, cuando era adolescente. Actualmente reside en Nueva York.

Djangirov ha sido varias beses comparado con Art Tatum, Oscar Peterson y Herbie Hancock; luce el estilo armónico expansivo de McCoy Tyner y la sensibilidad lírica de Bill Evans, Djangirov actuó en los Premios Grammy y fue honrado desde entonces como un auténtico artistas del jazz. Se ha presentado también en programas como el de Conan O'Brien, Jimmy Kimmel Live y Saturday Early Show y Sunday Morning, de CBS. 

Desde 2001 ha grabado 11 álbumes, siendo los tres más recientes Breakthrough (2013, Motéma Music), Bach / Brahms / Prokofiev (2013, Motéma Music) y World Tour Vol. 1 (2015, New Struggle Music). Es considerado el nuevo genio del piano. 

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Christian McBride: el jazz en estado puro

El contrabajista Christian McBride, un músico que llega mucho más allá del jazz y que ha participado en más de 300 sesiones de grabación. Ha tocado para números 1 del jazz del calibre de McCoy Tyner, Herbie Hancock, Pat Metheny o Diana Krall, y también para ídolos del pop y de la música negra como Sting, Paul McCartney, Celine Dion, Queen Latifah o James Brown. Es un tipo con contactos, ya se ve, pero no ha perdido su esencia: mantiene una big band que suena como las de Glenn Miller y Count Basie.

Ganador de cuatro premios Grammy, Christian McBride, nacido en Filadelfia, Pensilvania, en 1972), es considerado un virtuoso y además está casado con la cantante de jazz y educadora Melissa Walker, que dirige, con el consejo y la colaboración de su esposo, la Jazz House Kids, una escuela de jazz para críos en su ciudad Montclair, Nueva Jersey. Christian McBride vive la música desde niño, pues su padre, Lee Smith, y su tío abuelo, Howard Cooper, son bajistas conocidos en Filadelfia y sus primeros maestros.

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Avishai Cohen: de vuelta a lo básico

Avishai Cohen: estrella del contrabajo.

De Avishai Cohen ya les hemos hablado en el pasado, remarcando muchas de las virtudes de este portentoso bajista israelí que toca jazz con una maestría y brillantez espectaculares. Entre sus muchos puntos fuertes, uno de ellos es su versatilidad, su capacidad para ir tocando diversos registros e ir probando diferentes sonidos sin perder un mínimo de coherencia y de habilidad.

Incansable en su interés por seguir explorando todo lo que puede dar de sí su jazz, recupera nuevamente su formato trío junto al pianista Nitai Hershkovits y al batería Daniel Dor para volver a su cara más rudimentaria y clásica, el jazz que a muchos nos viene a la mente cuando escuchamos la palabra pero lo más minimalista posible. 

El álbum From Darkness no es sólo una muestra más de su sorprendente talento con el contrabajo, y también el de sus compañeros, sino también una completa colección de canciones llenas de sorpresas y matices que les dan un carácter individual pero que también ayuda a conformar un conjunto, que además es sólido y asombroso.

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McLaughlin y Santana lanzan álbum a dúo

Un álbum en vivo con colaboraciones entre las leyendas de la guitarra John McLaughlin y Carlos Santana será lanzado como un set de dos CDs por Eagle Rock Entertainment el 11 de septiembre- Invitation to Ilumination-Live At Montreux 2011 constará de pistas de audio con la actuación conjunta de ambos guitarristas en el Festival de Jazz de Montreux, celebrado en julio de 2011.

Santana y McLaughlin han sido asistentes habituales en el Festival de Jazz de Montreux desde la década de 1970. Pero su actuación en el festival de 2011 fue la primera vez en la que el dúo había encabezado un concierto desde que recorrieron el mundo para promover el álbum en tributo a John Coltrane Love Devotion Surrender.

En agosto de 2013, Eagle Rock Entertainment lanzó imágenes de alta definición desde el concierto en Blu-ray y DVD (también llamado Invitation to Ilumination-Live At Montreux 2011). El álbum cuenta con selectas canciones del concierto.

El concierto incluye la mayoría de las pistas grabadas en el Love Devotion Surrender, incluyendo A Love Supreme de Coltrane y Naima. También incluye canciones de otros muchos artistas que han inspirado al dúo lo largo de los años, como Led Zeppelin, Bob Dylan, Nina Simone y John Lee Hooker.

Otros músicos que aparecen en este conjunto de 16 pistas son los bateristas Cindy Blackman, de la grupación de Santana, y Dennis Chambers, el tecladista David K. Mathews, los bajistas Etienne M'Bappé y Benny Rietveld, los vocalistas, Tony Lindsay y Andy Vargas, el guitarrista Tommy Anthony y el percusionista Raúl Rekow. Claude Nobs (1936-2013), el fundador del Festival de Jazz de Montreux, toca la armónica en la canción Shake It Up And Go.

Eagle Rock Entertainment es una productora de conciertos y documentales para DVD y Blu-Ray y otros medios digitales. El documental de 2009 sobre The Doors, When You’re Strange, ganó un premio Grammy por Mejor Video Musical Versión Larga.

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