Diana Krall: Jingle Bells

Feliz Navidad y un 2013 con mucho jazz


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Dave Koz celebra la Navidad con su saxo.. imperdible

Feliz Navidad y un 2013 con mucho jazz



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Ella Fitzgerald y Dinah Washington se unen a la Navidad

Feliz Navidad y un 2013 con mucho jazz

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Chet Baker: Silent Night

Feliz Navidad y un 2013 con mucho jazz


Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Blue Moon: la nueva joya de Ahmad Jamal

Ahmad Jamal: a sus 82 años sigue ejecutando improvisaciones magistrales

Uno de los álbumes nominados al Grammy del Jazz 2013: Blue Moon, del pianista Ahmad Jamal (82 años). Blue Moon es muy probablemente, junto con el álbum anterior, una de sus obras maestras. El tiempo y el público lo dirán. Los nueve títulos del álbum, tienen resonancias que hacen recordar la era dorada de Broadway: Autumn Rain, Laura, Gipsy, Blue Moon, I Remember Italy (melodía deliciosa, cargada de lirismo y sentimiento) y Woody’n You (con un ritmo cristalino e intensamente contagioso). Todos los arreglos muestran la elegancia, el lirismo y la sofisticación de un fraseo vibrante, con mucho cool jazz neoyorkino.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Listas las nominaciones para el Grammy del Jazz

Kurt Elling: nominado en la categoría Mejor Álbum Vocal con '1619 Broadway'

Fueron anunciados los nombres de los músicos de jazz nominados a premios Grammy 2013 en distintas categorías de jazz. Entre ellos hay nombres conocidos como los de Chick Corea, Gary Burton, Pat Metheny, Arturo Sandoval, Kurt Elling y Ravi Coltrane, y otros. Los ganadores serán dados a conocer en la ceremonia de entrega, que tendrá lugar en Los Ángeles, el 10 de febrero de 2013. Estas son las principales categorías:

MEJOR SOLO IMPROVISADO:  Cross Roads, Ravi Coltrane. Hot House, Gary Burton & Chick Corea. Alice In Wonderland, Chick Corea. J. Mac, Kenny Garrett. Ode, Brad Mehldau.

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ INSTRUMENTAL: Further Explorations, Chick Corea, Eddie Gomez y Paul Motian. Hot House, Chick Corea y Gary Burton. Seeds From The Underground, Kenny Garrett. Blue Moon, Ahmad Jamal. Unity Band, Pat Metheny Unity Band.

MEJOR ÁLBUM VOCAL: Soul Shadows, Denise Donatelli. 1619 Broadway, Kurt Elling. Live, Al Jarreau. The Book Of Chet, Luciana Souza. Radio Music Society, Esperanza Spalding.

MEJOR ÁLBUM DE CONJUNTO GRANDE DE JAZZ:  Centennial: Newly Discovered Works Of Gil Evans, Gil Evans Project. For The Moment, Bob Mintzer Big Band. Dear Diz, Arturo Sandoval.

MEJOR ÁLBUM DE JAZZ LATINO: Flamenco Sketches, Chano Domínguez. ¡Ritmo!, The Clare Fischer Latin Jazz Band. Multiverse, Bobby Sanabria Big Band. Duos III, Luciana Souza. New Cuban Express, Manuel Valera.

También hay también las categorías de "Mejor composición instrumental", "Mejor arreglo instrumental", "Mejor álbum instrumental pop", "Mejor álbum tradicional pop", "Mejor arreglo para acompañar a vocalistas" y "Mejor álbum de blues", entre los que destacan Dave Koz, Michael Bublé, Chris Botti, Carol King, Gil Evans, Paul McCartney y Chris Brubeck & Dave Brubeck, entre otros.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Tony Bennett y Marc Anthony: For Once Of My Life

El legendario crooner y 17 veces ganador del Grammy, Tony Bennett, presenta su nuevo álbum, Viva Duets junto a las más grandes estrellas latinas. Viva Duets es su tercer álbum de canciones a dúo, siguiendo los pasos de sus producciones galardonadas Duets y Duets II que fueron acreedoras de discos de Platino por sus altas ventas.

En Viva Duets, Bennett interpreta sus grandes éxitos al lado de artistas ilustres de la música latina, incluyendo a Vicentico, Miguel Bosé, Gloria Estefan, Marc Anthony, Ricardo Arjona, Ana Carolina, Chayanne, Christina Aguilera,  Franco De Vita, Vicente Fernández, Maria Gadú, Juan Luis Guerra, Dani Martín, Romeo Santos y Thalía. Un proyecto verdaderamente internacional, este álbum tiene canciones en español, portugués, e inglés con artistas de ocho países y tres continentes.

Los primeros dos discos de duetos de Tony Bennett, Duets y Duets II, fueron galardonados con múltiples premios Grammy y llegaron a ser sus discos de mayor venta hasta la fecha. Bennett hizo historia con Duets II cuando en su semana de estreno llegó a ser No. 1 en ventas de álbumes según la revista Billboard. Con 86 años de edad, Tony Bennett es el artista de mayor edad de lograr tener un número uno. Duets también ha sido muy popular en otros países, llegando a la cima de las carteleras de éxitos en Portugal y México entre otros.

Vamos a disfrutarlo con el puertorriqueño Marc Anthony, en For One of My Life.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Hace dos años se fue James Moody, cultor del bebop

Hace dos años falleció el saxofonista James Moody, uno de los saxofonistas más brillantes del jazz. James Moody fue una institución en el mundo del jazz desde finales de la década de 1940 hasta principios del siglo XXI, sea como saxofonista, como flautista (fue uno de los primeros flautistas de jazz y es considerado como uno de los mejores) o como original showman al frente de su éxito Moody's Mood for Love. Poseedor de una extensa y selecta discografía, entre la que algunos críticos destacan títulos como Moody's Mood for Love (1956) o Don't Look Away Not (1969), James Moody es conocido asimismo por el original sentido del humor que mostraba sobre el escenario, una particularidad que aprendió de Dizzy Gillespie y con la que, junto a su talento, se ganó el favor de sus compañeros y de la crítica. Su sonido al saxofón, estuvo inspirado inicialmente por el gran Lester Young. 

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Wayne Shorter Quartet: sonido enigmático

Danilo Pérez, Wayner Shorter, John Patitucci y Brian Blade.

En este video podremos disfrutar del cuarteto de saxofonista Wayne Shorter, integrado por Danilo Pérez, en el piano; John Patitucci, en el bajo, y Brian Blade, en la batería. Se trata de cuatro músicos con varios años tocando juntos, presentándose en los más importantes escenarios. Su sonido es prácticamente una réplica del sonido de vanguardia, profundo, enigmático, que desde años explota el ex miembro del Weather Report, quien a sus 79 años mantiene intacta su calidad interpretativa con el saxo alto, su especialidad.

Los cuatro estarán presentes en el 10° Panama Jazz Festival, del 14 al 19 de enero en la ciudad de Panamá, organizado precisamente por Danilo Pérez y la fundación que lleva su nombre. Disfruten el video y las ejecuciones de estos cuatro colosos de la música.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Michel Camilo presenta 'Mano a Mano'

Lo que le presentaremos es el concierto del panista dominicano Michel Camilo en el Estival Jazz Lugano 2012, Suiza, presentando su más reciente trabajo titulado Mano a Mano. Esta nueva entrega de Michel Camilo supone la vuelta al formato que le vio surgir como músico, el trío.

Tras incursiones de alto riesgo e igual recompensa artística (flamenco, big band, piano solo, música brasileña), Mano a Mano es el reencuentro de Camilo y el genio de la percusión Giovanni Hidalgo; les acompaña al contrabajo el genial Charles Flores (habitual de Camilo).

El logro artístico vuelve a sorprender por su solidez, elegancia y versatilidad. Mano a Mano (EmArcy/Universal) es una combinación de originales y standards (The Sidewinder, Naima y Alfonsina y el Mar) en la que el trío de Camilo transita con igual perfección y maestría por los ritmos latinos, las baladas de profundo calado y la mágica interacción de un trío de jazz rindiendo pleitesía al género que le da nombre.

En el concierto que verán a continuación lo acompaña Lincoln Goines en el contrabajo y el mencionado Hidalgo en la percusión. Abran una botella de vino y disfrútenlo. No tiene desperdicio.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Pardo, Benavent y Di Geraldo: eclecticismo flamenco

Lo que van a escuchar fue grabado en directo en el Festival Etnosur de Alcalá La Real-Jaén, España, extraído del DVD Flamencos del Siglo XXI, a cargo de Carles Benavent, en el bajo; Tino Di Geraldo, en la batería, y Jorge Pardo, en la flauta.

Jorge Pardo, es uno de los instrumentistas mas consecuentes que tiene el jazz en España. Nacido en Madrid en 1956, a los catorce años comenzó sus estudios en el Real Conservatorio de Madrid. Desde muy pronto su carrera se orientó hacia el jazz y es uno de los músicos de jazz español con mayor proyección internacional.

De la discografía a su nombre hay que destacar hay que destacar sus discos para el sello Milestone y en especial el titulado 10 de Paco en 1995 y el titulado 2332 grabado al año siguiente y al que se une, además de su grupo habitual, el percusionista, Keyván Chemirami. En mayo de 2005, Jorge cambia de casa discográfica y firma con el sello almeriense "Manantial de Músicas", donde edita el disco Vientos Flamencos junto a sus amigos y compañeros de escenario, entre los que destaca, el armonicista, Antonio Serrano, el percusionista, Tino de Giraldo, el pianista y cantaor, Diego Amador, y el guitarrista jerezano, Juan Diego.

Carles Benavent, nacido en Barcelona, España, es un músico de flamenco y jazz que ha trabajado en los últimos años el llamado nuevo flamenco, especialmente desde su colaboración con Paco de Lucía, que dejó como muestra el impresionante Live in America (1993). En 2005 graba con Chick Corea, Steve Gadd, Vinnie Colaiuta, Hubert Laws, Airto Moreira, Hossam Ramzy y Tim Garland el disco The Ultimate Adventure, de la Chick Corea & Touchstone Band, con la cual sigue haciendo giras por los Estados Unidos, Europa y América Latina. En 2009 colabora en el nuevo disco del guitarrista italiano Flavio Sala, titulado De La Buena Onda.

Tino Di Geraldo nació en Toulouse, Francia, de padres asturianos, pero toda su carrera musical ha transcurrido en España. Es un baterista que aporta amplios conocimientos y una gran experiencia en su visión del compás, siempre a la búsqueda de nuevos timbres y patrones rítmicos y, además, forma parte del trío Benavent-Pardo-Di Geraldo, un grupo de concepto muy libre que se inspira en el jazz y en el flamenco, que van a ver a continuación.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Chick Corea & Gary Burton: Hot House

Chick Corea y Gary Burton presentan su más reciente colaboración, la producción Hot House. Ellos han sido amigos durante décadas grabando y tocado a dúo en innumerables ocasiones. El álbum incluye standards asociados con Tadd Dameron, Dizzy Gillespie, Art Tatum, Thelonious Monk, Los Beatles, Ira Gershwin y Antonio Carlos Jobim, lo que recuerda que ambos músicos tocaron con Stan Getz y fueron cautivados por el sonido del bossa-nova hace alrededor de 4 décadas. 

La primera reunión en público de estos dos músicos en 1972 fue accidental: estaban en un festival de jazz en Alemania y los organizadores pidieron a los músicos de distintas bandas que voluntariamente volvieran al escenario para una  sesión al final de la jornada. Al parecer todos estaban cansados y los únicos que accedieron retornar al escenario espontáneamente fueron Corea y Burton.  Lo que improvisaron en esa oportunidad fue tan impresionante que decidieron volver a hacerlo en un estudio para grabar su primer álbum a dúo, Crystal Silence. Desde entonces lo han seguido haciendo esporádicamente.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Sandoval: otro Grammy Latino en tributo a Gillespie

Disfruten de este largo reportaje a Arturo Sandoval, quien acaba de obtener el Grammy Latino 2012 por su álbum en homenaje a Dizzy Gillespie, titulado Dear Diz (Every Day I Think Of You). Extraordinario. Sin desperdicio.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Tony Bennett y Lady Gaga: The Lady Is A Tramp

 

La version del estándar de jazz, The Lady Is A Tramp, grabada por Tony Bennett con la colaboracion de Lady Gaga para su álbum Duets II fue lanzada en el 2011. Tras el single, Bennett hizo un dibujo de GaGa desnuda para la edición enero 2012 de la revista Vanity Fair, que era entonces una subasta por 30.000 dólares. El dinero recaudado fue para Exploring the Arts (ETA) y Born This Way Foundation.

La canción, que provocó una sensación parecida a Body And Soul, que el crooner cantó con la desaparecida Amy Winehouse, recibió criticas positivas por el talento vocal de Bennett y Gaga así como la simplicidad del video. Véanlo y disfrútenlo.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Brian Blade: soberbio y magistral

Brian Blade, nacido en Louisiana, EEUU, ha demostrado tener, además de un gran instinto musical, unas impresionantes aptitudes para tocar la batería con maestría. Esa evolución es absolutamente palpable en su debut discográfico, en 1998, con el sello Blue Note, bajo la formación autodenominada: Brian Blade Fellowship.

Este grupo lanzó su álbum debut en 1999 Perception. Mientras continúa trabajando con el Fellowship, Blade sigue siendo miembro del cuarteto más reciente de Wayne Shorter. Además continúa trabajando como músico de estudio y ha grabado y girado con Joni Mitchell, Bill Frisell, Norah Jones, Bob Dylan, Chick Corea, Chris Potter y Herbie Hancock. El proyecto de Fellowship es, sin duda, una de las mejores propuestas de calidad en el género, líderado por el -considerado por muchos- más grandioso baterista de jazz de los últimos años.

Vamos a verlo en el próximo video al lado del pianista Kenny Barron y el bajista Koyishi Kitagawa.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

La profundidad de Bobo Stenson

Bo Gustav Stenson, conocido como Bobo Stenson, nació en 1944 en Västerås, Suecia. Comenzó a recibir clases de piano clásico a la edad de 7 años. Su hermano, que tocaba la batería, le hizo interesarse por la música jazz durante su adolescencia.

En 1963 comienza a ser conocido, tocando con frecuencia en Estocolmo, donde acompañó a una larga lista de músicos visitantes estadounidenses como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton. También trabajó estrechamente con Don Cherry desde el principio de la estancia del trompetista en Escandinavia.

Stenson llegó al sello ECM con una amplia comprensión de los enfoques del piano moderno en el jazz, y co-dirigió una de las bandas más influyentes de la década de los 70, el Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet. Su asociación musical con el bajista Anders Jormin (nacido en 1957) data de la década de 1990, cuando tocaban juntos en los grupos de Don Cherry, Charles Lloyd y Tomasz Stanko.

Stenson fue elegido como miembro de la Royal Academy of Music en 2005 y fue galardonado con la Medalla de Litteris et Artibus 2006,

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Clark Terry, 91 años y con mucho skat

En su dilatada trayectoria, Clark Terry ha desempeñado una intensa actividad didáctica para lo que fundó una bigband formada por jóvenes músicos que le ha servido de laboratorio para desarrollar un estilo sutilísimo, moderno, lleno de swing y con una sonoridad a la trompeta, redonda y plena. Consumado maestro en el arte de la sordina, Clark Terry es un músico excepcional que logró sintetizar a la perfección, tradición y modernidad, por cuyos meritos aun no ha sido suficientemente valorados en el mundo del jazz.

En 2010, Terry recibió el premio Grammy en la categoría "Mérito especial", en reconocimiento a siete décadas destacadas de producción musical. En octubre de ese año recibió una ovación de pie, luego de que fuera invitado a Washington para tocar en la entrega de premios del concurso vocal del Thelonious Monk Institute, donde fue invitado para volver a tocar el año siguiente.

Vamos a disfrutarlo, con 91 años a cuestas, con Mumbles, un tema con mucho skat, que es como se denomina en el jazz el parafraseo de sonidos con la boca.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Marcus Miller: la más pura energía del jazz

Marcus Miller (14 de junio de 1959, Nueva York) es un músico, compositor y productor de jazz, sus trabajos más conocidos son como bajista en conjunto con el trompetista Miles Davis, Luther Vandross y David Sanborn. Miller estudió clarinete académicamente pero en sus temas a veces toca también el teclado, el saxofón, la guitarra y se destaca enormemente como bajista.

El bajista Marcus Miller hizo su primera aparición ante el público internacional cuando, junto al trompetista Miles Davis, compuso e interpretó el álbum Tutu, pieza clave del funk jazz de los 80. Tanto su slap (golpeo de cuerda) como su trabajo armónico y sus grooves de gran alcance, hacen de él uno de los músicos más destacados de las últimas décadas.

En su álbum más reciente, Renassaince, Marcus aporta "sabores" distintos a sus propias creaciones, entremezcladas con otras procedentes de repertorios diversos. El tema Cee Tee Eye es un tributo muy sentido y emotivo a una etapa que él conoce muy bien puesto que ha tocado con algunos de los músicos que pertenecieron a la firma CTI, liderada por el productor Creed Taylor, y a la que pertenecieron artistas de primer nivel como el saxofonista Grover Washington Jr., el pianista Bob James o el trompetista Freddie Hubbard. Setembro, por otro lado, es una composición del autor brasileño Ivan Lins y que se hizo muy popular en todo el mundo con la versión que Quincy Jone incluye en su disco Back On The Block (1989). Y además, Marcus realiza una interpretación extraordinaria en la que intervienen como vocalistas Rubén Blades y Gretchen Parlatto.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Dos gigantes: Chucho Valdés y Archie Shepp

Dos inmortales del jazz: Valdés y Shepp

Lo que van a disfrutar a continuación es un concierto realizado por el pianista Chucho Valdés y el saxofonista Archie Shepp en 2011, en una jornada extraordinaria que reunió a estos dos monstruos del jazz en el mundo, acompañados del Afro-Cuban Project.

Qué decir de Chucho Valdés que no se haya dicho. La calidad interpretativa de este gran pianista cubano ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de la Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico.

Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable, ha impartido conferencias magistrales en la Universidad de Banff en Canadá, la Real Academia de Música de Londres, Centro de Altos Estudios de los Ángeles y San Francisco en el estado norteamericano de California. Ha recibido cuatro premios Grammy: en 1978 con Misa Negra interpretada con el Grupo Irakere; en 1996 con Havana, disco coprotagonizado con el trompetista Roy Hargrove y una banda cubano-americana-portorriqueña; en el año 2001 por Live at the Vanguard Village, y en 2002 por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem que obtuvo la categoría del Premio Grammy Latino como Mejor Álbum Instrumental Pop.

En cuanto a Archie Shepp, a sus 75 años se le sigue conociendo especialmente por su música apasionadamente afrocéntrica de finales de los sesenta, con un fuerte compromiso con la denuncia de las injusticias sufridas por la raza negra. También es recordada su obra con los New York Contemporary Five, con Don Cherry, y sus extensas colaboraciones con sus contemporáneos vanguardistas Cecil Taylor y John Coltrane.

El saxofonista formó parte de la Jazz Composer's Orchestra junto con los músicos más grandes de la vanguardia jazzistica, entre ellos, Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley, Roswell Rudd, John Tchicai, etc, y en 1965 graba la que está considerada su obra maestra discográfica, el álbum Fire Music (Impulse!, 1965). En él sus solos son imprevisibles, era capaz de pasar del sarcasmo al lirismo absoluto, y de éste a la aspereza en un solo tema. Sus composiciones estaban dedicadas a las grandes figuras negras del movimiento conocido como "Black Power", entr ellas, Malcon X.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Michael Bublé: The More I See You

The More I See You es una de las canciones de jazz más populares, compuesta por Harry Warren, con letra de Mack Gordon. En 1966, Chris Montez interpretó la versión más conocida y más exitosa desde el punto de vista comercial, usada en inumerables películas, pero particularmente en el film Frantic (Búsqueda Frenética, 1988), de Roman Polanski, protagonizado por Harrison Ford. La versión de Montez fue la número 16 en el Hot 100 y estuvo cuatro semanas en el puesto número dos de la cartelera en la categoría Easy Listening.

La canción fue publicada en 1945 y cantada originalmente por el actor Dick Haymes en la película Diamond Horseshoe, y ha sido subsecuentemente interpretada por artistas de la talla del mencionado Chris Montez, Peter Allen, Chet Baker, Count Basie, Alma Cogan, Nat King Cole, Doris Day, Bobby Darin, Four Freshmen, Johnny Hartman, Julie London, Nancy Sinatra, Bard Mehldau, Nina Simone, Nancy Wilson y Michael Bublé, a quien van a disfrutar en el siguiente video, acompañado de la letra.

The more I see you,
The more I want you.
Somehow this feeling
Just grows and grows.
With every sigh I become more mad about you,
More lost without you,
And so it goes.
Can you imagine
How much I'll love you
The more I see you
As years go by?
I know the only one for me can only be you.
My arms won't free you;
My heart won't try.



Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Dave Holland sigue tan vigente como nunca

El pasado 1 de octubre cumplió 67 años el bajista Dave Holland, quien en los 90, fue parte de un tour mundial con Jack DeJohnette y su banda Parallel Realities, integrada por Herbie Hancock y Pat Metheny entre otros. Dave también tocó en el álbum Question And Answer, que fue nominado para ganar un Grammy como mejor álbum jazz. Regularmente aparecía como integrante del trío de Herbie Hancock y también tocó en el álbum de Joe Henderson So Near, So Far, que ganó el premio Grammy. Reunió un nuevo cuarteto con Steve Nelson, Eric Person, y Gene Jackson y las giras por Europa y los Estados Unidos estuvieron a la orden del día por un largo período. En 1995 grabó con su trío otro disco titulado Dream Of The Elders. El resto de ese año realizó tours con su propio grupo y como miembro del trío de Herbie Hancock y con Gene Jackson. 

En 1996, Holland estuvo muy ocupado en los estudios de grabación para tocar en tres álbumes que fueron nominados para los premios Grammy: Tales From The Hudson, de Michael Brecker, The New Standard, de Herbie Hancock, y The Child Within, de Billy Childs. En 1997 Dave Holland formó otro nuevo grupo, un quinteto en el que se destacaron Steve Wilson, Robin Eubanks, Steve Nelson y Billy Kilson, y con esa formación grabó Points Of View, en 1998.

El tercer milenio ha sido para Dave Holland de grandes logros para los aficionados del jazz. La mayoría de sus discos están grabados en el sello ECM, aunque desde el 2004 tiene contrato con EmArcy.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Ninety Miles: el encuentro de dos mundos

El álbum Ninety Miles (Noventa millas), liderado por David Sánchez, Stefon Harris y Christian Scott, tres extraordinarios y jóvenes músicos norteamericanos, se refiere a la distancia que separa las ciudades de Miami y La Habana. También es la distancia que separa dos modos de vivir y dos maneras de entender la música que el sello Concord Picante tuvo el acierto de producir. Es una especie de ‘all stars’ del joven jazz norteamericano visitando un país, Cuba, acompañados por los respectivos cuartetos de dos grandes pianistas cubanos Rember Duharte y Harold López-Nussa, que terminan creando una mezcla de jazz de altura con música cubana de primer orden.

El disco fue grabado por completo en La Habana y el repertorio lo conforman una mezcla de temas originales de dos de los ‘líderes’ del proyecto y de Rember Duharte y López-Nussa arreglados para la ocasión con mucho gusto.

David Sánchez está considerado por la crítica como uno de los mejores saxofonistas jóvenes del jazz contemporáneo. Este músico, nacido en Guaynabo, Puerto Rico, en 1968, fue iniciado en la música por su hermano, un aficionado a la percusión. Ha tocado con el grupo de Hilton Ruiz, Eddie Palmieri, la cantante Lunna y los salseros Roberto Roena y Mario Ortiz. Así mismo ha grabado con Arturo Sandoval y Charlie Sepúlveda. En 1999 fue nominado por primera vez al Grammy en la categoría Jazz Latino por el álbum Obsesión y posteriormente fue nominado con la grabación Melaza en el 2000 y Travesía en el 2001.En Puerto Rico su producción Obsesión fue distinguida por la Fundación Nacional para la Cultura Popular como una de las más sobresalientes de 1999.

Stefon Harris es un virtuoso y joven vibrafonista que hizo su debut discográfico en 1998 con el álbum A Cloud of Red Dust, para el sello Blue Note. En su todavía breve pero fructífera carrera ha destacado su colaboración con la cantante Cassandra Wilson, en el disco homenaje a Miles Davis, titulado Traveling Miles o en la colaboración con el saxofonista, Steve Coleman en el álbum, The Sonic Lenguaje of Myth y como colofón, la prestigiosa revista de jazz Down Beat le proclamó en 1999 como una de las promesas del jazz futuro.

Entre tanto, Christian Scott es un joven músico que ya ha tocado con grandes como el bajista Marcus Miller o Prince. Su moderna concepción al jazz le acerca a algunos estilistas de finales de los 60, como Miles Davis, Coltrane o Mingus; pero también Jimi Hendrix o Pat Metheny. 2006 fue el año en que empezó a dar guerra gracias a Rewind That (Concord), que en poco tiempo recibió múltiples alabanzas de la prensa especializada.

Lo que escucharán es La Fiesta Va, el noveno y último track del álbum.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Hace 14 años se despidió la diva Betty Carter

Hace 14 años falleció la diva del jazz Betty Carter, quien a sus 69 años estaba considerada como una de las más grandes vocalistas del jazz moderno. Su estilo era uno de los ejemplos más típicos de aquellas cantantes que usan su voz como si se tratase de un instrumento, sólo que en su caso la audacia con que alteraba la melodía o manipulaba el ritmo de cualquier tema hasta hacerlo irreconocible, la dotaba de una originalidad inigualable.

De entre todas sus grabaciones sin duda las más memorables son las registradas en directo, como el reciente "Feed The Fire" (1994) -con la pianista Geri Allen-, "Finally - Betty Carter" (1969), "At The Village Vanguard" (1970), y especialmente "The Audience With Betty Carter" (1979), reconocida como una de las obras maestras del género. La especial complicidad con la audiencia que lograba en sus actuaciones en vivo se asentaba en su fidelidad al espíritu de libertad de una concepción musical que nunca cedió terreno a la adulteración.

Un elogio mayor que el de los críticos o de su público provino de Carmen McRae quien dijo en una ocasión: "Realmente hay sólo una cantante de jazz, sólo una: Betty Carter". Se trata probablemente de la vocalista más innovadora de la historia del jazz, vinculada casi permanentemente a la vanguardia jazzística y con una tendencia constante a la improvisación y a la transgresión de los límites armónicos y melódicos de las canciones.

Una de sus últimas actuaciones en nuestro país tuvo lugar el pasado año dentro del discreto cartel del Festival de Jazz de Madrid.

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Ernán López-Nussa: fuerza interpretativa

Ernán López-Nussa es fundador del grupo Afrocuba, un artista que ha incursionado en diferentes géneros, con especial énfasis en el Jazz. Imprescindible pianista latinoamericano de los últimos tiempos, etiqueta y dibuja el sonido de un país que se expresa y alimenta con música. La zaga de su sonido consiste en el ensamble de una depurada academia tonificada con el acento cubano y los estilos y rítmicos de su elegante pianismo.

Su transparencia y sinceridad, lejana al efectismo efímero lo ha llevado a ser un clásico contemporáneo que recuerda los auténticos días en que la música era sólo para legítimos buscadores de joyas en el Jazz.

Señala López-Nussa que "el jazz tiene para mí algo diferente, y en cierta medida superior, a la música de concierto. Es que no tienes que ser un compositor para estar creando y creando y creando. No quiere decir que la música de concierto no sea creativa. Ahí está el reto de la música de concierto (...) en el jazz tienes la posibilidad de componer, si tienes esa virtud. Pero si no te mantienes al día de lo que está sucediendo con todas las transformaciones que se producen, pues vas quedando atrás".

Creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

La sorprendente energía de Dave Weckl

Dave Weckl es un verdadero fenómeno de la batería, lo ha demostrado durante años. Es uno de los bateristas más disciplinados que hemos visto en muchos años. Lo confirman sus largos "solos" de jazz progresivo, una tendencia que requiere de mucha precisión en la ejecución del instrumento.

Establecido como un nuevo héroe de la batería, Weckl empezó pronto a ganar posiciones tocando en numerosos clinics en todo el mundo. Su gusto por los estilos jazz más tradicionales le hicieron ganar un Premio Grammy junto a la Chick Corea Akoustic Band. Todo esto le dio a Dave la plataforma para hacer grabaciones a su propio nombre y llevar su propio grupo, la Dave Weckl Band.

Este sorprendente músico toca la batería Yamaha Phoenix Series, compuesta por sofisticados instrumentos, tales como: un bombo 22” x 18” con un pequeño agujero frontal para un sonido más amortiguado, una caja Dave Weckl signature 13” x 5” con casco de arce y dual strainer system, otra caja Dave Weckl signature 14” x 5.5” con casco de aluminio y dual strainer system, tom-toms de 10” x 8”, 12” x 8”, floor-toms de 14” x 13”, 16” x 15”, una mesa de mezclas digital Yamaha 01V para mezclar la batería y monitorizar todo el grupo en general, un Hipgig en pequeños eventos de jazz, baquetas Vic Firth Signature Dave Weckl y platos Sabian HHX series Evolution y Legacy Dave Weckl. Todo un arsenal.

En pocas palabras, que Dave Weckl se ha convertido en una marca musical en sí mismo. Disfrútenlo.

Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Donald Vega: el nuevo jazz latinoamericano

El sonido que van a escuchar a continuación es extraordinario por refrescante e innovador. Se trata del pianista nacido en Nicaragua, Donald Vega, una de las nuevas figuras del jazz, quien ha sido objeto de elogios por la prensa norteamericana, especialmente el New York Daily News, que califica su último álbum como "uno de los mejores". Se trata del disco Spiritual Nature, grabado por Vega con algunas estrellas que incluyen en su sólida sección rítmica a Christian McBride en contrabajo y Lewis Nash, batería. En distintas tracks del álbum agrega instrumentos de viento. 

Donald Vega estudió piano clásico hasta los 14 años de edad y cuando sus padres se trasladaron de Nicaragua a Los Ángeles comenzó a tocar jazz con Billy Higgins y Al McKibbon, entre otros. Luego realizó estudios de postgrado en la Manhattan School of Music y Juilliard, en Nueva York. En la actualidad ha estado tocando con Ron Carter quien ha señalado que Vega es "uno de los próximos grandes pianistas de jazz". Ha tocado también con Claudio Roditi, con quien grabó el álbum Bons Amigos. En 2008, Donald Vega lanzó su primer álbum como líder con el contrabajista David Grossman y el baterista Lewis Nash. Ha ganado competencias de jazz de Down Beaty de la Universidad de West Florida. 

Vamos a escucharlo con el tema Scorpion, del álbum Spiritual Nature.

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Diana Krall rinde tributo al fallecido Neil Armstrong

Tras el fallecimiento el pasado sábado del ex astronauta Neil Armstrong, héroe espacial de los Estados Unidos, la pianista y cantante Diana Krall le rindió un homenaje, interpretando el famoso standard Fly Me To The Moon, que se realizó el mismo día de la noticia del deceso en un concierto en el Hollywood Bowl, en Los Ángeles. Krall realiza actualmente una gira de conciertos por EEUU y Canadá, previa a su tour por Europa, para promocionar su más reciente álbum titulado Glad Rag Doll, que incluye temas como We Just Couldn't Say Goodbye, There Ain't No Sweet Man That's Worth The Salt of My Tears, You Know I Know Everything Made For Love, y el que le da título al álbum, entre otros.

Para la grabación de Glad Rag Doll, el número 14 en su discografía, la cantante tuvo la colaboración especial del renombrado productor T. Bone Burnett, del ingeniero Mike Piersante y del guitarrista Marc Ribot, quienes vinieron a darle un toque diferente a sus relajadas y gozosas ejecuciones al piano.

Glad Rag Roll, que saldrá a la venta a partir del 25 de septiembre bajo el sello Verve Records está compuesto por trece temas de los años 20 y 30 que han acompañado a la cantante y compositora desde su infancia, en la amplía colección de acetatos que pueden apreciarse en su casa y que ahora se presentan en una visión moderna.

En este álbum la acompañan: Marc Ribot (Guitarras eléctrica y acústica, bajo de seis cuerdas y banjo), T Bone Burnett (Guitarras), Howard Coward (Ukulele, Mandolina,  Guitarra, Armonías vocales), Jay Bellerose (Batería), Dennis Crouch (Bajo), Bryan Sutton (Guitarras), Colin Linden (Guitarras, Dobro) y Keefus Green (Teclado, Mellotron). 

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Michel Camilo: "A Night in Tunisia"....¡explosivo..!

Michel Camilo, dominicano, un excepcional pianista, considerado entre los mejores del jazz. Escúchenlo con su versión de "A Night in Tunisia". Sus influencias son amplias, desde Art Tatum, Oscar Peterson y McCoy Tyner -cuya música le llevó al jazz- hasta Chick Corea, Bill Evans, Ahmad Jamal, Sonny Clark, Keith Jarrett y Erroll Garner (que se puede apreciar en sus álbumes). Y también la música clásica -desde Beethoven a Chopin, Debussy o el compositor cubano Ernesto Lecuona. En el 2010 la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) le otorgó el titulo Honoris causa por su excelente trayectoria musical. Pulsen el reproductor de abajo.

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Gabin: sonido mediterráneo

Gabin (Gaban, en francés) es una banda de música de jazz new age, de origen italiano, conocida en el mundo por su tema Doo Uap, Doo Uap, Doo Uap, ampliamente pegado en el mercado europeo en 2003. Se trata de un dúo de nacionalidad italiana que nació a principios del nuevo milenio como la unión entre Filippo Clary y Max Botini. Ellos escogieron el nombre del grupo en honor a su actor preferido de los ‘30s, el francés Jean Gabin.

La compañía que los contrató para producir sus trabajos en su debut fue Astralwerks. El disco en sí llevó el nombre de la banda y contaba con un estilo realmente particular. Una especie de mezcla entre los sonidos de las películas de los 30's de Gabin, junto con Electro Jazz, French Pop y Chill Out. Además de esto, la combinación de voces de artistas como Ana Carril Obiols, Mano Negra y Joseph Fargier le dieron un toque mediterráneo inconfundible.

Luego vino su segundo álbum, conocido como Mr. Freedom. En él intervinieron artistas de jazz como Dee Dee Bridgewater (dos veces ganadora del Grammy) Edwyn Collins, China Moses y Jho Jenkins, entre otros. La mezcla de este jazz nuevo con sonidos típicos de los ‘60s no hace otra cosa más que demostrar que estos mezcladores sí que saben lo que hacen.

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Caravan Palace: electroswing y sabor

Esto que van a ver es fenomenal. Se trata de Caravan Palace, una agrupación de jazz gitano y electro swing francés, asentada en París. Con un estilo musical años veinte realmente llamativo mezclado con música electrónica, su electroswing es bailable como pocos. La banda está compuesta por Sonia Fernandez Velasco (voz y clarinete), Arnaud Vial (guitarra), Hugues Payen (violín), Camille Chapelière (clarinete), Charles Delaporte (contrabajo) y Antoine Toustou (sonido electrónico y trombón), todos los elementos necesarios para un buen sonido swing. Son unos verdaderos virtuosos y artistas en escena.

Esto es una verdadera explosión de sonidos. No tiene desperdicio. Es de lo nuevo y bueno surgido recientemente del escenario musical europeo. Vamos a escucharlos con el tema Café de la danse.

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Caro Emerald: el más reciente Nu-Jazz europeo

Caro Emerald es una cantante de música jazz holandesa que hizo su debut musical como solista el 6 de julio de 2009 con el sencillo Back It Up. Con su música inspirada en Michael Jackson, Prince, Eva Cassidy, Amy Winehouse, Aretha Franklin, etc, Caro Emerald saltó a la fama del Nu-jazz con el mencionado sencillo, escrito por los productores y escritores holandeses Jan van Wieringen y David Schreurs, además del afamado escritor canadiense Vince Degiorgio, escritor que previamente trabajó con grupos como A-Teens, 'N Sync y Atomic Kitten. Emerald fue invitada a grabar el demo en mayo del 2007, y posteriormente añadió la canción a sus propio repertorio, para finalmente darla a conocer en un show televisivo transmitido por el canal holandés AT5.

La presentación oficial de este primer sencillo (Back it up) por parte de Grandmono Records fue el 6 de julio de 2009. La canción alcanzó el Top 40 dentro de las listas holandesas (Dutch Top 40). Escuchémosla con  dos temas: Close To Me y Riviera Life.

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Brian Bromberg: Compared To That

Brian Bromberg nos ofrece su nueva producción Compared To That, que se compone de un total de diez temas completamente inéditos. Señala No Solo Smooth Jazz que una de las características de este nuevo álbum de Brian Bromberg es la inclusión en el mismo de temas largos. De esta forma nos encontramos con composiciones como Rory Lowery, Private Eye, Hayride, A Little New Old School, I´m Just Sayin´, Compared To That o The Eclipse, cuya duración supera los siete minutos, llegando incluso a los casi diez minutos, como es el caso del tema Rory Lowery, Private Eye.

Esto sin duda es una gran noticia para los que disfrutamos de la interpretación musical de Mr. Bomberg. Entre los temas de menos duración destacan Forgiveness, Does Anybody Really Know What Time It Is?, Give It To Me Baby y el tema titulado If Ray Brown Was A Cowboy?, con el que Brian Bromberg quiere rendir tributo al bajista Ray Brown fallecido el día 2 de Julio del año 2.002. Una de las novedades de este nuevo trabajo de Brian Bromberg es que se adentra en el género musical del Country con el tema Hayride en el que cuenta con el banjo del músico Belá Fleck.

Al igual que en sus discos anteriores, el compositor y bajista cuenta con la presencia de una vigorosa sección de metal en la que nos encontramos a Tony Guerrero, Willie Murillo, Jason Thor, Vince Trombetta y Mark Visher. Esta impresionante sección de viento es reforzada por el trompetista Randy Brecker y por el saxofonista Gary Meek. Una de las novedades que pretende introducir el bajista en su nuevo trabajo discográfico es que los temas sean más orquestados y que la sección de cuerda sea sobresaliente, para ello no duda en contar con The Rising Sun Orchestra procedente de la ciudad japonesa de Tokyo. A esta ambiciosa producción discográfica se suman los pianistas y teclistas Jeff Lorber, Tom Zink, George Duke y Mitch Forman, el organista Larry Goldings, el violinista Charlie Bisharat, el guitarrista Gannin Arnold, el batería Vinnie Colaiuta y el percusionista Alex Acuña.

Brian Bromberg es en la actualidad y, sin ningún género de dudas, un virtuoso y uno de los mayores exponentes a nivel técnico tanto del bajo eléctrico (también en su versión fretless) como del contrabajo. Es un músico capaz de desenvolverse con igual soltura en géneros tan diversos como el jazz, el funk o el jazz fusion, y uno de los pocos bajistas que han sido capaces de aplicar con éxito la técnica del tapping a dos manos, popularizada por Stanley Jordan en la guitarra, al bajo eléctrico. Además, Bromberg exhibe un dominio técnico casi absoluto en todas y cada una de las facetas de ambos instrumentos, lo que lo convierte, actualmente, en uno de los músicos de sesión más versátiles y respetados del mundo. Escuchémoslo con el tema Give It To Me Baby.

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Una hora con los Yellowjackets... disfruten!

En mayo de 2008, la histórica banda de jazz fusión, Yellowjackets, realizó su 20° trabajo, titulado Lifecycle, para el sello HeadsUp International. Lifecycle cuenta con la colaboración del guitarrista y compañero de sello Mike Stern, haciendo la primera grabación en quince años de los Yellowjackets con guitarra (Run For Your Life de 1994 había contado con Robben Ford en el tema Even Song). El álbum fue nominado para un Grammy 2009 en la categoría "Best Contemporary Jazz Album". Russell Ferrante fue también nominado en la categoría de "Best Instrumental Composer" por el tema Claire's Closet.

La banda nació en 1979 cuando el cantante y guitarrista, Robben Ford, reunió a un grupo de veteranos músicos de estudio para grabar en el sello Wea, el álbum The Inside Story. Entre ellos estaban el pianista Russel Ferrante y el bajista Jimmy Haslip, quienes hoy integran la banda junto al saxofonista Bob Mintzer y el baterista Will Kennedy.

En la música, las bandas van y vienen. Pero también hay bandas estables que se mueven hacia delante y con mucha fuerza en la escena musical del Jazz. Los Yellowjackets son un claro ejemplo de ello.

En 2011 celebraron sus 30 años de carrera, con el álbum Timeline, Ese año realizaron un concierto en Alemania, que es el que van a disfrutar. Los temas que ejecutarán son:

  0:00 - Spirit of the West
  8:29 - Red Sea
17:55 - Tenacity
25:28 - Clara's Song
32:32 - Green House
43:38 - Why Is It
53:48 - Revelation

Pónganse cómodos, pongan la pantalla grande de su computadora y disfruten una hora con esta excelente banda.



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Chris Potter: saxo, fuerza y vanguardia

Chris Potter es uno de los saxofonistas más vistosos de la actualidad, por la fuerza que imprime a sus interpretaciones. Potter es un músico de vanguardia, artista de culto, con una magistral capacidad para asumir los retos de las nuevas tendencias del jazz.

Después de tocar con Marian McPartland en una grabación para Concord en 1993, In my life, el aventurero saxofonista se convirtió en un miembro sorprendente de lista de Concord, finalmente grabando cinco álbumes para esta compañía, así como el mencionado dúo con Werner. Su último trabajo con Concord (Vértigo, 1998), fue nombrado uno de los diez mejores trabajos por Jazziz y The New York Times.

Chris también actuó con los nominados a los Grammy, Steely Dan, álbum de oro Two against Nature, y se fue de gira con ellos en 1994, de lo cual se extrajo un CD en directo, Alive in America.

Potter recibió su propia nominación a los Grammy como Best Instrumental Jazz Solo por su trabajo con Joanne Brackeen, Pink Elephant Magic. Y el destinatario más joven que nunca haya recibido el premio anual Danish Jazzpar.

Aunque ha actuado extensamente con el increíble bajista y compositor Dave Holland en varios conjuntos, Potter ha estado actuando alrededor del mundo con sus propios grupos desde que lanzara Gratitude a principios de 2001. Actuó por toda Europa (incluido París, Londres, Florencia y el North Sea Festival), Canadá (festivales en Montreal, Toronto y Vancouver) y en los mejores clubes de Estados Unidos así como una colaboración en el Monterrey Jazz Festival.

Vamos a escucharlo con su más reciente trabajo titulado Underground.

 


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Vijay Iyer: enérgico y multicultural

Vijay Iyer es un pianista norteamericano, nacido en Nueva York (1971), de padres indios tamiles que se mudaron en 1964 buscando mejor vida en los Estados Unidos, aprovechando entonces un cambio en las leyes de inmigración de ese país para  inmigrantes no occidentales. Entre sus influencias figuran Thelonious Monk, Duke Ellington, John y Alice Coltrane, Randy Weston, Sun Ra, así como una gran cantidad de compositores contemporáneos, un montón de hip-hop, soul, rock y música electrónica, percusión africana, y la música de la India.

Vijay es un talento con un estilo enérgico, donde se puede apreciar el cruce de influencias rítmicas de oriente y occidente. Es un músico que domina el piano y el violín, entre otras facetas. Se puso a tocar el piano de oído de muy joven, no mucho después de empezar con clases de violín, aunque fue el primero el que escogió como su instrumento más personal y más liberador. Vijay explica la diferencia entre ambos: "El piano es polifónico y puede ser percusivo o lírico. El violín es melódico y puede sonar muy molesto a veces". Es un artista inquieto, culto y pegado a su época, que se siente atraído también por la electrónica y la programación musical.

Vamos a escucharlo con el tema Galang, del álbum Historicity, nominado al Grammy en 2010 como Mejor Álbum de Jazz Instrumental, y seleccionado Álbum del Año por muchas publicaciones, entre ellas Downbeat Magazine, la Encuesta Anual de Críticos de Jazz de Village Voice, The New York Times y Los Angeles Times. Su trío, compuesto además por el baterista Marcus Gilmore y el bajista Stephan Crump, obtuvo el Premio Jazz Echo 2010 (considerado el Grammy alemán) como Mejor Ensamble Internacional. Además ese año fue nombrado Músico del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz. El video fue grabado por Daragh McCarthy.

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Stacey Kent: dulce y exquisita

Summer Samba (o So Nice, o por su título original en portugués Samba de Verão) es un tema compuesto en 1966 por el compositor Marcos Valle, con letra en inglés de Norman Gimbel; la letra original en portugés llegó de la mano de Paulo Sérgio Valle, hermano del compositor.

La canción fue la primera popularizasa por el trío de Walter Wanderley en 1966, en el álbum Rain Forest, con el cual alcanzó Disco de Platino en 1970, e igualmente varias carteleras en la categoría Easy Listening del hit parade estadounidense con versiones de Johnny Mathis, Vikki Carr y Connie Francis, en el mismo año. De hecho, las tres diferentes versiones estuvieron en las carteleras de la revista Billboard al mismo tiempo en 1966.

Allmusic señala que la versión de Wanderley es considerada el bossa nova mejor acabado después de Garota de Ipanema, y fue la más vendida en los Estados Unidos, alcanzando el puesto Nro. 26 en la cartelera de los Hot 100 de Billboard en 1966. Aún sigue siendo favorita en las estaciones de radio de la categoría Adulto Contemporáneo.

Otras notables versiones son las de Astrud Gilberto y Bebel Gilberto, ambas muy usadas en programas de televisión y en muchas canpañas publicitarias. En el año 2000 la canción fue grabada por más de 180 artistas alrededor del mundo.

La versión que van a escuchar es de la novísima cantante Stacey Kent, quien comenzó su carrera a comienzos de los 90's, cantando regularmente en un popular nightspot, el londinense Café Boheme del Soho. El 31 de marzo de 2009 recibió, de manos de la Ministra de cultura francesa Christine Albanel, la Ordre des Arts et des Lettres, una condecoración del gobierno francés como reconocimiento a su contribución a las artes. La cartelera de jazz semanal europea JazzWeek la ubicó la primera semana de julio de décima entre los diez artistas más escuchados, con su álbum Dreamer In Concert.

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Nikki Yanofsky: un prodigio de tan sólo 18 años

El nombre de esta joven es Nikki Yanofsky y cuenta con tan solo 18 años. Es canadiense y es un prodigio de cantante. Sin embargo, ya es una de las vocalistas de jazz más reconocidas por el público y la crítica. Su estilo es convencional, soft, agradable, tradicionalista, ortodoxo. Canta preferentemente standards. No experimenta, tampoco intenta ser vanguardista. Después de todo, ¿qué más se le puede pedir a una casi niña que bien podría haber optado por la música pop y el facilismo comercial?

Se hizo famosa a partir de su debut en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, en 2006, cuando sólo tenía doce años de edad (nació el 8 de febrero de 1994, en Montreal, Canadá), para ser la artista más joven que se haya presentado en dicho festival a lo largo de su ya añeja historia.

Su primera grabación la hizo para Verve Records, con una participación en el álbum We All Love Ella: Celebrating the First Lady of Song (2007), con la canción Airmail Special. Con ello, se convirtió en la cantante más joven en haber grabado para esa prestigiada marca disquera, una de las más importantes del jazz. Un talento al cual hay que seguir desde este instante.

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"La Chica de Ipanema" llega a los 50 años

Helô Pinheiro: la Chica de Ipanema, antes (18 años) y hoy (67 años).

El clásico Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema) cumple este año cinco décadas, desde que fue compuesto por Vinícius de Moraes y musicalizado por Antonio Carlos Jobim. La canción, que ha sido interpretada por cientos de artistas y en diferentes estilos rítmicos a lo largo de los años, fue compuesta originalmente para una comedia musical, en 1962, y se convirtió en una de las melodías más reconocidas de Brasil.

La canción, compuesta en 1962, iba a ser titulada Menina que passa, pero finalmente tuvo su nombre por el que se hizo conocida, inspirada en la entonces joven Helô Pinheiro, quien hoy es toda una señora de 67 años, que retiene buena parte de la belleza que hace medio siglo sedujo a los músicos Vinicius de Moraes y Tom Jobim, quienes pensando en ella y en sus paseos por Ipanema compusieron la célebre canción 'Mira que coisa mais linda', ya convertida en un himno de Brasil.

Corría el año 1962 cuando Vinicius y Jobim dedicaban varias horas al día a beber whisky en el Bar do Veloso, en la antigua calle Montenegro de Ipanema (hoy Vinicius de Moraes), en Río de Janeiro, desde donde espiaban el «dulce balanceo» de las caderas de esa jovencita cuando iba a la playa o hacía recados para sus padres.

La 'garota' icónica es ahora una empresaria que a sus 67 años conserva la frescura, espontaneidad y elegancia que fascinó a los maestros de la música brasileña medio siglo atrás. Y que hoy recuerda cómo Jobim llegó a pedirle «varias veces» que se casara con él a pesar de los 18 años de diferencia entre ambos. Pinheiro escucha la canción cada vez que suena su teléfono móvil cuando recibe llamadas.

La canción es uno de los íconos del bossa nova, ritmo brasileño que se emparentó para siempre con el jazz, cuando alcanzó su internacionalización. Formó parte del emblemático álbum Getz/Gilberto, de 1964, donde intervienen en lsaxofonista Stan Getz, Joao Gilberto y Astrud Gilberto. 

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Brad Mehldau Trio vuelve a la carga con "Ode"

Esto es lo más reciente de Brad Mehldau Trio, el álbum Ode y el tema M.B., en homenaje al fallecido Michael Brecker. El álbum es el primero grabado en estudio por el trio desde 2005 y contiene 11 temas originales compuestos por Mehldau. Disfruten, con toda atención posible, de este excelente pianista de las nuevas generaciones, con su trio, acompañado del bajista Larry Grenadier y el baterista Jeff Ballard.

Aunque los once temas son composiciones originales del propio pianista, no es hasta la ejecución definitiva de las piezas con la aportación de todos los músicos cuando Mehldau considera que han tomado la dirección correcta. Una forma de improvisación “aparentemente dirigida”, de composición sobrevenida, “in motion”, que no deja ni mucho menos al compositor en un nivel inferior.

Para Mehldau, Ode no es un tratado de teoría cuántica en el jazz sino que tiene una naturaleza perfectamente lírica. Cada pieza ha sido concebida con la mente puesta en un personaje o situación concreta que de una u otra manera ha influido personalmente en su creador. En cada una de ellas Mehldau ha procurado dejar un rastro sutil o no que reconoce al homenajeado. La que abre el disco por ejemplo, M.B., está dedicada al gran Michael Brecker, viejo mentor espiritual, con el que el propio Mehldau tuvo la fortuna de tocar poco antes de su muerte. Kurt vibe apela a la densidad narrativa del guitarrista Kurt Rosenwinkel y escrita pensando en cómo la compondría y tocaría él mismo. O Eulogy for George Hanson, sobre el personaje que hacía Jack Nicholson en Easy Rider y cuya muerte supone una impagable metáfora – de la que Mehldau se sirve nuevamente con esta pieza oscura– sobre el final del sueño de los 60.

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Double Exposure: lo más reciente de John Pizzarelli

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Chet Atkins: sonido inconfundible

El 30 dejunio de 2001 falleció el connotado guitarrista Chet Atkins, uno de los más influyentes del género de jazz en los últimos 40 años. Es uno de los casos más admirables, por sus inicios autodidactas. Pero su carrera estuvo llena de gloria y grandes episodios musicales. Atkins hizo sus propios discos que, por lo general, tomaban normas de pop y de jazz, en un estudio propio sofisticado en su casa, a menudo grabando las pistas de ritmo en la radio RCA, pero añadiendo sus partes de solo en casa, refinándolo todo hasta que el resultado lo satisficiera. Los guitarristas de todos los estilos llegaban de todas partes para admirar sus álbumes debido a sus ideas musicales únicas y en algunos casos, sus ideas electrónicas experimentales.

En este período Atkins se hizo conocido internacionalmente como Mister Guitar (Señor Guitarra), que es también el nombre de uno de sus álbumes. Su marca registrada para tocar, "el Estilo de Atkins", es muy difícil de dominar para un guitarrista. Consiste en usar el pulgar y los primeros dos -a veces tres- dedos de la mano derecha. Atkins desarrolló este estilo al escuchar a Merle Travis de vez en cuando de una radio primitiva. Él estaba seguro de que nadie podría tocar esto articuladamente con solamente el pulgar y el índice (que en realidad era exactamente como Travis lo tocaba) y asumió que para esto se requerían el pulgar y dos dedos. Así llegó al estilo que él promovió y dominó.

Vamos a escucharlo junto al bajista Stanley Jordan con el tema Stardust (Hoagy Carmichael, 1927).

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Modern Jazz Quartet y su inolvidable 'Django'

Tal día como hoy, en 1953, el Modern Jazz Quartet (MJQ) lanzó al mercado su inmortal álbum Django, un trabajo discográfico que se convirtió en un emblema del grupo liderado por John Lewis, interpretado en innumerables conciertos alrededor del mundo. 

The Modern Jazz Quartet desarrolló su carrera entre 1952 y 1993. Representante del estilo cool y vinculado a la Third Stream, sus integrantes originales fueron Milt Jackson (vibráfono), John Lewis (piano y director musical), Percy Heath (bajo) y Kenny Clarke (batería); Connie Kay reemplazó a Clarke en 1955.

Escuchémoslo con el tema Django. 

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Lagrène y Luc: dos guitarristas sorprendentes

Aquí les ofrecemos a dos de los más grandes guitarristas de jazz del momento: Biréli Lagrène y Sylvain Luc. El primero lleva varios discos (un total de casi 22 propios y numerosas participaciones en grabaciones de otros), y recientemente decidió regresar a sus raíces gitanas formando su banda Gipsy Project, con la que trabaja hoy en día. Con esta banda, ha regresado al espíritu de Django Reinhardt, revisitando los clásicos del maestro belga, pero con grandes toques personales, además de interpretar su propia música con el aire vertiginoso y gitano de sus orígenes.

Por su parte, Luc fue un niño prodigio de la guitarra que ha tenido tal vez una carrera más irregular pero exhibe una técnica envidiable que lo ha convertido en una referencia inexcusable en el jazz francés.

El tema del video, Sunny, es parte de álbum Best Moments (Dreyfuss/Karonte, 2012) que recoge once canciones que estos guitarristas grabaron en dos sendos trabajos conjuntos: Duet (2000) y Summertime (2009).

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Retrospectiva de Thielemans con los gigantes del jazz

El sello Out Of The Blue lanzó recientemente al mercado un CD doble, Yesterday & Today, con una selección de temas que ilustran la extraordinaria carrera artística del músico de jazz belga Toots Thielemans quien, en los años 40 comenzó tocando con Benny Goodman, Charlie Parker, Miles Davis y Max Roach. La retrospectiva abarca seis décadas de la carrera del virtuoso de la armónica (Thielemans es también un excelente guitarrista y posee la habilidad de silbar melodías e improvisar con silbidos, algo poco común en el jazz). 

En los años 50 fue uno de los grandes exponentes del bop y su destreza en la armónica hizo que sus frases musicales y solos se compararan con aquellos de Charlie Parker. En el primer CD aparece tocando guitarra á la Charlie Christian, en 1946, con una big band. Pero en la mayoría de los tracks toca armónica, entre otros con el quinteto de George Shearing en 1953 y con Hank Jones en 1958. También hay grabaciones con Zoot Sims, Ella Fitzgerald, McCoy Tyner, J.J. Johnson, Richard Davis, Elvin Jones, Herbie Hancock, Ron Carter, Bucky Pizzarelli y Elis Regina, de los años 60. El segundo CD está dedicado principalmente a su trabajo en los años 70 y 80, con Quincy Jones como su productor musical. Toots Thielemans obtuvo en 2009 el título NEA Jazz Master, el de mayor prestigio en EEUU para músicos de jazz y su discografía supera el medio centenar de álbumes.

El barón belga Jean-Baptiste Frédéric Isidor -"Toots"- Thielemans es autor del estándar del jazz, Bluesette, en el que usó su silbido y una guitarra al unísono. El tema se convirtió en un éxito mundial en 1962 y su popularidad no ha decrecido con el paso de los años.

Como intérprete de armónica, Thielemans puede ser escuchado en bandas sonoras de películas como Desayuno con diamantes (1961) (en el solo de Moon River al comienzo de la misma), Cowboy de Medianoche, Bagdad Café y en varios programas de televisión como Barrio Sésamo, la serie belga Witsd y la serie holandesa Baantjer. También, silbando y a la armónica, puede escuchársele en antiguos programas de radio y publicidad televisiva. En 1983 colaboró en el disco de Billy Joel An Innocent Man y su armónica se puede escuchar en Leave a Tender Moment Alone.

Vamos a escucharlo con el big bossa que la da nombre al álbum, Yesterday & Today, con arreglos de Qincy Jones.

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El crítico de jazz Nat Hentoff cumple 87 años

Nat Hentoff: el crítico más sesudo del jazz en el siglo XX

 

El crítico de jazz más prominente del siglo XX, Nat Hentoff cumplió 87 años el pasado domingo 10/06. Hentoff es un historiador estadounidense, novelista, crítico de jazz y música country, y columnista sindicado por United Media, y escribe regularmente de jazz y country en The Wall Street Journal. 

También ha sido columnista de Down Beat, The Village Voice, JazzTimes, Legal Times, The Washington Post, The Washington Times, y editor de Progressive & Publisher. También ha sido escritor del staff de The New Yorker, y sus trabajos se han publicado en The New York Times, Jewish World Review, The Atlantic, The New Republic, Commonweal y en la revista italiana Enciclopedia dello Spettacolo.
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Lins y Castro-Neves: dos leyendas del jazz

Les presentamos a dos gigantes de la música popular brasileña (MPB), Ivan Lins y Oscar Castro-Neves. Ambos son figuras emblemáticas y prolíficos cantautores, que han sabido combinar ritmos como el bossa nova y el samba, con elementos del jazz. Es harto conocido que el matrimonio entre el bossa nova y el jazz ha generado innumerables éxitos históricos, cultivado por infinidad de músicos de todas las latitudes. Desde que Tom Jobim sacara el bossa nova al exterior del Brasil, el jazz, el bossa y el samba hablan casi un mismo idioma, de allí el alcance mundial que tiene hoy en día la música de ese país suramericano.

Ivan Lins ha obtenido grandes éxitos en su carrera como tecladista, compositor, cantante y arreglista. En los años 70, su obra tendió hacia la temática política. A partir de la segunda mitad de los años 80 comenzó a enfatizar su carrera internacional, principalmente en EE.UU, donde fue versionado por algunos astros de la música internacional. Por su parte, Castro-Neves es uno de los músicos, arreglistas y compositores considerado entre los fundadores del bossa nova. Nació como uno de tres hermanos trillizos. con quienes en su juventud formó una banda y, mucho después, durante los años 70 y comienzos de los 80 formó parte de la Paul Winter Consort. Es uno de los guitarristas referenciales de la MPB. Véanlos a ambos en el siguiente video, acompañados por el bajista Abraham Laboriel.

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Stan Getz: hace 21 años dejó de soplar

El pasado miércoles 6/06 se cumplieron 21 años de la muerte de Stan Getz, quien fuera conocido en sus mejores tiempos como "The Sound" (El Sonido), tal vez por su forma lírica y cálida de tocar el saxo, y el estilo elegante que tenía para improvisar, lo que lo convirtió en uno de los mejores y más grandes saxofonistas del jazz contemporáneo. Getz se dio a conocer en la orquesta de Woody Herman, donde explotó el estilo llamado "West Coast", y en los años 60 y parte de los 70 impactó fuertemente en las audiencias cuando decidió adoptar el Bossa Nova, manteniendo los ejementos principales del jazz, con célebres músicos brasileños. Su influencia con el saxo lo llevó a se uno de los referentes musicales más importantes del momento, sobre todo, por su interpretación en inglés de varios temas de Antonio Carlos Jobim junto a la vocalista Astrud Gilberto. Getz alternó con la mayoría de los colosos del jazz, desde Billie Holiday y Dizzy Gillespie hasta Kenny Barron y Chick Corea, entre otros.

Había nacido en Filadelfia el 2 de febrero de 1927 como Stanley Gayetzky y fallecido en California el 6 de junio de 1991, En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter. En 1958 se mudó a Copenhague, Dinamarca, tratando de escapar de las drogas.

En 1961, de regreso a EEUU, reconquistó al público y lanzó el disco Jazz Samba, su primer álbum de Bossa Nova grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada Jazz Samba era una adaptación de la composición de Jobim So Danco Samba. Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de jazz en 1963 por el tema Desafinado. El siguiente paso de esta fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Más tarde, en 1963, grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. el tema de Jobim Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), que se convirtió en una de las canciones de jazz más conocidas de la historia, y que le valió otro Grammy.

Vamos a disfrutarlo en este video junto al pianista Kenny Barron, el bajista Alex Blake y la baterista Terri Lyne Carrington, con el tema Seven Steps To Heaven.

 
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