Andrea Bocelli y Natalie Cole: Merry Christmas To You

Canciones de Navidad

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Kathleen Battle y Wynton Marsalis: Noche de Paz

Canciones de Navidad 

 

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Oscar Peterson: Jingle Bells

Canciones de Navidad

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Chris Botti, siempre en Navidad

Canciones de Navidad

El trompetista Chris Botti nos brinda Santa Claus Is Coming To Town, del inolvidable álbum December (2002) donde, además, intervienen Bob Sheppard, en el saxo tenor; Anthony Wilson, en la guitarra; Jimmy Haslip, en el bajo; Billy Childs, en el piano, y Peter Erskine, en la batería. Un clásico de la navidad en un bossajazz irrepetible.

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Rudolph, el reno de la nariz roja

Canciones de Navidad


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Diane Krall: Jingle Bells

Canciones de Navidad




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Harry Connick Jr: When My Heart Finds Christmas

Canciones de Navidad



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Michel Camilo y Tomatito: 'Spain'

Una de las versiones más impactantes del tema Spain, de Chick Corea, la realizan el pianista dominicano Michel Camilo y el guitarrista español Tomatito, quienes vienen trabajando juntos a raíz del lanzamiento de los álbumes Spain, grabado por ambos en 2000, y Spain Again, en 2006, donde hacen un recorrido por los temas de los más célebres compositores latinoamericanos y, al mismo tiempo, rindiendo un pequeño homenaje al pianista Corea, cuyo célebre tema da título a ambos trabajos discográficos. Escuchémoslos en vivo, en el Festival de Montreaux. Sin desperdicio.

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Se acerca el Panamá Jazz Festival 2012

El saxofonista panameño Carlos Garnett será homenajeado.

Con el lema “Del Corazón de América para el Mundo”, llega por novena edición el Panamá Jazz Festival 2012, a celebrarse entre 16 y el 21 de enero. Éste es el evento más grande de Panamá, que reúne a más de 25,000 personas durante seis días, cifra que dejó el 2011.

Como en años anteriores, el evento tendrá la participación de artistas nacionales e internacionales de importante trayectoria musical dentro de su género, estudiantes y profesores de las más prestigiosas universidades de música como Berklee College of Music, New England Conservatory, Conservatorio de Música de Puerto Rico y el Golandsky Piano Institute, entre otros. 

Para esta 9na. versión, el festival está dedicado al saxofonista panameño Carlos Garnett, con su grupo que lo acompaña provenientes de New York. En la cartelera de este año figura el norteamericano John Scofield y su Trio; los cubanos Omara Portuondo y Chucho Valdés a dúo; el puertorriqueño Charlie Sepúlveda; el costarricense Luis Bonilla & NEC; Tito Puente Jr con el Ensemble del Panama Jazz Festival, quien será patrocinado por ACER, bajo la dirección musical de La Riqueña; el homenajeado Carlos Garnett con su grupo de New York, y Teri Roiger & John Menegon, a dúo. Paralelamente se realizarán talleres musicales en la Ciudad del Saber, ubicada en Clayton.

Allí estará Viaje al Fondo del Jazz, cubriendo las incidencias de este evento, a beneficio de la Fundación Danilo Aponte.

Disfruten de John Scofield, uno de los invitados al evento.

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Ivan Lins: el eterno poeta

Nada nuevo hay que agregar en Ivan Lins, un músico que lo ha dado todo en el jazz y la música brasileña, un sólido cantautor que sigue dejando huella en el universo musical. Iván Lins es un perfeccionista que entrelaza cada nota, pensando muchas veces antes de unir una con otra. Un estudioso que no deja aristas. No deja sobras. Sus composiciones tienen comienzo, intermedio y final. El posee identidad y sobriedad desde su primer éxito. Ya son casi treinta años de una carrera coherente y llena de belleza musical. Escuchémoslo con The Island (Comecar de Novo), uno de sus temas emblemáticos.

 
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Kase.O rinde homenaje a los clásicos del jazz

 El mundo de los videoclips tiene normalmente su propio estilo, sobre todo si consideramos aquellos que tienen que ver con rap y hiphop. Pero todo se reinventa, como demuestra ya el hecho de que el cantante Kase.O se haya unido a una banda de jazz para crear Kase.O Jazz Magnetism. Y de esta fusión ha surgido un videoclip que aúna música, diseño y tipografía en un homenaje a las portadas de los clásicos de jazz que resulta indispensable para los amantes de la creatividad. 

Bajo el título Boogaloo y producido por Berberecho Productions, el propio Kase.O explica como surgió todo: “Invitamos al Director Kote al estudio para documentar la grabación del disco y a las dos semanas me tenía preparada esta sorpresa a modo de vídeo clip, el vídeo combina imágenes intimas de las sesiones con la estética de portadas de clásicos del Jazz. Esta hecho desde la humildad y el homenaje”. 

 
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Kurt Elling rememora a las leyendas

 

Los últimos movimientos del jazz mundial nos indican las publicaciones álbumes como Contact, de Boney James; Folktales (un homenaje a la figura de Teddy Pendergrass), de Matt Marshak; Sound Advice, de Patti Austin, donde incluye un tema de Michael Jackson; Across the World, de Shakatak; The Journey, de Sirgant & The Invisible Force; Traveler, de Andy Snitzer (destaca el tema Mistic), y The Gate, del vocalista Kurt Elling, donde éste le rinde homenaje a músicos legendarios como Herbie Hancock, Miles Davis, Stevie Wonder, King Crimson y Joe Jackson, cuyo tema Steppin' Out, vamos a disfrutar enseguida visualinzando la carátula del nuevo CD.

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Planet Chill: el más puro NuJazz

Planet Chill: Memoirs of a Jazz Band es el álbum más reciente de NuJazz, de L. Zaide, un ex DJ nacido y criado en Chicago, hijo de padres filipinos. Desde muy joven buscó refugio en la música el poder, el arte y la poesía. La combinación del amor de su familia por los crooners clásicos de las big bands y la rica tradición de Chicago en el jazz y el blues logró alimentar la búsqueda L. Zaide 's en el arte y la música. Empezó a tocar el piano a la edad de cinco años y añadió trompeta e incorporó el canto a la edad de nueve años.

Después de años de tocar música clásica en piano, voz y trompeta en conciertos y recitales, finalmente se decidió a estudiar jazz con el reconocido Paul Renard, quien le enseñó el control de la respiración a través de la comprensión de la lírica. Otro de los aspectos de las experiencias de L. Zaide es su trabajo como DJ, actuando en varias fiestas privadas, discotecas y bodas. L. Zaide era conocido por experimentar con la fusión de jazz y hip-hop, además de jazz, el lounge y música electrónica.

Aquí lo tenemos con el tema Skalp-Dream On, una grata novedad en Viaje al Fondo del Jazz.

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20 años sin Miles Davis

El original y legendario trompetista fue uno de los músicos 

más influyentes del siglo XX

Gregorio Montiel Cupello

El 28 de septiembre se cumplieron 20 años de la muerte de Miles Davis, en Santa Mónica, California, como resultado de un derrame cerebral, una neumonía y un fallo respiratorio.

Miles Davis III nació el 26 de mayo de 1926 en Alton, Illinois, en el seno de una familia acomodada. Su abuelo Miles Davis fue el primer terrateniente negro de Estados Unidos, y su padre Miles Davis II dentista. De ahí que el joven Miles fuera a estudiar en la prestigiosa Julliard School of Music de Nueva York y que vistiera bien.

A lo largo de su carrera, siempre estuvo a la vanguardia del jazz. Cuando llegó a la Gran Manzana en 1944 empezó a tocar con Charlie Parker y Dizzy Gillespie, que capitaneaban la revolución del bebop.

A fines de esos años 40 comenzó a crear el cool jazz, en los 60 dio forma a su propio estilo de jazz-rock, en los 80 estuvo en el tecno-jazz y comenzando los 90 hizo jazz con rap.

"Miles: the autobiography" (1990) es un libro hecho junto al periodista Quincy Troupe que no te suelta hasta que lo terminas.

Pat Metheny se recrea con sus amigos

¿Qué más se puede decir del guitarrista Pat Metheny que no se haya dicho? No hay duda de que este músico ha roto casi todos los paradigmas de la música en los tiempos recientes, y cuyos aportes al jazz han sido fundamentales para su desarrollo. Uno de sus mayores proyectos es el Pat Metheny Group. El Pat Metheny Group surge tras la colaboración con el pianista Lyle Mays al que posteriormente se une el bajista Steve Rodby; este trío ha sido la base de las distintas formaciones del grupo a lo largo de casi 30 años, complentándose con una serie de músicos multi-instrumentistas que han ido cambiando cada proyecto. La última formación con el que grabó su hasta ahora último proyecto (The Way Up) fue Lyle Mays (piano), Steve Rodby (contrabajo), Cuong Vu (trompeta), Antonio Sánchez (batería), Gregoire Maret (armónica) y el propio Pat.

Otro gran proyecto suyo, el Pat Metheny Trio, también ha ido variando de componentes desde su primer disco Rejoicing. Para este primer proyecto contó con dos grandes amigos, Charlie Haden (contrabajo) y Billy Higgins (batería). Repite estructura de trío con su 99/00 al que sigue el Trio Live, considerado por algunos críticos su mejor disco en este formato (aunque hay discrepancias al respecto). Su última grabación en estructura de trío ha sido Day Trip, proyecto para el que contó con Christian McBride al bajo y el mexicano Antonio Sánchez a la batería.

También hay que señalar su carrera en solitario, donde debe destacarse su aclamado disco Secret Story. Su último proyecto en solitario hasta el momento es Orchestrion (2009), trabajo en que todos los músicos han sido sustituidos por ingenios robóticos que literalmente "tocan" instrumentos reales, todo controlado por MIDI y en el que Pat Metheny es el único músico "humano". Esta orquesta robótica está formada, entre otros, por bajo eléctrico, guitarra acústica, piano, sintetizadores, batería, marimbas y percusiones, vibráfono y botellas.

Vamos a escuchar a Metheny acompañado de sus amigos Steve Swallow, en el bajo; Gary Burton, en el vibráfono, y Antonio Sánchez, en la batería.

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Tony Bennett lidera Billboard luego de cinco décadas

Después de cinco décadas, y a la edad de 85 años, el célebre cantante Tony Bennett lidera la cartelera de Billboard, con su álbum Duets II, donde comparte grabaciones con vocalistas de la talla de Lady Gaga, Aretha Franklin, Natalie Cole y la fallecida Amy Winehouse, con quien intepreta Body and Soul, el conocido standard de jazz, escrito en 1930 por Edward Heyman, Robert Sour y Frank Eyton, y música de Johnny Green (Ver video). Bennett ha obtenido innumerables galardones por su aporte al jazz y a la música estadounidense y algunos de sus discos simples han llegado a los primeros lugares en el pasado (como es el caso de I Left My Heart In San Francisco). Pero ésta es la primera vez que un álbum suyo se impone sobre todos los demás.

 
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David Kikoski: la fuerza del jazz

David Kikoski se ha consolidado como uno de los más destacados pianistas de la actualidad. Nacido el 29 de septiembre de 1961 (cumplía años hasta minutos antes de la publicación de esta nota), Kikoski forma parte de una familia musical, recibió lecciones de piano de su padre a los seis años de edad. En la adolescencia trabajó en grupos de jazz y de rock ganando el premio "The New Jersey Allstate Jazz Competition".

Después del Instituto ingresó en la escuela de música de Berklee. A la vez que estudiaba intervino en algún concierto de Pat Metheny y años después grabaría un CD junto al gran baterista Roy Haynes.

En 1984, decidió trasladarse a Nueva York y de la mano de Haynes se introdujo en el círculo de jazzistas de la gran manzana, realizando giras con Randy Brecker, Joe Henderson, Ron Carter, Al Foster, Buster Williams, Bob Berg, etc.

En 1989 Dave realizó su primer trabajo como líder de formación ”Presage” contando con el bajista Eddie Gomez y con el baterísta Al Foster. Su segundo álbum Persistant Dreams contó con la participación de los anteriormente mencionados Randy Brecker y Billy Hart. Durante los primeros años 90, Kikoski no sólo se mantuvo ocupado con los conciertos con with Roy Haynes, Randy Brecker y otros sino que se integró como pianista en el grupo del saxofonista Bob Berg y produjo su tercer álbum,  Another Standard, en el sello Stretch Label de Chick Corea. En 1994 grabó David Kikoski, tres años más tarde firmó Inner Trust, The Maze y Almost Twilight.

Ya en 2001 fundó junto a Brian Melvin, el proyecto exitoso de “Beatlejazz”. En 2002 realizó una gira por Japón y grabó dos álbumes más para el sello DIW , Comfortable Strange y Five. En 2002 para Criss Cross Jazz, Combinations, y en 2004 Details. Su último trabajo también para este sello fue en 2006 y lleva por título Limits.

Fuente :
Traducción libre basada en un artículo de www.allaboutjazz.com.

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Miles Davis: "So What?" (1959)

El tema So What?, de Miles Davis, es el típico tema modal. En él se pueden apreciar sólo dos acordes. Grabado primeramente en New York, el 2 de marzo de 1959, para el LP Kind of Blue (Columbia, 1959), So What? (¿Y qué?) fue interpretado un mes después, en la misma ciudad, para el programa de televisión The Robert Herridge Theater Show. Allí participaron Jimmy Cobb (batería), Paul Chambers (contrabajo), Wynton Kelly (piano), John Coltrane (saxo tenor) y Miles Davis (trompeta y compositor del tema).

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Miles Davis: In A Silent Way

Seguimos con el homenaje al genio Miles Davis, el hombre que le cambió el rostro al jazz y cuyo genio contribuyó con una nueva estética de la música, que trascendió más allá del género jazzístico. Davis instauró nuevos patrones en las formas musicales y, al mismo tiempo, fue un osado innovador que trascendió las normas e incorporó nuevos elementos y sonidos, mientras desmontaba los viejos prejuicios y estructuras, en beneficio de una nueva era. Su tránsito por la música fue el más importante entre todos los músicos y compositores que han vivido dentro de los terrenos del jazz.

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Hace 20 años Miles Davis dejó de soplar

Hoy es el 20 aniversario de la muerte del genial trompetista, compositor y pionero, Miles Davis, quien comenzó tocando be-bop antes de cumplir los 20 años de edad, con Charlie Parker entre otros, para pasar luego a ser pionero del cool, del jazz modal y del jazz fusión, con el correr del tiempo. Davis siempre estuvo adelantándose a su época y abriendo nuevos caminos para el jazz. Su discografía es una de las más voluminosas de este género y hoy, 20 años después de su muerte, sus álbumes y colecciones de discos continúan vendiéndose en cantidades impresionantes. Uno de sus álbumes, Kind Of Blue, posee el record de ser el disco más vendido en toda la historia del jazz. Davis dejó un legado para este tipo de música tan grande como el de Louis Armstrong, Duke Ellington o Charlie Parker.

En 1949, Miles germinó su primera obra capital en la historia del jazz. Junto al compositor Gil Evans y músicos de la talla de Gerry Mulligan y Lee Konitz entre otros, grabó Birth Of The Cool, una obra que dio paso al celebre Noneto Capitol, una empresa democrática que repartía responsabilidades entre solista, compositor y arreglista. En aquélla época sufrió su primera detención por consumo de droga y en 1951 fichó por el sello Prestige para el que grabó años después cuatro formidables álbumes que figuran entre lo mejor de su discografía. Atrás quedaban la tormentosa sesión de grabación con Thelonius Monk y su participación en el famoso quinteto de John Coltrane.

Precisamente la colaboración de Miles con Coltrane convenció a los jefes de la Columbia para que Miles firmara con ellos. En la arcas de Columbia, están algunas de las mejores grabaciones de Miles, entre ellas el obligatorio, Kind Of Blue grabado en 1959, las grabaciones en directo en el Plugged Níkel de 1965, el mil veces referenciado como el primer disco del jazz-rock de la historia titulado Bitches Brew o el disco que inauguró la etapa eléctrica de Miles titulado In a Silent Way de 1969. En aquella época, a su alrededor se precipitaban los acontecimientos y en los años sesenta la psicodelia, y el rock llamaban con fuerza a la juventud de entonces y Miles no quiso apearse del autobús. Sus discos empezaron  tomar un sesgo cada vez ruidoso y en sus banda predominaban cada vez mas los bajos eléctricos y guitarras amplificadas y si bien eso le ayudó a aumentar su popularidad entre las nuevas generaciones, su creatividad disminuía notablemente.

Ahora que se cumplen dos décadas de su muerte, la obra de Davis merece una extensa revisión. El trompetista de Alton, Illinois, redefinió el jazz y lanzó el género al futuro, convirtiéndolo en una especie de camaleón, capaz de congeniar con cualquier música del planeta. Más de un siglo después de su nacimiento, el sonido que se originó en las calles de Nueva Orleans se mantiene más joven que el rock’n roll. Abierto, al menos, a más posibilidades estilísticas.

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Eva Cortés: dulce e íntima

Eva Cortés se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradional latinoamericana (tango, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz. Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos andaluces.

Nacida en Tegucigalpa (Honduras) y criada en Sevilla, Eva reside actualmente entre Madrid y Paris. Su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante. Durante su infancia, al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música tradicional Latinoamericana. Sin embargo escuchamos en sus primeras composiciones a la edad de16 años, una fuerte influencia del blues.

En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir Sola Contigo, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París. En dicho trabajo podemos encontrar ritmos Sudamericanos fusionados con el Jazz y con un suave toque proveniente del Sur de España. Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con una gran proyección y prestigio internacional en el jazz latino, en la música folclórica y en el flamenco: Jerry González, Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros. En Abril de 2008 graba su segundo trabajo Como Agua entre los Dedos. Para ello cuenta como trío base con Pepe Rivero como pianiasta y arreglista, Toño Martín al contrabajo y Mark Mondesir (músico de John McLaughlin) a la batería. Como invitados cuenta con Jerry González, Yadam, Piraña, Antonio Serrano, Manuel Machado y Bobby Martinez. Como Agua entre los Dedos es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en el dos adaptaciones al castellano de dos standards como son You don’t know what love is y La Vie en Rose.

Eva Cortés edita su tercer álbum El Mar de Mi Vida el 6 de Abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. El Mar de Mi Vida reúne doce temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural. Más jazz que nunca, no renuncia a sus raíces latinas, al blues o a sus influencias flamencas.Eva ha sabido rodearse siempre de músicos de primera fila y El Mar de Mi Vida no es una excepción. Cortés vuelve a contar con la colaboración de los cubanos Bobby Martínez y Manuel Machado, de uno de los percusionistas más importantes del mundo, Piraña, o del destacado armonicista Antonio Serrano (estos dos últimos acompañan actualmente a Paco de Lucía). En esta ocasión además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema Cést si Bon, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin).

Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro. Además encontramos temas como Alfonsina y el Mar (Ariel Ramirez-Felix Luna), Une chanson Douce (Henrie Salvador- Maurice Pon), C'est si Bon (André Hornez-Henri Betti) y Que reste-t-il de Nos Amours (Charles Trenet-Leo Chauliac).

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Astrud Gilberto y Stan Getz: un clásico inmortal

El tema Garota de Ipanema (Antonio Carlos Jobim), con Astrud Gilberto y Stan Getz, se convirtió en un ícono del bossa nova a nivel mundial. La dulce voz de Astrud recorrió el planeta con esta emblemática composición, que significó la llegada a la cúspide mundial de la música popular brasileña (MPB), particularmente el bossa nova, ritmo que hizo migas con el jazz casi de inmediato.

Cuando Astrud se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de Bossa nova, João Gilberto ingresó en el mundo de la música. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova, cuando a instancias de su esposo, Astrud Gilberto cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto y ni siquiera recibió crédito en el disco. Pocos años más tarde se separó de João Gilberto y se casó con el saxofonista Stan Getz..

Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística. Grabó en varios idiomas, inclusive en español. La cantante empezó a escribir canciones en los años 70. Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame".

Por su parte, Stan Getz ha sido considerado como uno de los más importantes saxofonistas tenores de la historia del jazz, y conocido por el sobrenombre de The Sound ("El Sonido") debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de La Chica de Ipanema/The Girl From Ipanema. La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young.

Stan Getz comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevó a cabo con los músicos brasileños. El jazz brasileño ha sobrevivido y ha supuesto una clara influencia en los trabajos de famosos músicos de jazz como Wes Montgomery y Joe Henderson. En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton.

El 6 de junio de 1991 se supo que "El Sonido" ya no volvería a tocar, víctima de un cáncer hepático. En 1998, la "Biblioteca y Centro Multimedia Stan Getz"' situada en el Conservatorio Musical de Berklee, fue dedicada a la memoria del saxofonista gracias a una donación de la Fundación Herb Alpert.

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Sole Giménez: deliciosa

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La española Sole Giménez, nacida en París, ex integrante de la agrupación Presuntos Implicados, nos sorprende nuevamente con la versión del clásico de Marvin Gaye, What's Going On, con una calidad interpretativa y un glamour irresistible. Sole es una de estas vocalistas incombustibles, extraordinarias, carismáticas y talentosas que se pasean por los escenarios más importantes del mundo, haciendo cualquier tipo de crossover musical sin ningún tipo de trauma ni prejuicios.

Durante su dilatada carrera ha colaborado con artistas como Joan Manuel Serrat, Herbie Hancock, Milton Nascimento, Randy Crawford, Armando Manzanero, Pancho Céspedes, Ana Torroja, Miguel Ríos, Ana Belén, Revólver, Piratas, etc.

El momento de más popularidad lo alcanza con discos de gran éxito como Ser de Agua, El Pan y la Sal, La Noche o Siete. Llegan a vender más de tres millones de discos. Sole, que había aportado letras como las de En la Oscuridad (1987), Cada Historia (1989), Me Das el Mar (1989), Como Hemos Cambiado (1991), Llovió (1991), Cuando Quiero Sol (1991) etc., que en su momento ayudaron al reconocimiento del grupo. Estos años le resultan inolvidables por las experiencias que vive dentro y fuera de su grupo, son años en los que trabaja y conoce a artistas muy admirados por ella como Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Joaquín Sabina, Armando Manzanero, La Barbería del Sur, Los Piratas, Chano Domínguez, Jorge Pardo, etc.

En 2008,y a propuesta de su compañía de discos, Sole se embarca en un nuevo proyecto que culmina con la edición de un nuevo trabajo en Junio del 2009, Dos Gardenias. Durante años, había jugado con la idea de revisar y versionar grandes canciones y grandes autores del repertorio latino americano, tanto clásicos como actuales, y compaginar esta idea con la colaboración de destacados músicos de jazz. De esa idea nace este nuevo disco de mucho latin jazz, grabado y coproducido de nuevo con su inseparable Vicente Sabater y que cuenta con la maestría de Chano Domínguez, Jorge Pardo, Iván González “Melón”, Joshua Edelman, José Reinoso, Yoel Páez, Yelsy Heredia, Perico Sambeat, Francisco Blanco Latino, Llibert Foruny, Ara Malikian, Naxto Tamarit, Efrén López, entre otros.

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Vuckovich y Harrell: dos estilos, un fin

Música de ensueño, como es el jazz, a cargo del pianista Lary Vuckovich y el trompetista Tom Harrell. Ambos han hecho una combinación casi perfecta en tiempos recientes en varios escenarios de Estados Unidos y Europa. Vuckovich es un pianista nacido en la ex Yugoslavia, hoy Serbia, que ha sido aclamado por las audiencias más exigentes del jazz, por su estilo profundamente imaginativo y un repertorio basado en el jazz modal, así como en el hard-swinging bebop, el post-bop, el jazz cotemporáneo y el blues. El diario The New York Times señala que Vuckovich se aparta de la mayoría de los pianistas que se presentan regularmente en Nueva York, por su colección de influencias musicales.

Por su parte, Tom Harrell ha sido capaz de enfrentarse con coraje a una grave enfermedad, y de salir adelante para convertirse en uno de los mejores trompetistas de jazz de los años ochenta y noventa. Sobre el escenario, se concentra absolutamente en su música y sólo parece estar vivo cuando improvisa. Su estilo destila una lírica impresionante tras la que se esconde una enorme tensión musical en la construcción de sus solos. Estos son perfectamente estructurados y combina el poder de Clifford Brown, con la suavidad y el intimismo de Chet Baker.

Harrell, se crió en el norte de California y, a partir de 1967, se vio sometido a un constante tratamiento con fármacos, al sufrir de estados catatónicos, lo que no le impidió graduarse en Stanford en 1969. Sus primeros trabajos fueron en las orquestas de Stan Kenton (1969), Woody Herman (1970-71), y en el quinteto de Horace Silver (1973-77).

Vale la pena escucharlos.

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Elizabeth Meza: sensualidad pura

Elizabeth Meza es una cantante de jazz mexicana con una voz de gran sutileza, con un sonido propio origen de fusiones del jazz con la música de las Américas. Su formación artística y trayectoria se ha forjado por más de veinte años pisando escenarios de jazz y diversos géneros en países como México, España, Francia, Inglaterra, Argentina y Holanda, entre otros países.

Se caracteriza por la sensualidad de su voz, así como en la elegancia y la fuerza con las que interpreta, haciendo de una simple canción, una explosión de temperamentos, que con su trayectoria internacional Elizabeth Meza ha explorado en su discografía la fusión del jazz con el bolero, la bossa nova, el blues, y el swing.

Sus producciones Tenderly, Nocturnal, Fascinación y Obsesión han sido calificadas como trabajos destacables y originales dentro de la escena jazzística latinoamericana y le han brindado la aceptación del público colocándola por varias semanas en el top ten del jazz en las principales tiendas de discos.

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Chano Domínguez: sonido mediterráneo

El Jazz flamenco de Chano Domínguez recorre el mundo.

Por estos días el pianista y composior español Chano Domínguez y su New Flamenco Sound se estará presentando en el Festival Veranos de la Villa, en Madrid, uno de los cientos de frestivales jazzísticos que se celebran en España.

El primer contacto con la música de Chano Domínguez le llega a través de su padre, un gran aficionado al flamenco. A los ocho años, sus padres le regalaron su primer instrumento, una guitarra flamenca, y de este modo pudo practicar, de forma autodidacta, todo aquello que había escuchado en los discos de música flamenca de su padre, para luego tocar con los amigos del barrio.

En 2006 nace uno de sus proyectos más importante hasta la fecha: Cuentos del Mundo (LKY Records), un disco de cuentos compuestos por Chano Domínguez y Marina Albero, narrados por la voz de Constantino Romero y cantados por la pequeña Serena.

Con este trabajo, Domínguez abandona temporalmente el jazz para componer, interpretar, grabar, mezclar y producir un viaje por el mundo para toda la familia.

El año 2006 es el año en que nace, comisionado por la Junta de Andalucía dentro del proyecto El Jazz viene del sur, el proyecto de más envergadura de Chano Domínguez: 'NFS', una formación que cuenta con más de diez músicos y con la que han grabado el álbum NFS, New Flamenco Sound (Verve, Universal), una combinación de jazz y flamenco.

Vamos a escucharlo con este importante tema titulado Blues del Montseny.



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La increíble historia del pianista Billy Tipton

Billy Tipton, un reconocido pianista y saxofonista de jazz durante la mitad del siglo pasado, no era lo que la mayoría de las personas creían, cuando murió en 1989, los médicos al revisarlo, intentando desesperadamente salvarle la vida, descubrieron que en realidad Billy era una mujer.

Ninguna de sus tres esposas, ni sus hijos adoptivos, sabían la verdad, se enteraron ya cuando Billy fue declarado muerto por los médicos que le atendían. Aunque al principio se pensó que Billy se había sometido a algún tipo de tratamiento para alterar su cuerpo, la autopsia reveló que era una mujer biológicamente normal. En entrevistas a su tercera esposa, Kitty, aseguró no saber nada al respecto pues su esposo nunca accedió a mantener relaciones sexuales por supuestos problemas de salud.

Su nombre real era Dorothy Lucille Tipton. Desde los 14 años de edad comenzó a estudiar saxo alto y piano, y con su hermano menor, años más tarde, decidió volver de la música su profesión, pero en esos momentos las bandas de Jazz sólo recibían miembros varones. Desde ese momento Dorothy comenzó a usar ropa de hombre, con los años fue perfeccionado su voz, sus posturas y sus movimientos de maneta tal que nadie podía dudar de su virilidad.

Aquí les mostramos un vídeo increíble con algunos pasajes sobre su vida.

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Dúo de lujo: Jane Monheit y John Pizzarelli

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Jane Monheit es una de las cantantes ascendentes en el mundo del jazz, y John Pizzarelli, un maestro de la guitarra, caracterizado por su estilo tradicional de ejecución. Les invitamos a disfrutar de este excelente dúo con el tema They Can't Take That Away From Me.

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Eddie Palmieri: el corazón del latin jazz

Eddie Palmieri es reconocido como uno de los artistas más innovadores de la música latina. Nació en 1936 en Nueva York, hijo de padres puertorriqueños. Este pionero de la salsa organizó su primera orquesta a la edad de 14 años. Durante la década del 50 incursionó en la música tropical en orquestas como las de Johnny Seguí, Vicentico Valdés y Tito Rodríguez.

Posteriormente formó su Conjunto La Perfecta, junto al trombonista Barry Rogers y el cantante Ismael Quintana. Con ellos debutó en el mundo del disco en 1962, justo cuando en el momento en que las charangas estaban de moda. Con el sonido de violines y flauta, Palmieri siguió la onda de moda integrándole al mismo trompetas y trombones. Como amante confeso del jazz, Eddie se distinguió desde entonces por la experimentación. De ahí que su discografía en este periodo de los 60 dejara como testimonios obras de excelencia como las dos producciones grabadas con Cal Tjader.

La Perfecta se desbandó en el 1968. Pero a renglón seguido la aportación de Palmieri al pentagrama musical incluyó discos como Lo que traigo es sabroso, del cual se derivó su primer éxito Muñeca.



En una etapa posterior, Eddie pasó de la compañía Alegre a Tico Records. Con estos produjo varios álbumes, entre ellos el clásico de 1971 Vámonos Pa'l Monte, el cual incluía en su elenco musical a su hermano Charlie Palmieri como organista invitado. Ese mismo año grabó en suelo boricua el álbum Eddie Palmieri & Friends in Concert, Live at the University of Puerto Rico, considerado por muchos seguidores de la música afroantillana como una joya de la discografía salsera.

El Negro Hernández: fuerza interpretativa

Horacio "El Negro" Hernández (24 de abril de 1963) es un baterista y percusionista nacido en La Habana, Cuba. "El Negro" forma parte de la nueva generación de jazzistas que ha seguido los pasos de sus compatriotas Arturo Sandoval, Paquito D'Rivera, Ignacio Berroa y otros.

"El Negro" se dio a conocer como baterista de Gonzalo Rubalcaba y su grupo Proyecto. Abandonó Cuba en 1990, y comenzó su carrera en los Estados Unidos con interpretaciones en vivo con muchos músicos del pop, rock, jazz y jazz latino, así como numerosas interpretaciones en distintos álbumes, algunos de los cuales han sido galardonados con el premio Grammy, como Havana de Roy Hargrove (1997), Supernatural de Carlos Santana (1999), No es lo mismo de Alejandro Sanz (2003) y Listen Here de Eddie Palmieri (2005). Horacio fue galardonado con el Grammy al mejor álbum de jazz latino del año 2001, Live at the Blue Note, junto a Michel Camilo (piano) y Charles Flores (bajo).

Con su participación en el disco Nueva cubana, Horacio demostró su enorme facilidad para hacer confluir las síncopas del jazz y del son, en un proceso que no dudó en calificar de armónico y veloz. La polirritmia aportada por “El Negro” y su colega de agrupación, el percusionista Roberto Vizcaíno, era la base ideal para propiciar el desarrollo de disímiles estructuras morfológicas en las que se exponen los solos de los integrantes de la banda a sabiendas de que los pilares rítmicos —sobre los cuales se asentaban las improvisaciones— siempre serán absolutamente estables.

Desde los ya lejanos 80, Hernández demostraba que era un maestro cuando había que desempeñarse en estructuras complejas, capaz de diseñar con idéntico rigor una batería con un toque muy estable o llegado el caso con ondulaciones rítmicas que alteran el tempo (entre fugatos y acelerandos), en singular lección de un trabajo donde el elemento percutivo en ocasiones deja a un lado su condición de apoyatura para “robar” un destacado primer plano.

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Al Jarreau: una voz incombustible

Hace casi un año, el cantante Al Jarreau sufrió un desmayo en un concierto en Barcelonette, al sur de Francia, y desde entonces, se mantiene fuera de la escena musical, al menos no al ritmo de antes. El cantante, nacido en Milwaukee, EEUU, se ha distinguido por su versatilidad y originalidad, y por su apertura a diferentes estilos como el soul, el rhythm & blues, el jazz y el pop. Ha sido ganador de varios premios Grammy, y su voz se hizo popularmente conocida al interpretar el tema central de la serie de televisión en los 80, Moonlighting.

En 1975 firma con el sello Reprise, propiedad de Frank Sinatra y su carrera musical da un salto de calidad y popularidad vertiginoso. Su primer LP para Reprise se titula We Got By, obteniendo elogios por su sofisticada voz al ser comparado con Billy Eckstine y Johnny Mathis.

Siempre al margen de las criticas que le llovían por su exceso de comercialidad en su música, denostado por los amantes del jazz que veían en él a un impostor que adulteraba la esencia del jazz, Jarreau ha pasado a la historia de la música por ser el primer cantante que ha logrado ganar cinco premios Grammy, tres de ellos en tres estilos distintos: Jazz, Pop y Rhythm & Blues, respectivamente.

Reconoce haber hecho todos los estilos que había soñado, y sobre sus influencias a la hora de empezar a cantar nombra a varios: desde Bob Dylan, Nat King Cole o Los Beatles, hasta Jon Hendricks, Ella Fitzgerald o Joni Mitchell.

Vamos a disfrutar de Jarreau junto al baterista Steve Gadd, con el célebre tema de Antonio Carlos Jobim, Mais que nada.

Lee Konitz: una vida para el Cool Jazz

El legendario saxofonista Lee Konitz es noticia por estos días, debido a que fue hospitalizado hace un par de noches, justo antes de tomar parte en el Festival Internacional de Jazz de Melbourne, en Australia. Konitz se dio a conocer en la época de Lennie Tristano y del Birth Of The Cool de Miles Davis.

El músico de 83 años de edad canceló también su aparición en el Playboy Jazz Festival que comienza hoy, 11 de junio, en Los Ángeles. El trompetista Terence Blanchard ha tomado su puesto. El reciente álbum de Lee Konitz con Brad Mehldau, Charlie Haden y Paul Motian fue lanzado al mercado recientemente, y Konitz lo iba a promover en el festival. Se trata de un álbum recibido con grandes elogios por la crítica de jazz.

Konitz está considerado como una de las fuerzas motoras del Cool Jazz, aunque se ha aproximado también al bebop y a la vanguardia jazzística. Fue uno de los pocos saxofonistas que resistió la influencia de Charlie Parker en los años cincuenta.

Al igual que otros estudiantes del pianista y teórico Lennie Tristano, Konitz se ha caracterizado por la composición espontánea de líneas largas y melódicas con el interés rítmico derivado de los acentos impares o de agrupaciones de notas impares que sugieren la imposición de una marca de tiempo sobre otra. Paul Desmond y, especialmente, Art Pepper fueron muy influidos por Konitz.

Vamos a escucharlo en este excelente video, acompañado de la extraordinaria cantante Susana Stivali, una voz sublime y hermosa, en el impactante escenario de la Capilla Sixtina, en Roma.

Yvan Robilliard: sonido cristalino

VII Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas

1 al 12 de Junio de 2011, Caracas / Yvan Robilliard

Yvan Robilliard es un pianista y compositor nacido en 1978 que comenzó a tocar piano a los cuatro años en una familia de músicos clásicos. Desde sus inicios, su espontaneidad lo ha empujado hacia la improvisación. Obteniendo el primer premio en el Conservatorio Nacional de Región de Lyon, a la edad de quince años, y el Primer Premio en el Conservatorio Superior de París (CNR) en piano y música de cámara a la edad de diecinueve años.

En junio de 2000, ganó una medalla de oro por unanimidad en el taller Denis Colin Jazz en el Conservatorio de Montreuil. En 2001, estudió armonía de jazz en el Conservatorio de Bernard Maury Nadia y Lili Boulanger.

En 2002 fue galardonado con un diploma en composición en la Ecole Normale de Musique de París. Ese mismo año fue galardonado con el precio de IXO grupo ”Jóvenes Talentos” de la Mairie de París para su primer álbum, titulado Push (Música de Cristal).

Fue después de una serie de conciertos y un segundo álbum en vivo llamado Iniciativas con el grupo Ixo que Yvan Robilliard conoció del pianista y compositor Antoine Hervé. A su lado Yvan aprende a identificar su música y su intención artística. El mismo año ganó el Primer Premio de Solista y el Primer Premio de Composición en el Concurso Nacional de Jazz .

Desde 2006, este talentoso pianista ha experimentando un período de conciertos y reuniones. El bajista Hubert Dupont le invita a unirse a su cuarteto ”T Dupont” con quien grabó el álbum Spider Dance(2007). En el marco del programa ”Jazz Futuro”, organizada por Culture France, tiene la oportunidad de actuar en solitario en todo el mundo: América del Sur, el Caribe, EE.UU., Argelia, Rusia, Suiza y Venezuela, donde se ha presentado dos veces, en 2007 (ver video), y la segunda, el próximo 12 de junio, cuando cerrará el VII Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas, en el Centro Cultural BOD/Corpbanca, en La Castellana, Caracas.

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Ofelia del Rosal se presenta en Caracas

VII Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas 

Del 1 al 12 de junio, 2011, Caracas / Ofelia del Rosal

La voz de la venezolana Ofelia del Rosal es una de las más apasionantes de la actualidad. Su versatilidad la hace una extraordinaria intérprete que se pasea entre el bolero, la balada, el bossa nova y el jazz. Su voz es aterciopelada, encantadora y de una sutileza difícil de encontrar. Es mucha el agua que ha corrido desde que Ofelia se dedica al canto, con una carrera prolífica y enriquecedora.

Ofelia del Rosal ha compartido tarima con la extraordinaria cantante brasileña Leny Andrade, y con la reconocida cantante argentina Mercedes Sosa. Recibió la nominación como Revelación Musical del Año, para el Premio Nacional del Artista en el 2000, en Venezuela, por su primer disco Brasil en Blanco y Negro.

Para sus producciones ha contado con la participación de grandes figuras de la escena venezolana, destacadas nacional e internacionalmente, como Aldemaro Romero, Simón Díaz, Ilan Chester, el Ensamble Gurrufío, Gustavo Carucí y Otmaro Ruiz.

Estará presentándose el 9 de junio en el VII Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas, que se inicia hoy, 1 de junio, con la Simón Bolívar Jazz Band, y que se desarrollará en Caracas hasta el 12 de junio con la presentación del francés Yvan Robilliard. Todos los conciertos se estarán presentando en el Centro Cultural BOD/Corpbanca, en La Castellana, Caracas, Venezuela. Sólo la Simón Bolívar Jazz Band se estará presentando gratis al aire libre en la urbanización Los Palos Grandes, Caracas.

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Return To Forever vuelve a los escenarios

RTF: Chick Corea, Stanley Clarke, Lenny White y Al Di Meola, quien es sustituido por Frank Gambale

Vuelve a los escenarios la mítica banda Return To Forever. La agrupación liderada por el pianista Chick Corea anuncia una intensa gira por EEUU, Japón, Canadá y Europa, que les permitirá visitar 32 ciudades y coincidir en varios festivales. Esta cuarta versión de la banda, trae como novedad la formación en quinteto, pues, además de Corea, la integran dos de los miembros originales, Stanley Clarke y Lenny White, y se agregan el violinista Jean-Luc Ponty y el guitarrista Frank Gambale, un grupo de músicos de comprobada calidad.

La gira -que tuvo un inicio preparatorio en Australia en febrero- se llama Return To Forever IV: Hymn Of The Seventh Galaxy Tour. El nombre, se explica, porque ésta es la cuarta alineación del ensamble jazz-rockero que se fundó a principios de los 70, tras la salida de Corea de la banda de Miles Davis. El mismo tecladista explicó que la gira fue bautizada de ese modo, ya que en el último tour del grupo en 2008, sólo tocaron una composición del disco Hymn Of The Seventh Galaxy de 1973. En cambio, en esta oportunidad, harán nuevos arreglos de la mayoría de los temas de ese álbum que, sobre todo, tendrán la novedad del aporte de Ponty en el violín, lo cual les permitirá sonar totalmente actualizados.

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El 1ro. de junio comienza la gran fiesta del jazz caraqueño

Cinco exponentes de Venezuela y cuatro nombres de Estados Unidos, Francia, Alemania y Colombia conforman el cartel del VII Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas

El Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas (CJNPV) arriba este año a su VII edición, que va a tener lugar entre el 1ro. y el 12 de junio con nueve conciertos que ofrecererán artistas de Estados Unidos, Francia, Alemania, Colombia y Venezuela.

De Nueva York, llega el tecladista Adam Klipple con su sabroso cuarteto de jazz funk.

De Berlín, otro cuarteto, pero con una curiosa formación que refleja estos días cosmopolitas y globalizados: Cyminology. Su cantante es de origen iraní y canta en farsi, el pianista es francés, el baterista de India y el bajista alemán.

Por Francia participa el pianista Yvan Robilliard, uno de los mejores de la Europa actual y quien estuvo en la III edición del CJNPV (2007), ofreciendo un memorable concierto.

De Medellín va a estar Puerto Candelaria, sexteto que hace un jazz a lo colombiano, con elementos de la cumbia, el vallenato y el porro.

Y por Venezuela, la Simón Bolívar Big Band Jazz que dirige el baterista Andrés Briceño; uno de los más innovadores cuatristas venezolanos de todos los tiempos: Jorge Glem; la cantante Ofelia del Rosal; la agrupación de joropo tuyero-rock Toberías, y el trío Gerry Weil-Nené Quintero-Gonzalo Teppa, que reúne a tres de los más destacados músicos venezolanos.

Tanto del Rosal como Glem y Toberías van a estar presentando sus respectivos discos nuevos.

Como siempre, el CJNPV va a tener lugar en el Centro Cultural BOD/ Corp Banca de La Castellana, salvo el primer concierto con la Simón Bolívar Big Band Jazz, que va a ser en la nueva Plaza de Los Palos Grandes gratis y al aire libre. Las otras presentaciones serán todas en el referido recinto caraqueño de La Castellana.

El CJNPV es una coproducción del Centro Cultural BOD/ Corp Banca y el periodista venezolano Gregorio Montiel Cupello (en la foto), con el apoyo de las Embajadas de Estados Unidos, Colombia y Francia en Caracas, la Alianza Francesa, el Goethe Institut alemán, Cultura Chacao, la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, el Conservatorio de Música Simón Bolívar, Avianca y el Juan Sebastian Bar, donde el festival se extenderá con descargas y reuniones memorables, como ya ha ocurrido en pasadas ediciones.

Cartel y fechas del VII CJNPV

Miércoles 1 de junio: Simón Bolívar Big Band Jazz. 6:00 pm
Jueves 2 de junio: Jorge Glem. 8:00 pm
Viernes 3 de junio: Tobería´s. 8:00 pm
Sábado 4 de junio: Trío Gerry Weil, Nené Quintero, Gonzalo Teppa. 8:00 pm
Domingo 5 de junio: Adam Klipple and the Electric Quartet (EEUU). 6:00 pm
Jueves 9 de junio: Ofelia Del Rosal. 8:00 pm
Viernes 10 de junio: Puerto Candelaria. 8:00 pm
Sábado 11 de junio: Cyminology (Alemania, Irán, India y Francia). 8:00 pm
Domingo 12 de junio: Yvan Robilliard (Francia). 6:00 pm

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El saxo de Bill Evans vuela alto

El saxofonista Bill Evans ha sido un estudioso de la fusión dentro del jazz.

El saxofonista Bill Evans empezó sus estudios de Piano antes de estudiar el clarinete y saxofón. A los 16 años ya daba conciertos de piano clásico, estudió un año en la Universidad de North Texas State antes de ingresar en el William Patterson College de New Jersey, en donde continuó sus estudios con el gran saxofonista Dave Liebman, quien lo recomendó a Miles Davis. Después de su graduación Evans se unió a la banda de Miles con quien estuvo los cinco siguientes años, de 1980 a 1984, siendo este encuentro clave para la vuelta de Miles en el circuito de Festivales de Jazz de todo el mundo después de varios años de inactividad.

Después de grabar varios discos con Miles Davis, participó en otros grandes proyectos musicales como miembro de la reformada banda Mahavishnu Orchestra, liderada por el guitarrista John McLaughlin con quien estuvo tres años, grabando dos álbumes con ellos. Su siguiente etapa fue como miembro de la banda Elements con Mark Egan y Danny Gottlieb, con quienes grabó tres álbumes más. En 1990 participó en la grabación del disco en solitario de Mick Jagger titulado Primitive Cool.

Más tarde fundó y lideró una gran banda llamada Petite Blonde, con Dennis Chambers en la bateria, Víctor Bailey en el bajo, Mitch Forman en los teclados, y Chuck Loeb en la guitarra, grabando un gran álbum en directo. Otros grandes créditos y logros de Bill Evans son sus giras y grabaciones con Herbie Hancock, Lee Ritenour y Andy Summers (ex-guitarrista del grupo Police) y también ha colaborado en grabaciones para Michael Franks, David Sanborn, Ron Carter y Mark Egan. 

Bill Evans debutó en solitario discográficamente en 1984 con el álbum Living In The Crest Of Wave para el sello Elektra. Después de sus atrevidas experiencias discográficas anteriores, fusionando ritmos callejeros de rap y hi-hop y sus últimas entregas de corte más melódico, apareció con Soul Insider su brillante álbum de 2001, en donde volvió a sorprendernos con un sonido más groove interpretando soul, funk y jazz de alto voltaje rodeado como siempre de grandes músicos. Soul Insider fue nominado para los premios Grammy, lo que lo catapulta al éxito. (Fuente: http://www.vooxi.com/showthread.php/71649-Discograf%C3%ADa Bill-Evans-(Saxofonista)-14-CD-s).

Evans protagoniza el siguiente vídeo junto a Darryl Jones, un bajista afroamericano, oriundo de Chicago, Illinois, que ha colaborado con artistas de jazz como Herbie Hancock, Miles Davis, Mike Stern, John Scofield, y Steps Ahead. También colaboró con artistas de pop y rock como Sting, Peter Gabriel, Madonna, Eric Clapton y Joan Armatrading.

Jones toca con The Rolling Stones desde 1993, cuando el bajista y miembro histórico de la banda, Bill Wyman, renunciara después de 30 años de participación. Jones, a pesar de tocar habitualmente con la banda, no es un Rolling Stone.

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La sensual voz de Karen Souza

La voz de Karen Souza parece estar hecha a medida para el jazz, sin embargo, su carrera comenzó con varios seudónimos colaborando como soporte vocal para varios productores de música electrónica, llegando a formar parte de numerosos hits internacionales de música House, en discos de la talla de Pacha Ibiza, FTV (FashionTV), Paris Dernier, Hotel Costes, y Privé, solo por nombrar algunos.

Karen comienza a coquetear con el jazz cuando la contactan para participar en el primer disco de la saga Jazz and 80¨s. Nadie imaginaría por ese entonces el éxito que tendría esta serie de la noche a la mañana. Su productor reconoció en Karen a alguien hecho a medida para este proyecto, compartió rápidamente su entusiasmo, haciendo de Karen Souza y su especial el alma de cada álbum.

En 2009, su compañia discográfica decide que era el momento de realizar una gira de Karen Souza por Brasil. La gira es un éxito rotundo y Karen se convierte en una perfecta intérprete, ganando confianza y, más aún, perfeccionando su canto. Con el tour aún en marcha, el sello repara nuevamente en ella y le propone a focalizarse en su nuevo material. A tales efectos la envían a Los Ángeles por unos meses para trabajar y aprender de algunos de los más grandes compositores del momento, Pam Oland (www.pamoland.com), compositora nominada a múltiples premios Grammy, quien trabajó con artistas de la talla de Whitney Houston, Earth, Wind and Fire y Aretha Franklin, entre otros. Karen vuelve renovada y con una nueva dirección en sus propias composiciones, esto la ayuda a desarrollar su sello personal y destaca aún más su suntuosa y única voz.

Luego de su estadía en Los Angeles, Karen comienza a dedicarse pura y exclusivamente a ensayar nuevo y antiguo material con la banda, llegando a un nivel de simbiosis que es un verdadero placer presenciar. Karen Souza, es algo sublime y digno de ser visto, pleno de excelentes versiones de jazz y flamante material como intérprete solista… con una vocalista realmente dinámica… con una carrera brillante que apenas ha comenzado. 

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Dani Gurgel: la nueva generación brasileña

La cantora y compositora Dani Gurgel hace música brasileña moderna. Es uno de los nuevos talentos. Elementos del mundo se cosen por el lenguaje de jazz, armonías sofisticadas y la búsqueda incesante de lo que es nuevo. A Dani la acompañan, entre otros, Debora Gurgel (Piano), Thiago Rabello (Batería) y Daniel Amorin (Bajo). Guardando las distancias, por su tono de voz, nos hace recordar a la legendaria Elis Regina. Ampliamente recomendable.

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Lionel Loueke: desde las tierras africanas

Lionel Loueke (1973) es un guitarrista nacido en Benin, que se trasladó en 1990 a Costa de Marfil para estudiar en el National Institute of Art. Asistió a la American School of Modern Music, de París, entre 1994 y 1998. Luego, en 1999 fue premiado con una beca para estudiar en el Berklee College of Music, de Boston, donde obtuvo el título de Jazz Performance en 2000.

En 2001, Loueke audicionó para el Thelonious Monk Instituto de Jazz, en la Universidad del Sur de California, donde fue seleccionado tras una búsqueda mundial por un jurado de músicos de jazz integrado por Herbie Hancock, Terence Blanchard y Wayne Shorter. Asistió al Thelonious Monk Institute of Jazz hasta 2003.

Loueke formó el trío Gilfema, con Massimo Biolcati (bajo) y Ferenc Nemeth (batería), ambos compañeros de clase en el Berklee College, con el cual lanzó dos álbumes para el sello ObliqSound: Gilfema (2005) y Gilfema + 2 (2008), con los clarinetistas Anat Cohen y John Ellis. Como solista, Loueke grabó el álbum en vivo In a Trance (2005) y Virgin Forest, que fue lanzado por ObliqSound en 2006, donde fusiona elementos de la música africana con armonías del jazz moderno. En este álbum tiene como invitados a Herbie Hancokc y Wayne Shorter.

Su más reciente álbum, Mwaliko (2010), es una colección de interpretaciones a duo y trío, que mezclan la música tradicional del África Occidental con el jazz. Entre los invitados figuran su cimpatriota Angelina Kidjo, el cantante y bajista camerunés Richard Bona, la contrabajista estadounidense Esperanza Spalding, y el baterista Marcus Gilmore haciendo una versión de Nefertiti, la composición clásica de Wayne Shorter.

A principios de 2008, la Kponnon Kpété de Loueke ganó el 7mo Premio Anual de Música Independiente, como Mejor Canción Tradicional del Mundo, mientras que el álbum Virgin Forest fue seleccionado como Álbum de Fusión Mundial del Año.

Vamos a escuchar a este interesante guitarrista. Escuchen los sonidos que emite y el manejo que hace de su voz. Excelente.

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Kurt Elling: la nueva voz del jazz

Kurt Elling es un portento de voz. Este barítono, que abarca cuatro octavas, ha estremecido el universo del jazz al hacer gala de una técnica asombrosa en sus ejecuciones e improvisaciones, mostrando un dominio técnico absoluto a nivel rítmico, tímbrico, dinámico y de fraseo que lo acerca más al prototipo del instrumentista virtuoso que al de simple cantante.

Elling desarrolla además una amplia labor como autor de obras teatrales multidisciplinares para el teatro Steppenwolf de la ciudad de Chicago y es miembro de la National Academy of Recording Arts and Sciences. Ha recibido cuatro nominaciones al Grammy en la categoría "Mejor álbum de jazz vocal" (por Close Your Eyes, The Messenger, This Time It´s Love y Nightmoves), ha sido elegido por tres años consecutivos "Mejor cantante de jazz" por los lectores de las revistas Down Beat y JazzTimes y ha participado en los festivales de jazz más importantes del mundo.

Nature Boy es el tema que interpreta, acompañado de una gigantescas banda, con su pianista de siempre Lawrence Hobgood, aunque el baterista deja mucho que desear en el solo que interpreta.  No obstante, una banda extraordinaria, con un vocalista impresionante. Disfruten de este espectáculo.

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Prisca Dávila: "Mi primer instrumento es el piano, por lo tanto, soy ante todo pianista"

La carrera discográfica de Prisca comenzó en 2003 con el álbum Piano Jazz Venezolano, una colección de temas compuestos principalmente por el maestro Gerry Weil. El álbum contiene temas que le valieron la Mención Honorífica como Mejor Interpretación de Merengue en el Primer Concurso Nacional El Piano Venezolano. Luego de ocho años retorna a sus raíces para ofrecernos Piano Jazz Venezolano II, con temas galardonados por Mejor Interpretación y Composición en el Concurso Nacional de Piano Rosario Marciano 2008.

Leonardo Bigott

Prisca se inició en la música a la edad de cinco años bajo las enseñanzas de María Luisa Stopello. Desde entonces, ha sido una artista laboriosa cuyo tiempo administra a cabalidad para sacar el mayor provecho de una ajustada agenda que casi siempre la encuentra ante el piano para ofrecer un concierto, componer, arreglar e incluso hurgar en la historia para luego profundizar en un aspecto de su interés que pueda ser el vehículo idóneo para plasmar sus ideas musicales siempre bajo el lenguaje de tres ingredientes fundamentales: la música venezolana, el jazz y la música clásica.

Ella ha asumido cada actividad con el mismo candor que ofrece su música. Esa dedicación también la ha llevado desde exóticos lugares como Corea y República Checa hasta países más tradicionales como Italia, Francia, Brasil, Inglaterra y España. Grandes y pequeños escenarios de diversos países han elogiado su propuesta musical. Igualmente han hecho los maestros Gerry Weil, Otmaro Ruíz, Claudio Daulsberg, Ilan Chester y Aldemaro Romero. Prisca cuenta sobre su nuevo trabajo a Ladosis en una noche fría pero plácida del pasado Febrero.

¿Cómo han sido estos últimos tres años?

Han sido de intenso trabajo. En 2009 grabé Piano En Canto Venezolano II y ahora Piano Jazz Venezolano II. Conciertos y giras entre un momento y otro.

¿Qué te impulsa a retornar a tus raíces como pianista?

Realmente es un paso al frente basado en un concepto que comencé en Piano Jazz Venezolano. Lo que he estado haciendo es un arqueo de fuente para conocer de donde salen ciertas cosas. Los tres temas ganadores y el formato de piano solo después de los anteriores trabajos han sido mi gran motivación.

Prisca, eres pianista y cantas. ¿Dónde te sientes más cómoda?

Mi primer instrumento es el piano, por lo tanto soy, ante todo, pianista. El canto es para mí un complemento porque no concibo el canto sin el piano. Son como dos cosas que van juntas. El concepto se inició en Estoy Aquí, un álbum de transición. Esa búsqueda está reflejada en Piano En Canto Venezolano I y II. Debo decir que soy una pianista que canta y no lo contrario. El piano tiene preponderancia sobre lo que hago.

Cassandra Wilson: St. James Infirmary (Loverly, Grammy 2009)

Cassandra Wilson es una cantante de jazz postmodernista, un conceptualista que no ve líneas divisorias entre los géneros. Su carrera había comenzado en la década de 1970, y hasta 1990 se comercializó como una diva del pop. A partir de allí, su magnífica voz y su genio interpretativo de su marca como un cantante de jazz son aclamados por todas las edades. 

La ganadora del Jazz Grammy 2009 (Loverly, Blue Note, 2008) es una de las voces más importantes del mundo jazzístico actual. Luego de trabajar con Steve Coleman y su M-Base Collective, publicó su primer disco en solitario en 1985. Al principio, Wilson optó por la interpretación de standards, hasta que alcanzó su "estilo" característico, una acertada fusión del jazz con elementos del blues, el country, el folk y la música pop. Es una artista reconocida y con multitud de seguidores, inconfundible por el timbre y el tono de su voz, elegante sobre el escenario, y a quien la prestigiosa revista Time eligió en 2001 como Mejor Cantante de América.

Según http://bibliotecaymasmusica.blogspot.com, Loverly es una atractiva colección de standards, algo que no ocurría desde la publicación en 1988 de Blue Skies. Son temas clásicos del jazz y del blues, canciones familiares a las que Cassandra Wilson aporta un aire fresco, un nuevo aliento como consecuencia de una reinterpretación plena de emoción y personalidad.

El video contiene la presentación en vivo, en el Festival de Monterey 2008, de St. James Infirmary, un tema de jazz-funk, incluido en su laureado álbum Loverly.

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Erik Truffaz: el más puro Nu-Jazz

La novedad del Nu-Jazz es Erik Truffaz, un sorprendente trompetista nacido en Suiza en 1960, en cuyas composiciones fusiona elementos de hip hop, rock, world music y música electrónica. Ya muchos lo llaman el Padre del Electro-Jazz por su particular estilo de improvisación.

Según la data Wiki, Truffaz firmó contrato en 1996 con el sello francés EMI. Posteriormente, Truffaz consiguió éxito internacional con su segundo álbum para el sello Blue Note Records, The Dawn, que fue producido junto a Pat Muller, Marcello Giuliani y Mark Erbetta.

Desde entonces, produjeron varios álbumes para este sello, como Bending New Corners, que se convirtió en Álbum de Plata en Francia. Una de sus más recientes publicaciones de Truffaz, Arkhangelsk, es una mezcla de canciones de pop francés y jazz-groove, un disco de tonos melancólicos y lentos qie viene acompañado en dos temas por la voz de la cantante suiza de folk-pop-blues Sophie Hunger.

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