Nnenna Freelon: calidad indiscutible

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Hugo Santaromita

La asombrosa cantante Nnenna Freelon es, sin lugar a dudas, una de las vocalistas de jazz más importantes de la actualidad. Su música posee una singular e indiscutible belleza, alimentada por sus grandes cualidades vocales y su capacidad interpretativa.

Nnenna nació en Cambridge, Massachussetts, el 28 de julio de 1954 como Chinyere Nnenna Pierce, y sus estudios musicales la han convertido en una muy calificada compositora, productora y arreglista, que ha sido nominada cinco veces a los premios Grammy pór sus trabajos como vocalista. En 1979, se casó con el arquitecto Philip Freelon, y tiene tres hijos. Ha obtenido 10 premios Grammy.

Aunque en sus inicios profesionales estuvo vinculan con los servicios religiosos y sociales, posteriormente amplió sus estudios con Yusef Lateef, y durante varios años estuvo con un grupo, con el baterista Woody Williams. Ha colaborado con artistas de la talla de Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau, Anita Baker, Aretha Franklin, Dianne Reeves, Diana Krall, Ramsey Lewis, George Benson, Clark Terry, Herbie Hancock y Terence Blanchard, entre otros.

Ha sido dos veces ganadora en los premios Billie Holiday Award de la prestigiosa Academia de Jazz, y de los premios Eubie Blake Award. También ha sido nominada dos veces para Lady of Soul de Soul Train Award. Nnenna ha realizado varias giras con importantes músicos como Ray Charles, Ellis Marsalis, Al Jarreau y George Benson, por citar algunos.

Recientemente fue incluida en la cartelera semanal de los 10 mejores artistas de la revista JazzWeek por su reciente álbum Homefree.

Vamos a escucharla con una extraordinaria versión que hace del tema Round Midnight, escrito en 1944 por el pianista Thelonious Monk. Acá Nnenna se muestra muy minimalista, semejando el mismo ambiente que recreó el director francés Bertrand Travernier en su film del mismo nombre, estrenado en 1986.

Blog creado por Hugo Santaromita, comentarista y escritor venezolano de jazz.

Falleció el legendario trompetista Bill Dixon

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El lengendario trompetista de jazz Bill Dixon murió el pasado miércoles 16 de junio, a los 84 años, en su vivienda de North Bennington, en el estado norteamericano de Vermont, informa The Washington City Paper, citando al manager del artista.

Al contrario que la mayoría de genios del jazz, oriundos del sur de Estados Unidos, Dixon procedía de Massachusetts, en el noreste del país. Aunque no aprendió a tocar la trompeta hasta la edad adulta, pronto se convirtió en uno de sus mejores intérpretes.

A finales de los 50, Dixon encabezó en las Naciones Unidas la UN Jazz Society, que aún hoy existe. A principios de la década siguiente se convirtió en una destacada figura del género free jazz. Su October Revolution in Jazz, de 1964, condujo un año más tarde a la creación de la orquesta Jazz Composers Guild. Paralelamente, hasta su jubilación en 1995 ejerció como profesor de música en el Bennington College de Vermont.

Activista socio-político muy activo, con la Jazz Composer's Guild, promovió el Free jazz y luchó para mejorar las condiciones de trabajo de sus creadores. Para ello, impulsó actividades como la serie de conciertos conocida como La Revolución de Octubre en Jazz. Entre 1966 y 1968, trabajó con varios grupos y realizó grabaciones para RCA, aunque a partir de ésta última fecha se dedicó de forma intensiva a las labores pedagógicas en Vermont.

Durante los años 80 y 90, compatibiliza sus clases, actividades docentes prácticas (en las que colaboran músicos como Jimmy Lyons, Alan Silva...) y giras por Europa, para actuar en numerosos Festivales de Jazz, sobre todo en Austria e Italia.

Dixon fue una de las personas claves en el free jazz, no tanto como músico, sino como organizador y teórico. Como instrumentista, impulso una forma romántica, mediante el desarrollo de improvisaciones modernas, evanescentes y serenas. Esto se expone, de forma especialmente clara, en sus tres discos más conocidos: Somewhere (1962, con Archie Shepp), Metamorphosis 1962-1966 (1967) y November 1981 (1981).

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Virginia Ramírez y su Ensamble en España

La pianista de jazz y compositora venezolana Virginia Ramírez inició recientemente una serie de conciertos en España con su trío, integrado, además de ella, por Arturo Mora, en el bajo, y Carlos Franco, en la batería y percusión. Hasta el momento todas sus presentaciones están programadas para Madrid. Ya se presentó en el Rincón del Arte Nuevo, y continúan conciertos en Segundo Jazz, en El Despertar y en el Centro Cultural Blas de Otero. Posteriormente se presentará el 1 y 29 de julio en El Despertar y en Plaza Copas, respectivamente. También en el mes de julio, dará cuatro conciertos en el sur de Francia, acompañada por Tony Margalejo y Didier Hanot. Virginia Ramírez ha realizado giras europeas anteriormente, la primera de ellas a la Gran Bretaña, donde impresionó enormemente al público londinense. Está considerada como una de las grandes exponentes del jazz latinoamericano y, particularmente venezolano, ya que la mayoría de los ritmos e influencias en su repertorio pertenecen a su país.

Tiene dos álbumes a su haber, ambos con una perfecta fusión de jazz y ritmos latinos. Sus estudios los comenzó en Venezuela, especialmente en el Conservatorio Simón Bolívar y se graduó como pianista, concertista y profesora de piano en la Escuela Nacional de Música de La Habana. En una entrevista que le hice para la BBC (foto) señaló: "Cuando niña escuché en mi casa discos de Gonzalo Rubalcaba, Chucho Valdés y Emiliano. Poder estar en contacto con ellos en Cuba me enriqueció mucho". Eso fue ya hace algún tiempo y hoy la propia Virginia se ha transformado en una conocida pianista de jazz, con una fuerte inclinación por lo latino.

Virginia nació en la ciudad de San Cristóbal, Venezuela. Creció en una familia donde el arte, la poesía y la música son el lenguaje de cada día. Su madre poeta, su padre arpista y su hermano guitarrista. Desde los 7 años toca el piano y desde muy pequeña comenzó a desarrollar sus habilidades musicales. Empezó su formación en la Escuela Miguel Ángel Espinel con los profesores Edgar Vásquez (Piano) y Heliodoro Contreras (Teoría y Solfeo). Se graduó como pianista, concertista y profesora de piano en la Escuela Nacional de Música de la Habana (Cuba) con las máximas calificaciones. Estudió en la Escuela José Lorenzo Llamozas y en el ya mencionado Conservatorio de Música Simón Bolívar.

Ha realizado cursos de armonía e improvisación con los profesores Rodolfo Reyes, Gerry Weil, Julio Mendoza y Andrés Alen Rodríguez. Cursó estudios de perfeccionamiento con los profesores Igor Lavrov y Olga Capriles. Ha grabado en el programa “Jazz” del canal Venezolana de Televisión (Venezuela), en varias oportunidades y como invitada especial de otras agrupaciones. Ha presentado su propuesta como compositora y pianista en importantes festivales de Jazz en Venezuela como el Latín Festival, del Teatro de la Opera de Maracay (junio 2003) y el “Prehot” del 5to. Festival de Jazz de El Hatillo, Venezuela (octubre 2003), donde alternó y compartió el escenario con las bandas norteamericanas de Aarón Thurston (baterista) y Jaime Baum (flautista), recibiendo excelentes críticas de la prensa radio y televisión. Alterna su actividad de concertista de Jazz  con la docencia, impartiendo clases de armonía, improvisación y piano.

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Pamela Rodríguez: Tu Sonrisa

Silvia Velásquez

Pamela Rodríguez es una talentosa vocalista peruana, que mezcla el jazz, el pop y el R&B con elementos autóctonos de su país de origen. Su primer álbum, Perú Blue (2006), fue Disco de Platino y le mereció ser nominada ese año al Grammy Latino en la categoría de Mejor Nueva Artista. Criada en una familia eminentemente musical, Pamela exhibe influencias de Susana Baca, Eva Ayllón, dos grandes de la escena peruana, y también de Joni Mitchell, Erykah Badu, Jorge Drexler, Chet Baker, Zap Mama, Lila Downs y Bebel Gilberto, y es considerada la Norah Jones latinoamericana.

Pamela Rodríguez estudió en la Universidad de North Texas, reconocida escuela de música a nivel mundial, que formó músicos de la talla de Norah Jones, Lyle Mays (Pat Metheny Group) y Don Henley (The Eagles). En este centro de estudios se enfocó en Canto Jazz y Clásico, Teoría Musical y Etnomusicología, logrando relacionarse con músicos de primer nivel de todas partes del mundo con los que integró diversos conjuntos de música afro cubana, brasilera, africana haciendo varias presentaciones. Fue en esta etapa que desarrolló su capacidad de componer.

Segunda producción se titula En la Orilla, que la cantante lanzará en Caracas, Venezuela, el próximo 8 de julio en el Centro Cultural Corp Banca, en La Castellana, y donde destacan temas de su autoría como Tiempo, Pan por desnudar y Me estás sintiendo, Canto robado, Amor y sed, y el estándar de jazz Don't Explain, de Arthur Herzog Jr. y Billie Holiday. Este álbum es producido por Greg Landau, reconocido productor a nivel mundial por su trabajo con artistas como Susana Baca, Bobi Céspedes, Peter Seeger, Cristina Aguilera, Santana, Los Lobos y Maldita Vecindad, entre otros, y por haber producido para el sello Luaka Bop, de David Byrne. Ver esta información más abajo en este blog.

Escúchémosla con el tema Tu Sonrisa, una mezcla de pop, jazz y R&B, de excelente calidad.

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Cuando los músicos y los críticos no se entienden

Hay razones y razones, artistas prepotentes y comentaristas poco profesionales, pero ambos son parte esencial de una industria que necesita de todas sus piezas para que el show continúe.

Gregorio Montiel Cupello

La siguiente anécdota se le atribuye al pianista y compositor alemán Robert Schumann:

"Al día siguiente del estreno de una de sus obras, viene corriendo el asistente y le dice al gran músico: ¡¡¡Maestro, maestro!!! ¡Ese crítico bastardo! ¡El mismo de siempre! Otra vez ha destrozado su obra en su columna del periódico! Y se voltea el maestro, relajado, y le dice al asistente: "Tranquilo, Félix, ¿Cuándo has visto una estatua de un crítico?"

En este mismo orden de ideas, citamos al violinista Isaac Stern, que en una ocasión razonó: "Los críticos son como los eunucos, saben... pero no pueden".

Algunos músicos hacen fiesta con este tipo de consideraciones, que tienen sus fundamentos, pero que, como todo en la vida, son relativas y tienen sus "bemoles".

Para empezar porque hay músicos que han sido críticos importantes, como el pianista y compositor británico Leonard Feather (autor de los tres volúmenes de "The Encyclopedia of Jazz") o el saxofonista cubano Leonardo Acosta (que ha escrito libros como "Del tambor al sintetizador" y "Raíces del Jazz Latino").

Y luego porque esta es una industria en la que si falla una de sus bases, sencillamente cojea.

La música la hacen los músicos, pero sin medios de comunicación, periodistas, locutores, fotógrafos, industria, shows, locales nocturnos, teatros, sellos disqueros, tiendas, productores, managers, empresarios, ingenieros de sonido, público, seguidores, libros o videos a ningún lugar llega. Se queda en su casa.

Los músicos como artistas, creadores y seres sensibles que son con sus respectivos egos, les encanta que hablen de ellos, los tomen en cuenta y los inviten a programas de radio o televisión para proyectarse, ganar fama y consolidar sus carreras.

Cuando se les elogia, todo está muy bien y se trata de un comentarista atinado y amigo. Mas, cuando se pone el dedo en la llaga, con o sin razón, no toleran la crítica o la observación. En ocasiones por no aceptar que en realidad faltó ensayo, que hubo equivocaciones o que fue una "mala noche", todo lo que puede ocurrir.

En otras, porque el crítico o periodista no conoce el tema pero tiene que cubrir la pauta; tiene mala intención, no hay voluntad para documentarse al respecto por flojera o falta de profesionalismo; o porque es muy joven y está en proceso de formación.

Abordar la música para escribir de ella necesita de un alto grado de sensibilización y respeto para con el tema, haber escuchado los más diversos géneros a lo largo de muchos años, disponer de una amplia discoteca, documentarse sobre las diferentes corrientes musicales, sus correspondientes orígenes, historias, hitos e intérpretes; haber asistido a una buena cantidad de conciertos de los estilos más desiguales, leído libros sobre el asunto y hasta conocer de teoría y solfeo.

Pueden ser muy graciosas o celebradas las citadas salidas de Schumann o Stern, pero es una falta de respeto también (porque se generaliza) hacia quienes de buena fe están en el negocio de la música, lo hacen realidad, co-escriben la historia del arte sonoro atraídos por su magia y magnetismo, y hacen sus aportes según sus talentos y cualidades.

Aparte de los ya referidos ejemplos de Feather en el jazz y de Acosta en la música cubana, no puedo dejar de pensar en lo fundamental que fueron para el rock internacional el periodista Jann Wenner (co-creador de la revista Rolling Stone), el radio-Dj británico John Peel o el empresario Bill Graham.

En nuestra Venezuela habría que citar al locutor y promotor de jazz Jacques Braunstein (que le sugirió en su momento a Aldemaro Romero el nombre de Onda Nueva para ese ritmo que estaba naciendo); al igualmente locutor Phidias Danilo Escalona, quien acuñó el término "salsa"; a César Miguel Rondón, autor de "El libro de la salsa" y que hizo con Rubén Blades parte de "Maestra vida", o a ese gigante de la "pantalla chica" venezolana que fue Renny Ottolina, fundamental para el "show business" nacional de los sesenta y parte de los setenta.

Creo que quienes estamos de este lado tenemos que ser muy serios y rigurosos en nuestro oficio, y que los músicos deben ser más tolerantes y autocríticos.

Hay otra frase célebre con la que sí vamos a coincidir:

"Sin la música, la vida sería un error".

Friedrich Nietzsche

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Michel Petrucciani: el pequeño gigante del jazz

Michel Petrucciani fue un pianista de jazz francés. Nació en Orange (Francia), el 28 de diciembre de 1962 y falleció en Nueva York el 6 de enero de 1999.

Aquejado de osteogénesis imperfecta, pudo superar su discapacidad hasta convertirse en un artista de talento y renombre internacional, entre los mejores pianistas de jazz del mundo.

Petrucciani, quien apenas llegaba al metro de altura, se consagró desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano y acabó por convertirse en uno de los músicos de jazz europeo de mayor renombre de todos los tiempos. Dotado de un virtuosismo extremo, su estilo intimista y romántico, que partía de la escuela de Bill Evans -del que era un ferviente admirador-, combinaba con inteligencia el lirismo y la sutileza con un ataque poderoso y percusivo.

La manera de tocar de Petrucciani se caracterizaba por el ritmo, el sonido que imprime al piano, y una excepcional independencia polirrítmica de las manos derecha e izquierda. También compositor, tenía preferencia por la música brasileña, siempre presente en sus discos.

Reposa en el cementerio del Père Lachaise, en París, junto a la tumba de Chopin. Desde julio del 2003, existe en París una plaza Michel-Petrucciani.

Vamos a escucharlo con el tema Caravan, en una versión donde exhibe una precisión asombrosa en su arrolladora manera de improvisar sin salirse de la estructura melódica. Petrucciani fue un genio que apenas vivió 36 años, suficientes para dejar un legado musical extraordinario.

 

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Nikki Yanofsky: la niña prodigio

Nicole "Nikki" Yanofsky, nacida el 8 de Febrero de 1994, es una joven y prodigiosa cantante canadiense de jazz-pop, oriunda de la localidad de Hampstead, Quebec. Se ha presentado internacionalmente en variados festivales de jazz e importantes conciertos, tanto en solitario como junto a artistas como Wyclef Jean, Celine Dion, Marvin Hamlisch y la Orquesta de Count Basie. Está involucrada en causas benéficas y ha lanzado su primer álbum de estudio con su propio sello, A440 Entertainment, y con Decca Records fuera de Canadá. Yanofsky se hizo célebre por haber cantado el Himno Nacional de Canadá en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno de este año en Vancouver. También actuó durante la ceremonia de apertura y clausura de los Juegos Paralímpicos.

Con apenas 16 años, Nikki es considerada uno de los fenómenos recientes del jazz, provenientes del Canadá, una nación que en los últimos años viene aportando figuras de altísima calidad a este género musical, tales como Diane Krall, Elizabeth Shepherd y Michael Bublé, entre otros. 

Disfruten de este reportaje sobre esta niña prodigio y observen su calidad vocal.

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Pamela Rodríguez: jazz, fusión y ritmos peruanos

La novel vocalista de origen peruano, residenciada en Caracas, lanzará su nueva producción discográfica En la Orilla, el próximo 8 de julio en el Centro Cultural Corp Banca, en La Castellana.

Luego de sorprender a propios y extraños con Perú Blue trabajo que le valió la nominación a los premios Grammy Latino 2006 en la categoría Mejor artista nuevo y un Disco de Platino por ventas, Pamela Rodríguez presenta su segundo trabajo discográfico En la Orilla. Pamela Rodríguez es nacida en Lima, Perú, pero reside actualmente en Caracas, Venezuela.

La novel cantautora llega de la mano del reconocido productor musical Greg Landau, quien ha colaborado con Santana, Susana Baca, Maldita Vecindad, Buena Vista Social Club, David Byrne y Cristina Aguilera, entre otros, quien nos ofrece un aporte al nuevo sonido de la música peruana contemporánea.

En su nuevo álbum En la Orilla, Pamela transmite a través de su composición una armoniosa combinación en 11 temas escritos por ella que descubre la diversidad y efervescencia cultural de la Lima actual y una versión con ritmos peruanos del famoso estandard de jazz Don't Explain de Billie Holliday, que puede ser escuchado abajo. De esta manera, Pamela expresa la visión de los jóvenes peruanos que intentan encontrar sus raíces en un mundo globalizado y de homogenización cultural.

En la Orilla es una armoniosa fusión entre agradables melodías y ritmos sensuales que ponen sobre la mesa a muchos estilos de la música peruana sin simplificar ni encuadrar las complejas síncopas rítmicas de la zamacueca, el landó, la cumbia o el festejo.

La voz aterciopelada de Pamela nos habla con intensidad, fluidez y a la vez nos recuerda la pasión de una nueva Lima en donde la música criolla, la fusión, la cumbia, el rock, el hip hop y el reggae combinan en un interesante paisaje sonoro

Pamela se ha agrupado con músicos experimentados para explorar los ritmos del Perú, en especial los de la música criolla, como Fallo Muñoz (ex integrante de Susana Baca), Cotito Medrano (actual cajonero de Susana Baca y Nova Lima), Daniel Mújica, Josh Jones (baterista de Meshell Ndgeocello, Tupac, The Coup y Don Cherry), Mike Aaberg (teclados y músico de Lauren Hill) y Joscha Otees, contrabajista alemán con sabor criollo.

Escúchenla con dos temas: Don't Explain y Amor y Sed.

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Se reanuda VI Ciclo de Jazz de Caracas

Este jueves 3 de junio se inicia la segunda y última semana del VI Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas (CJNPV) que contempla cuatro conciertos sin desperdicio en su sede habitual del Centro Cultural Corp Banca, La Castellana.

El primero va a ser el de Simon, Simon & Simon, el grupo de los hermanos Ed, Marlon y Michael Simon, tres exitosos jazzistas venezolanos radicados en el exterior con destacadas carreras individuales cada uno y que tocarán juntos por primera vez en su país. Los Simon son de Punta Cardón, Falcón. Ed y Marlon viven en Estados Unidos y Michael en Holanda.

El viernes 4 el turno es para el gran "cantaor" criollo Goyo Reyna, nieto del maestro del cuatro Fredy Freyna e hijo de la destacada "bailaora" de flamenco Tatiana Reyna. El Goyo trae para el festival un show a medio camino entre lo venezolano, el flamenco y el jazz.

El fin de semana va a ser una buena muestra de jazz europeo con dos jóvenes exponentes. El sábado 5 toca el trío del joven y talentoso pianista de 27 años Remi Panossian, una de las nuevas figuras del jazz francés que se sabe manejar muy bien entre el lirismo y la energía combinando buen gusto, elegancia, vitalidad y fuerza.

El domingo 6 cierra el CJNPV el trompetista alemán de 28 años Matthias Schriefl, que también viene con su trío y una propuesta de las nuevas corrientes que se cultivan en el jazz de Alemania y Europa. Schriefl de una manera creativa e irreverente se nutre del rock, del punk y del academicismo de ayer y de hoy.

Todos estos conciertos son a las 8:00 pm, menos el del domingo que es a las 6:00 de la tarde.

El CJNPV comenzó el pasado miércoles 26 de mayo y en su primera semana presentó a Hermeto Pascoal y Aline Morena de Brasil, al Harlem Quartet de EEUU y a UC Jazz, Ensamble Kapicúa y Mala Junta de Venezuela.

Este festival que se hace desde 2005 es una producción del periodista Gregorio Montiel Cupello y Corp Banca, contando con el respaldo de las Embajadas de Brasil, EEUU y Francia, Alianza Francesa, Goethe Institut, Fundación Bigott, Universidad de Carabobo, Cultura Chacao, Onda 107.9 FM y Juan Sebastian Bar, que es el after hours del festival con jam sessions y descargas después de cada concierto.

Los recitales tienen un precio de Bs. 120,00 general y Bs. 80,00 estudiantes (cupo limitado). Más información en www.corpbancacentrocultural.com y por los (212) 577 0684 y (426) 705 1514

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Gonzalo Teppa: maestro del contrabajo

Hugo Santaromita

Gonzalo Teppa es uno de los músicos venezolanos más impactantes de la actualidad. Su sólida formación musical lo convierte en uno de los pilares fundamentales de la nueva música venezolana, que se ve enriquecida hoy en día con la influencia de muchos géneros, entre ellos el jazz. Teppa ha sabido combinar las claves de la música y ha logrado amalgamar un estilo de induscituble calidad intepretativa con su instrumento, el contrabajo, con el cual ha llegago a tener una relación casi humana, buscando otorgarle su rol de solista y componiendo obras para contrabajo solo, para orquesta de cámara y para piano.

Gonzalo Teppa inicia su carrera en el laureado Sistema Nacional de Orquestas como contrabajista. Su formación se nutrió, en buena parte, del repertorio académico, si bien el jazz y la música popular venezolana definen su trabajo de hoy. Su fructífero paso por Estados Unidos le deparó el premio como mejor solista de la Universidad de Colorado (2003); así como el reconocimiento como mejor solista del año en ese país, por la prestigiosa revista Downbeat Magazine (marzo 2004 y 2005).

Ha trabajado con artistas internacionales de la talla de Wynton Marsalis, Dave Holland, Slide Hampton, John Gunther, Conrad Herwig, Nelson Rangell, Tom Harrell, John Hadfield, Luis Conte, John Von Ohlen, Dave y Don Grusin, Ira Sullivan y Chip Stephens, entre otros. En Venezuela, un abultado historial de conciertos y grabaciones lo asocia con músicos de calibrada referencia, tales como: Simón Díaz, Aldemaro Romero, Ensamble Gurrufío, Aquiles Báez, Nené Quintero, Rafael “El Pollo” Brito, C4 Trío, Leo Blanco, Diego “El Negro” Álvarez, Andrés Briceño, Biella Da Costa, Gerry Weill, Pablo Gil, Alfredo Naranjo, Adolfo Herrera, Eddy Marcano y Alexis Cárdenas, entre otros.

Gonzalo se considera un músico integral y que hoy en día es un error etiquetar la música. “Hay mucha fusión, mucha integración de culturas y estilos. La música es un don que Dios nos otorga para asumir la responsabilidad de cultivarla, sin presumir, sin irrespetar a los colegas. Debajo de la música está escondida la humildad. Sólo tenemos que escudriñar en ella para encontrarnos con esa virtud”. Teppa se considera un músico que ha buscado varias herramientas que le ayudan a solucionar muchas situaciones en la vida, entre ellas, alimentar el espíritu entre los que la buscan como una terapia de paz.

Vamos a escucharlo con dos temas de indiscutible calidad: Tema de Amor, original del maestro venezolano Aldemaro Romero, y Un bossa para Emilio, de su autoría, dedicado a Emilio Arocha e interpretado por la cantante de jazz y blues, Biella Da Costa.

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