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septiembre 13, 2022

El inmenso legado de Chick Corea




Hablar de Chick Corea es hablar de la esencia del jazz. El compositor y pianista estadounidense, fallecido en 2021, significó una trayectoria de innovación pura, un músico que se atrevió a romper los estereotipos del jazz al mezclarlos con elementos latinos y con la rumba flamenca española. Si hay algún país que le debe la renovación del jazz flamenco es precisamente España, de cuyas tradiciones estuvo siempre enamorado.

Hablar hoy de Chick Corea es igual a hablar en el pasado de Mozart. Corea era un revulsivo de ideas creativas que al igual que el célebre vienés, lo llevaron a componer más de un centenar de temas vinculados al jazz con influencias latinas y españolas. Su composición más emblemática, Spain, le ha dado la vuelta al mundo en cientos de versiones, con complejas armonías que la definen como una obra maestra.

Corea murió el 9 de febrero de 2021 de una forma rara de cáncer que fue diagnosticada recientemente. Tocó con el genio Miles Davis a finales de la década de 1960. Su entrada en esta formación se produjo por influencia del batería -Tony Williams-, quien recomendó a Davis la inclusión de Corea en el grupo. Con Miles, Chick Corea introdujo el piano eléctrico como innovación. A partir de entonces, fue usual encontrar este instrumento en las bandas de jazz.

Participó en los discos In a Silent Way y, sobre todo, Bitches Brew, otra de las cimas del jazz contemporáneo, con cuya grabación el genio de Miles se convirtió en inductor de un nuevo estilo de jazz que primero denominaron jazz-rock, y, poco después, fusión. Luego, el grupo de Corea, Return to Forever, se convirtió en la vanguardia del movimiento de fusión de jazz

Uno siempre ha creído que los artistas son inmortales, no por su obra, sino porque siempre creemos que estarán allí. Cuando nos percatamos de la obra de Corea por allá a mediados de los 70, muchos quedamos alucinados por la templanza y el arrojo con el cual ejecutaba el piano y demostraba la calidad de sus composiciones.

Hizo demasiadas "llaves" con músicos de alta calidad hasta el punto de que en los últimos años muchos de ellos se desvivían en participar en los proyectos musicales convocados por este genio de origen italiano nacido en Massachussets. Por su vida, además de Miles Davis y el baterista Tony Williams, desfiló una larga lista de músicos que hicieron música electrónica de vanguardia y exploraron las raíces latinas dentro del jazz.

Músicos y bandas brillantes

En su banda Return to Forever, años 70, estuvieron Joe Farrell, Stanley Clarke, Airto Moreira, Flora Purim, Lenny White, Billy Connors y las breves estancias de Earl Klugh y Al Di Meola.

Luego profundizó con el piano clásico formando un cuarteto con Miroslav Vitous, Roy Haynes y Michael Brecker, homenajeando al ícono del jazz, Thelonious Monk. También hizo giras a dúo con el vibrafonista Gary Burton y el pianista Herbie Hancock.

Luego formó The Electric Band, una especie de segunda parte de Return to Forever. en compañía de brillantes músicos como el saxofonista Eric Marienthal, el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson y el baterista Dave Weckl. Más tarde vino la Akoustic Band, en los años 90, la que, al contrario de la anterior, forjó un sonido acústico memorable y muy original, junto a Patitucci, Weckl y luego Bob Berg.

Colaboró con el maestro Paco de Lucía en dos álbumes: Touchstone (1982) y Zyriab (1990). Poco después en 2001 formó una yunta con el bajista israelí Avishai Cohen y el baterista Jeff Ballard, agrupados en el Chick Corea New Trio.

Un nuevo grupo, Five Peace Band, comenzó una gira mundial en octubre de 2008. El conjunto incluía a John McLaughlin con quien Corea había trabajado anteriormente en las bandas de Miles Davis de finales de los 60, incluido el grupo que grabó el álbum clásico de Davis, Bitches Brew. Junto a Corea y McLaughlin estaban el saxofonista Kenny Garrett y el bajista Christian McBride.

En la última parte de su carrera, formó otras dos memorables bandas: The Vigil, junto al bajista Hadrien Feraud, Marcus Gilmore en la batería, Roy Haynes en los saxofones, flauta y clarinete, Tim Garland en el bajo y el guitarrista Charles Altura. La otra fue The Spanish Heart Band, en la cual le rendía homenaje a la música española con lo que siempre hizo en su vida: mezclar el jazz con el flamenco. Se trataba de una super banda de 11 figuras que, además de Corea en el piano y los sintetizadores, reunió a los cantantes Rubén Blades, Gayle Moran y María Blanca; Niño Josele, en la guitarra; Carlitos Del Puerto, en el bajo; Jorge Pardo, en la flauta y el saxofón; Michael Rodríguez, en la trompeta; Steve Davis, en el trombón; Marcus Gilmore, en la batería; el venezolano Luisito Quintero, en la percusión, y Nino De Los Reyes, en el claqué.

Quedan para la posteridad canciones como la mencionada Spain, Armando's Rhumba, Song of Wally, Crystal Silence, My Spanish Heart, Rumble, Moanin', Windows, 500 Miles High, Samba Yantra, Bud Powell, Señor Mouse, Night Streets y The Romantic Warrior, entre otras.



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agosto 21, 2022

Miguel Zenón y Emmet Cohen, una dupla irrepetible



El saxofonista Miguel Zenón ha sido nominado a múltiples premios Grammy y miembro de Guggenheim y MacArthur, representa a un grupo selecto de músicos que han equilibrado y combinado magistralmente los polos, a menudo contradictorios, de innovación y tradición. Ampliamente considerado como uno de los saxofonistas y compositores más innovadores e influyentes de su generación, también ha desarrollado una voz única como conceptualista, concentrando sus esfuerzos en perfeccionar una fina mezcla entre el Jazz y sus muchas influencias musicales.

Nacido y criado en San Juan, Puerto Rico, Zenón ha construido una distinguida carrera como líder, lanzando quince álbumes bajo su propio nombre. Además, ha forjado su identidad artística dividiendo su tiempo en partes iguales entre el trabajo con maestros del jazz mayores y los innovadores más jóvenes de la música, independientemente de los estilos y géneros. La lista de músicos con los que Zenón ha realizado giras y/o grabado incluye The SFJAZZ Collective, Charlie Haden, Fred Hersch, Kenny Werner, David Sánchez, Danilo Pérez, The Village Vanguard Orchestra, Kurt Elling, Guillermo Klein & Los Guachos, The Jeff Ballard Trio, Antonio Sanchez, Brian Lynch, Joey Calderazzo, Steve Coleman, Ray Barreto, Andy Montañez, Jerry Gonzalez & The Fort Apache Band, The Mingus Big Band y Bobby Hutcherson.

Regresa Manhattan Transfer con "Fifty"




El legendario grupo vocal The Manhattan Transfer celebra su 50 aniversario con un nuevo álbum, Fifty, donde revisita algunos de sus mayores éxitos con nuevos arreglos y otras canciones clásicas. Fifty se lanzará el 23 de septiembre en formato digital y el 21 de octubre en CD a través de Craft Recordings. Además, el grupo también ha anunciado que se embarcará en su extensa gira transcontinental final que comenzará en Modesto, California, el 7 de octubre y continuará hasta 2023.

La agrupación vocal se formó en Nueva York en 1972 cuando Tim Hauser conoció a Laurel Massé durante un viaje en taxi y ambos descubrieron su afinidad por el mismo tipo de música. Posteriormente Laurel también se encontró con Janis Siegel, en ese momento cantante en un grupo folk, y la convenció de sumarse al proyecto. Finalmente, la formación inicial se completó con Alan Paul, galán y cantante en Broadway, Nueva York, el 1 de octubre de 1972, la que se considera como fecha de fundación del grupo. 

En 1978 Laurel Massé sufrió un grave accidente automovilístico que estuvo a punto de costarle la vida, pero la dejó en convalecencia durante dos años y la obligó a alejarse de la banda. Más adelante retomaría la música como solista, siendo reemplazada por Cheryl Bentyne. Esta formación (Hauser, Siegel, Paul y Bentyne) se mantuvo inalterada desde entonces hasta la muerte de Hauser en 2014, quien fue sustituido por  Trist Curless. Al poco tiempo de la salida de Laurel Massé de The Manhattan Transfer, se editó el disco en vivo The Manhattan Transfer Live, que fue seguido por el disco en estudio Extensions en el cual aparece Birdland, una de sus interpretaciones más conocidas. Posteriormente vendría el reconocimiento de la industria con varios premios Grammy, el primero de los cuales fue recibido en 1980 por Mecca for Moderns, y posteriormente ganaron el Grammy a la mejor interpretación vocal jazz, duo o grupo por su versión de la canción Route 66 de 1982.

The Manhattan Transfer siguen actualmente activos y, de hecho, Cheryl, Janis y Alan, junto al nuevo miembro, Trist Curless, tienen intención de proseguir con su actual gira para homenajear a Tim Hauser.



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julio 31, 2022

Snarky Puppy homenajea a Dallas con "Empire Central"




Snarky Puppy, uno de los mejores conjuntos instrumentales del mundo, compartió la última vista previa de su próximo álbum, Empire Central, que se lanzará el 30 de septiembre a través de GroundUP. Grabado en vivo en el estudio, el álbum rinde homenaje a su ciudad natal de Dallas, Texas, y el incendiario nuevo sencillo, Bet, es una pista contundente inspirada en el líder de la banda y director musical de Dallas, RC Williams. Snarky Puppy también ha anunciado recientemente más próximas fechas de giras por Europa y Estados Unidos.

Grabado en el transcurso de ocho noches frente a una audiencia en vivo en el estudio en Deep Ellum Art Company de Dallas, Empire Central consta de 16 pistas completamente nuevas fuertemente influenciadas y que rinden homenaje a la ciudad que dio origen al grupo después. se formaron mientras estudiaban en el legendario programa de jazz de la Universidad del Norte de Texas. El disco también presenta la última actuación grabada del pionero del funk de los 80 y el padrino musical de Snarky Puppy, Bernard Wright, quien falleció trágicamente a los 58 años poco después de las sesiones de grabación de Empire Central.

Con una formación que consta de tres guitarristas, cuatro tecladistas, dos vientos de metal, dos vientos de madera, un violinista, varios percusionistas y bateristas y el líder de la banda Michael League en el bajo, Empire Central amplía la amplia gama de influencias del colectivo, que incluye blues, hard rock, música clásica soul, gospel moderno, funk, new tech, progresivo, fusión y jazz.



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julio 17, 2022

La versatilidad de Joey Alexander


El primer álbum de Joey Alexander con música totalmente original, Origin, ahora está disponible como un LP doble en vinilo color cristal marino a través de Mack Avenue. El disco encuentra al pianista/líder de banda/compositor regresando al estudio con la sección rítmica con los colaboradores de mucho tiempo Larry Grenadier y Kendrick Scott, además de los invitados especiales Gilad Hekselman y Chris Potter en pistas seleccionadas.

Joey Alexander es un pianista de jazz de Indonesia. Se convirtió en el primer músico indonesio en figurar en Billboard 200 cuando su álbum My Favourite Things debutó en el número 174 y luego alcanzó el puesto 59.

Un niño prodigio, Joey Alexander aprendió a tocar jazz a los seis años escuchando los álbumes clásicos de jazz de su padre. Ganó el Gran Premio en el Master-Jam Fest 2013 cuando tenía nueve años.

En 2014, Wynton Marsalis lo invitó a tocar en Jazz at Lincoln Center. Su primer álbum, My Favourite Things, fue lanzado en 2015 cuando tenía 11 años. Joey Alexander tocó en los Festivales de Jazz de Montreal y Newport en 2015 y ha actuado para Herbie Hancock, Bill Clinton, Wendy Kiess y Barack Obama.

El trompetista de jazz Wynton Marsalis, director artístico de Jazz en el Lincoln Center, se enteró de Joey Alexander después de que un amigo le sugirió que mirara un videoclip de YouTube de él tocando composiciones de Coltrane, Monk y Chick Corea. Marsalis elogió a Joey Alexander como "mi héroe" en su página de Facebook, y lo invitó a aparecer en la gala de su organización en mayo de 2014, cuando tenía 10 años. Marcó el debut de Joey Alexander en Estados Unidos. Recibió críticas positivas por su actuación, particularmente por su versión en solitario de la canción de Monk "Round Midnight". 

The New York Times dijo que se convirtió en una "sensación de la noche a la mañana" después de la actuación. Allen Morrison, de la revista Down Beat, dijo sobre la interpretación: "Si la palabra 'genio' todavía significa algo, se aplica a este prodigio. Tocó sus propias variaciones en solitario de 'Round Midnight' con una precocidad impresionante y un dominio de varias décadas de estilo pianístico". Marsalis dijo de él: "Nunca ha habido nadie en quien puedas pensar que pueda tocar así a su edad. Me encantó todo sobre su forma de tocar: su ritmo, su confianza, su comprensión de la música". 

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junio 22, 2022

La heretodoxia de Javi Ruibal y su jazz flamenco



Javier Ruibal de Flores Inchaurrondo, percusionista y batería nacido en El Puerto de Santa Maria (Cadiz) el 9 de julio de 1983. Es también ingeniero de Sonido titulado por el C.E.V con validez en toda Europa (2000). Comienza en la música de forma profesional a los 15 años acompañando a su padre Javier Ruibal por todo el mundo, después cursa estudios en la escuela de música popular durante un año (2003), recibiendo clases de Guillermo Mc Guill, luego otros dos años más en la escuela de música creativa (2004- 2006), donde complementa con estudio de lenguaje musical y piano complementario. En 2007 recibe clases durante tres meses en Cuba de Ruy Lopez Nussa (batería) y Adel Gonzalez (conga).

Este video fue grabado en directo durante el concierto "Solo un mundo - La Fiesta" conmemorativo del 2º aniversario del disco "Solo un mundo" el día 1 de abril de 2022 en el Teatro Moderno de Chiclana, Cádiz. "Solo un mundo" es un viaje por el planeta, los santuarios naturales y los de la percusión. Es también un grito en defensa de nuestro planeta, la voz de los árboles, de los animales, los mares y los ríos que nos piden que los cuidemos, los atesoremos y en definitiva que los respetemos y amemos. 

Ruibal nos sorprende en este primer trabajo discográfico con una colección de músicas que, por su gran madurez, distan de lo que cabría esperar de un estreno como compositor. Jose Recacha ha sido el encargado de dirigir esta producción y firma también los exquisitos arreglos. El nivel de producción alcanzado por Jose Recacha y Javi Ruibal es sublime, lo cual era de esperar dada la extensa carrera que hace ya mas de quince años emprendieran juntos como equipo de producción para otros artistas. Aparecen de forma sutil en este disco reminiscencias Ruibalíes, el inconfundible sonido Glazz y el regusto de lo escuchado en las ya numerosas actuaciones en directo que Javi nos ha ofrecido en terreno del flamenco-Jazz.

Formación:
Ale Benítez - bajo eléctrico
Manu Sánchez - piano
Diego Villegas - flauta
Jorge Pérez (Patax) - congas
Javi Ruibal - batería


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Yellowjackets se renueva con "Downtown"


Yellowjackets: Jimmy Haslip, Russell Ferrante, Felix Pastorius y Bob Mintzer

Como un conjunto de jazz sólido y de larga data,  Yellowjackets  ha explorado un universo propio de paisajes sonoros electroacústicos en sus casi cuatro décadas de historia. Desde el álbum debut homónimo de la banda en 1981, Yellowjackets ha seguido adelante constantemente con declaraciones artísticas innovadoras y desafiantes. Para  Jackets XL, su álbum número 25 y cuarto para Mack Avenue Music Group, la banda continúa expandiéndose y reinventándose con una colaboración emocionante y con mucho cuerpo con la soberbia WDR Big Band de Colonia, Alemania. El proyecto combina el cuarteto cambiante y ganador de múltiples premios Grammy con la renombrada big band, reinventando los originales de la banda conocida con nuevos arreglos dinámicos que presentan giros y vueltas, texturas y colores, armonías conmovedoras y solos audaces.

“Esta banda nunca se durmió en los laureles”, dice el saxofonista tenor e intérprete de EWI Bob Mintzer, Yellowjacket desde 1990 y director principal de WDR Big Band desde 2016. 

“Los Yellowjackets son muy expertos en reinventar. Los cuatro somos los músicos más adaptables con los que he trabajado. Cualquier ambiente, cualquier estilo, sabemos que podemos hacerlo. En cuanto a la WDR, son uno de los mejores grandes conjuntos de jazz del mundo. Sabía que los dos grupos serían un buen matrimonio”. La banda también está compuesta por el fundador, el teclista Russell Ferrante, el baterista Will Kennedy y el bajista eléctrico Dane Alderson en su tercera grabación para el grupo.

En 1977, el guitarrista Robben Ford estaba grabando su primer proyecto en solitario y reunió al teclista Russell Ferrante, al bajista eléctrico Jimmy Haslip y al baterista Ricky Lawson para el álbum. Decidieron continuar como grupo y el productor Tommy LiPuma firmó con Warner Bros. Records, quien eligió el nombre Yellowjackets de una lista de posibles nombres de grupos que la banda había compilado.

En 1984, el segundo álbum de la banda, Mirage a Trois, fue nominado a un premio Grammy a la mejor interpretación de fusión. Ford solo tocó en la mitad de este álbum, y después de dejar el grupo, el saxofonista Marc Russo fue contratado en su lugar. El siguiente álbum, Shades, alcanzó el número 4 en la lista de álbumes de jazz de la revista Billboard, mientras que el sencillo And You Know That ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de R&B. Lawson se fue y fue reemplazado por Will Kennedy en 1987. Sus siguientes tres álbumes, Four Corners, Politics y The Spintodos recibieron nominaciones al Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz Fusion. Con Russo dejando la banda en 1990, Bob Mintzer lo reemplazó para el álbum Greenhouse, que alcanzó el número 1 en la lista Billboard Contemporary Jazz Album. Mintzer se ha mantenido desde entonces.



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junio 19, 2022

John Armato: el baterista de las baladas


En la superficie, el álbum debut de larga duración del baterista John Armato puede parecer una colección de baladas reinventadas escritas o hechas famosas por algunos de los directores de orquesta más aclamados del mundo. Sin embargo, uno no tarda mucho en darse cuenta de que el autoeditado The Drummer Loves Ballads es mucho más que eso. La pista está en su preludio, una de las tres pistas habladas del programa a través de las cuales Armato proporciona un arco narrativo autobiográfico que destaca su conexión con el arte de la balada. También vale la pena mencionar que la única composición original, At the Trocadero, la pieza más personal del álbum, es una canción que conmemora un club de jazz ahora olvidado en Kansas City que era el destino favorito de los padres de Armato cuando eran novios.

Otra pista, por supuesto, está en el título del álbum. Su premisa se cumple con los hermosos arreglos de Armato, que a menudo se casan con influencias de gran alcance y le dan un nuevo significado al cliché "darle nueva vida a los estándares gastados". Tomemos, por ejemplo, su versión de la apasionante historia de amor ilícito de Henry Mancini, Las sombras de París, de la película de 1962 A Shot in the Dark. Aquí, el arreglo de claroscuro de Armato realza la carga emocional de la pieza original con la carga melancólica de Johannes Brahms, mientras que ocasionalmente asiente con la cabeza a la escena del jazz parisino vintage de los días legendarios de Django Reinhardt y Stéphane Grappelli con florituras de buen gusto. En otros lugares, su versión de Poinciana de Ahmad Jamal utiliza un enfoque aún más radical al reimaginar el famoso original como una reproducción aleatoria. Los ejemplos son innumerables y se pueden encontrar hechos e historias adicionales detrás de cada una de las pistas de The Drummer Loves Ballads en un sitio web que Armato ha creado especialmente para este lanzamiento.

mayo 21, 2022

Melody Gardot y Sting: "A Little Something"


Sting y Melody Gardot narran una aventura casual en su nueva canción, A Little Something, del álbum recientemente lanzado por Gardot, Sunset in the Blue.

En el dúo, respaldado por una guitarra española, Sting y Gardot describen una relación sin ataduras: "No me llames amante/deja de pensar en eso, piensa en eso", pero una con mucha pasión, no obstante. La canción fue creada con el guitarrista de mucho tiempo de Sting, el argentino Dominic Miller, y con la productora francesa Jen Jis.

Gardot lanzó su quinto álbum de estudio, Sunset in the Blue, el pasado 23 de octubre de 2021 a través de Decca Records. Mientras estaba confinada en su casa en París durante la pandemia de Covid-19, Gardot organizó una orquesta virtual de músicos desempleados a causa de la pandemia y los reunió para tocar en su sencillo From Paris With Love.

A Little Something fue grabada especialmente para The One Show desde Florencia, Italia. Sting luce como un buen vino, pues con el paso de los años ha ido mejorando, mantiene su espíritu juvenil y el buen gusto de siempre. 

mayo 07, 2022

Gretchen Parlato, Edward Simon y SFJAZZ homenajean a George Floyd


Edward Simon, oriundo de Venezuela, se ha hecho un nombre durante décadas en Estados Unidos como improvisador de jazz, compositor, arreglista y líder de banda, y su perfil se ha incrementado en los últimos años a medida que explora los puntos en común que el jazz puede tener con los sonidos folclóricos. de América Latina. JazzTimes resumió su impacto de esta manera: “Se habla menos de Simon que de muchos otros importantes pianistas de jazz del Caribe y América del Sur, pero puede que sea el artista creativo más completo entre ellos”.

Con sede en el Área de la Bahía de San Francisco, como miembro del Colectivo de estrellas SFJAZZ, ha sido becario Guggenheim y ha recibido múltiples becas de composición como parte de la iniciativa New Jazz Works de Chamber Music America. Simon, un artista de Yamaha, ha grabado 16 álbumes como líder o co-líder; su último es Solo Live, lanzado a través de Ridgeway Records en octubre de 2021. Esto sigue al álbum de Simon de 2020, 25 Years, y su álbum de 2016, Latin American Songbook, con la revisión DownBeat de cuatro estrellas y media elogiando su sonido "grandioso y sofisticado". 

Latin American Songbook también le valió a Simon un premio NAACP Image por Mejor Álbum de Jazz. The New York Times ha elogiado el "toque ligero y cálido" de Simon como pianista, mientras que Jazz Journal International destacó "sus profundas declaraciones emocionales" como compositor e improvisador. Simon recibió en 2021 los premios Chamber Music Americas New Jazz Works y South Arts Jazz Road Creative Residencies.

Es Dios

"Esa lengua de fuego se abría despiadada, como urdiendo en el alma y buscando donde cabalgar. Resoplaba fuerte, escrutaba el ojo, mordía la mente y ondeaba su calor, como haciéndonos sentir que somos una miniatura, una milmilésima parte del universo. Esa lengua de fuego, creación al fin, es lo mismo que la hoja, que la piedra, que el agua, que el ave, que la hierba. Es Dios".

La compuerta de la vida

"A veces, casi inerme, entrebusco la fórmula de la vida, y encuentro una melodía que me exige respirar, profundo, restituyéndome la fe en el futuro. Sólo Dios abre la compuerta de la vida, y la música es el compás de espera a la perfección, el estadío más emocionante del ser humano".

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